Nacido en Niza en 1883, Gustav Adolf Mossa, iba a tener en su padre, Alexis Mossa, ilustrador, pintor y creador de numerosos carteles para el carnaval de Niza, una de las más fuertes influencias para dedicarse a la pintura.
La inclinación hacia el arte comenzó en su temprana edad. Dice su biografía que con nueve años realizó una pintura tomando como modelo la fotografía de su progenitor.
Pertenece Gustav Adolf Mossa a ese grupo de pintores como Gustave Moreau, Edgar Maxence y algunos más que se inspiraron en el Quattrocento y en los Pre-Rafaelistas para realizar su obra.
LA DAMA Y EL JOKEY
En Mossa, además, observamos una gran influencia del Art Nouveau debido, en parte, a su formación en la Escuela Decorativa de Arte de Niza hasta el año 1900 en dónde tuvo contacto con este estilo que hacia 1890 surgiría en Europa y que, aunque conocido como Art Nouveau, tomó diferentes nombres en los distintos países europeos en los que se desarrolló y del que hablaremos en este Taller de Encuentros en futuras entradas.
EVA PANDORA
Mossa, al igual que otros simbolistas, también se inclinó hacia la literatura escribiendo obras de teatro y diversos poemas.
EL PRINCIPE DE LA ESTUPIDEZ
Su padre, además de ser de gran influencia a la hora de elegir el arte como oficio, encendió en él un interés por los paisajes de los alrededores de su Niza natal y le introdujo en el arte de la acuarela. Todo ello hizo que fuera adquiriendo una técnica fina y precisa. El primer cuadro que se podría considerar simbolista, “Salomé”, lo pintó hacia 1901.
SALOMÉ
También sería con su padre con quien viajaría a Italia. Un viaje por Padua, Mantua y Venecia que le pondría en contacto con todos los movimientos artísticos del momento.
MARIA MAGDALENA
Entre los años 1904 a 1911 gozó de un periodo muy fructífero. De esa fecha datan sus pinturas simbolistas pero también las acuarelas de paisajes, las escenas de carnaval y también mucha de su producción literaria.
PIERROT
En 1913 expone en Niza y en París toda una serie de obras inspiradas en Robert Schumann.
En toda la obra de Gustav Adolf Mossa hay múltiples referencias a los símbolos, los mitos y las fábulas.
DAVID Y BETHSABEE
Mossa trabajó en el simbolismo durante muchos años. Posteriormente descubriría el “primitivo flamenco” que haría que abandonase esa tendencia pictórica. Sus obras consideradas simbolistas fueron abundantes sobre todo en un periodo determinado, pero la mayoría se conocieron después de su muerte.
AUTORRETRATO
Gustav Adolf Mossa murió en la ciudad que le vio nacer, Niza, en 1971 dejando una obra que nos acerca mucho a ese Art Nouveau que bebió, entre otras, de las fuentes del simbolismo.
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Fuente consultadas:
El simbolismo. Michael Gibson (Edit. Taschen)
Historia Visual del Arte. Claude Fontisi (Edit. Larousse)
Pierre Cécile Puvis de Chavannes, nacido en Lyon en 1824, está considerado como el más clásico de los simbolistas.
En la Historia del Arte, coincide con los impresionistas, al igual que sucedió con los demás pintores considerados cercanos al simbolismo.
LA PALOMA
Después de su paso por la Escuela Politécnica, marchó a Italia y decidió dedicarse a la pintura tomando como maestros a Delacroix y Thomas Couture en cuyos Talleres se formó y cuya obra estudió en profundidad.
ALEGORÍA DE LA VIDA
Tuvo un reconocido éxito con su obra que era bastante peculiar, ya que aunque era el óleo sobre lienzo la técnica que utilizaba, su finalidad era el mural en el que lucía como un fresco.
MAGDALENA
Se valía para ello de grandes lienzos que después de pintar al óleo encolaba en los muros y paredes. Esas obras que decoraron paredes en EEUU y en Europa, fueron las que más éxito le acarrearon, atrayendo hacia él tanto elogios como críticas negativas, sobre todo por parte de los impresionistas que en esos momentos luchaban por sobresalir, mientras que Chavannes, con suS buenas relaciones en las altas esferas y con esas ricas decoraciones, gozaba ya de gran prestigio. También es cierto que los pintores más progresistas como Gauguin o Picasso admiraban la obra de Puvis de Chavannes por su color atrevido y sus temas cargados de fantasía.
EL SUEÑO
Los temas, no obstante, eran los clásicos de los simbolistas, inspirados en la mitología, la religión, la historia y la literatura. Sin ser especialmente religioso, sus obras tienen mucho de espiritual y también se plasma en ellas un carácter visionario, como de provenir del más allá.
LAS JÓVENES Y LA MUERTE
Tuvo gran influencia en su obra el tiempo que pasó en Italia que hizo que comprendiese la gran importancia del oficio de pintor y de la pintura decorativa.
JÓVENES EN LA ORILLA DEL MAR
No se conoce a la persona que le dio el trabajo que sería el descubrimiento de su auténtica vocación: la pintura monumental. Al parecer ésta surgió cuando le eligieron para pintar los frescos de la escalera del museo de Amiens.
También fue peculiar en su obra el trato que dio a la perspectiva y a los planos, atreviéndose con distorsiones, tanto en ellos como en las propias figuras.
LA TOILETTE
Una de las mayores críticas que recibió se refería a la falta de formación técnica. Se le criticó su técnica plana, carente de volumen y se decía de él que era incapaz de dibujar con precisión. Pero Puvis de Chavannes dedicó su vida al arte, formándose en Italia y en diferentes talleres y creando un estilo propio y bien definido. También encontramos dentro de su obra numerosos dibujos y trabajos que confirman que se formó intensamente como artista.
MUJER TENDIDA SOBRE LADO IZQUIERDO. Dibujo
Entre sus muchas obras podemos mencionar una Esperanza que se conserva en el Walters Art Gallery de Baltimore y que fue realizada en 1870.
LA ESPERANZA. Museo Walters Art Gallery de Baltimore
El Museo Orsay de París posee una obra similar en versión más reducida, también realizada entre 1871 y 1872.
En ella el pintor representa la esperanza en una joven desnuda, sentada sobre una tela blanca. Como fondo aparece un paisaje yermo con una arquitectura en ruinas y cruces propias de cementerioque evocan tristeza, muerte y conflictos, pero hay rasgos en el lienzo que dan pie a la esperanza como es el ramo de olivo que sostiene la joven y que nos da la imagen de la paz, o la luz que proviene de las colinas que indican el nuevo día. También las flores que aparecen en el lugar en que se encuentra sentada la joven dan sensación de renacimiento. Al carecer de datos precisos se podría decir que es una pintura atemporal con carácter de símbolo universal.
LA ESPERANZA. Museo Orsay de París
En otra de sus obras más conocidas: “El pobre pescador” también se puede apreciar su tendencia a la pintura monumental, con falta de relieve y con un color bastante apagado. Esta obra al parecer fue una de las más criticadas por los jóvenes pintores del momento y también la más defendida por Gauguin o por Odilon Redon, otro de los simbolistas que nos visitó en estos "Encuentros" el día 25 de diciembre de 2010.
EL POBRE PESCADOR
Durante la última parte de su vida, aunque no tuvo discípulos o escuela propia, su palabra en Arte era ley. El Gobierno recurría a él para grandes obras, como la decoración del hemiciclo de la nueva Sorbona.
BOSQUE SAGRADO AMADO POR LAS ARTES Y LAS MUSAS
Ciudades como París, Lyon, Burdeos o algunas de EEUU siguieron el camino que había comenzado la ciudad de Amiens. Cuando la ciudad de Boston quiso decorar la escalera de su biblioteca fue Puvis de Chavannes el elegido.
VERANO
La pintura decorativa logró con él tener un lugar en las artes y el maestro convertirse en un artista laureado. Cada una de sus obras, que ya estaban presentes por toda Francia, como “Bosque sagrado amado por las artes y las musas” conservado en el museo de Bellas Artes de Lyon, o “Invierno” y “Verano” para el Hotel de la Villa, o “Santa Genoveva vigilando sobre París”, una hierática e impresionante figura vestida con hábitos que vigila la noche parisina, no hacían más que otorgarle mayor reputación.
SANTA GENOVEVA VIGILANDO PARÍS
Después de la muerte en 1894 del pintor Meissonir, Puvis de Chavannes fue elegido unánimemente para la presidencia de la Sociedad de Artistas Franceses. Ya se había ganado un respeto como artista y pensador.
RETRATO DEL AUTOR
Puvis de Chavannes murió en París en 1898. Sobrevivió tan solo unos meses a la que fue su esposa, la princesa Marie Cantacuzene, cuyos rasgos se reproducen en la Santa Genoveva vigilante de su famosa obra.
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Si una de las características del simbolismo fue ir más allá de captar el objeto en sí, ahondar en los valores espirituales y mezclar en ocasiones religión y mitología de una manera que la belleza estuviera presente, aun introduciéndose en el mundo de las sombras, todo ello lo cumplieron los que fueron precursores de este movimiento como los prerrafaelistas, y sin duda fue Dante Gabriel Rossetti uno de sus principales representantes.
LA GHIRLANDATA
Fundador, junto a otros, de la hermandad o sociedad prerrafaelista, grupo que permaneció junto apenas un lustro pero que tuvo enorme influencia en movimientos posteriores, Dante Gabriel Rossetti fue uno de esos jóvenes de apenas veinte años, todos ellos artistas, bien escritores o poetas, bien pintores o escultores, a los que unía un rechazo al arte “oficial”.
LADY LILITH
Gabriel Rossetti nació en Londres en 1828 y fue además de un gran ilustrador y pintor, traductor y poeta y un estudioso de Dante cuyo nombre, aunque figuraba como propio en tercer lugar, anteponía como primero por sus resonancias literarias.
ENCUENTRO DE DANTE Y BEATRIZ EN EL PARAÍSO
Desde muy joven tuvo, como sus hermanos, una gran inquietud literaria, pero aquí nos vamos a ocupar de su faceta de pintor.
Junto a esa inclinación por la literatura el joven Rossetti deseaba pintar y sobre todo estaba profundamente interesado en la pintura medieval italiana.
PAOLO Y FRANCESCA DE REMINI
Su obra llevó camino paralelo a la literatura. Junto al poeta Hunt desarrolló la filosofía de los prerrafaelistas, aunque Rossetti tenía especial interés en la parte medieval del movimiento. Gran traductor, publicaba traducciones de Dante y de poetas medievales y su pintura también iba en busca del estilo de los renacentistas italianos.
SANTA LILIAS
Hacia 1849 pinta su primer gran lienzo inspirado en los antiguos pintores italianos, “La infancia de la Virgen” al que seguiría una exaltación de la pureza de María representada en la Anunciación.
Ya en estas pinturas destaca el cabello de tonos rojizos que vamos a admirar constantemente en el simbolismo como seña de sensualidad. Poco a poco se irán añadiendo elementos como el lirio blanco y otros característicos del simbolismo.
VENUS VERTICORDIA
Su pintura es sobre todo fuertemente mística y se puede decir que en su mayoría fueron figuras mitológicas de gran carga simbólica. Los textos de Dante serían una fuente de inspiración para sus obras. La muerte de su esposa que se suicidó a consecuencia del hijo que nació muerto, hizo que cayera en una fuerte depresión y acrecentó su tendencia a un estilo visionario y marcadamente medieval.
EL SUEÑO DE DANTE A LA MUERTE DE SU AMADA
Enterró toda su obra poética en la tumba de su esposa, a la que idealizó en la figura de la Beatriz de Dante que sería el tema principal de muchos de sus lienzos: “El sueño de Dante a la muerte de su amada” (1856) o“Beata Beatriz” (1863) ambas marcadamente simbolistas.
BEATA BEATRIZ
En “Beata Beatriz” representa a Elizabeth en una pose lánguida y sensual, con su cabello rojo y sobre sus manos se está posando una paloma roja, símbolo de espiritualidad, que porta en el pico una ramita alusiva al láudano (su esposa se suicidó al ingerir esta sustancia). A sus espaldas, una escena representa posiblemente a Dante y Virgilio. El lienzo resultante es un retrato de fuerte simbolismo.
Desde esta fecha Rossetti mantendría la misma factura en sus obras. Figuras femeninas un tanto andróginas, sensuales y muy bellas, estilizadas y rodeadas de ornamento floral.
En ocasiones idealizó a la mujer como una diosa como sucede con el mito de Proserpina o Perséfone raptada por Hades y que fue un tema recurrente en su obra ya que llegó a pintar hasta ocho versiones diferentes de este cuadro.
JANE MORRIS
La modelo era Jane Morris, esposa del artista William Morris con quién Rossetti trabajaba realizando vidrieras y de la que estaba enamorado, pero al estar Jane casada, Rossetti “creó” una situación similar a la del mito, estableciendo un paralelismo entre los episodios en los que Proserpina estaba prisionera de Hades y el tiempo en que Jane pasaba junto a su marido.
PROSERPINA
Rossetti nos dejó una Perséfone de aspecto triste y en cautiverio con un rayo de luz que llega hasta el encierro y que es el símbolo de la libertad.
Como podemos comprobar al introducirnos en su obra y vida, no hay duda de la influencia que su pintura tuvo en el movimiento simbolista de Europa.
LA CASA DELA PRADERA
En los últimos años de su vida Rossetti cayó en un estado oscuro de inestabilidad mental y drogadicción. Su obra poética, que sus amigos consiguieron que exhumara de la tumba de su esposa, recibió muchas críticas negativas que influyeron en ese deterioro.
RETRATO DE UN JOVEN ROSSETTI
Sus últimos años los vivió retirado cual prisionero en el condado de Kent dónde murió el año 1882.
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Fuentes consultadas:
El simbolismo. Michael Gibson (Edit.Taschen)
Historia visual del Arte. Claude Frontisi (Edit.Larousse)
Pintura. Stepehn Farthing y J.F.Yvars (Edit.Grijalbo)
Pintores más influyentes y los artistas a los que inspiraron. David Gariff (Edit.Electa)
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