martes, 15 de septiembre de 2015

WILLIAM TUCKER. CUANDO LA MASA NOS HACE PENSAR





Sobre William Tucker todo o casi todo se ha escrito antes y durante la gran exposición que nos ha ofrecido el Museo Bellas Artes de Bilbao. Como siempre, y dentro de la austeridad que caracteriza a este espacio, nos dio opción a admirar un completísimo recorrido sobre la obra de Tucker. Un artista que impresiona y no solo por el formato de su obra.




Puesto que poco podría añadir a lo ya publicado todos estos días, os dejo aquí una breve reseña de su biografía para pasar más tarde a plasmar el impacto que me supuso admirar esta exposición.

Tucker nació en El Cairo en 1935, de padres británicos que regresaron a Inglaterra cuando el contaba dos años. Aunque hoy es conocido como un escultor de renombre, sus primeros estudios, realizados entre 1955 y 1958, fueron de Historia.

Fue al visitar en Londres una exposición de Escultura cuando decidió su vocación y estudiar Bellas Artes. Entre los profesores en la St. Martin’s School of Art se encontraba Anthony Caro y curiosamente, aunque no lo he visto publicado en prensa, en una de mis consultas encontré un pequeño apunte en el que se decía que fue un aventajado discípulo y seguidor de Caro. 




Una de las obras de esa época, datada en 1967, tiene un marcado sello de su maestro y es muy diferente del Tucker que ahora hemos podido admirar en Bilbao.

Tucker tiene una importante trayectoria como docente de Historia del Arte y posiblemente eso hace que sus obras, aunque nos parezcan abstractas, estén basadas en los clásicos de la mitología y de esa Historia del Arte que él impartió. Cabezas, pies, bustos etc. Aunque nuestra impresión delante de su obra sea otra, se trata de una vuelta a la escultura clásica basada en la masa, el espacio y la escala.





El Bellas Artes nos ha ofrecido un total de 48 obras entre esculturas de diferentes tamaños, la mayoría de gran formato, dibujos y maquetas. En esta exposición se puede observar claramente el giro de su trayectoria desde que comenzó a trabajar la escultura.





Fue, según nos dicen en la biografía, en los años 80 y después de viajar a EEUU, cuando comenzó con los grandes volúmenes. También él mismo dejó constancia en una entrevista de su interés por el trabajo del francés Rodin en cuanto a un trabajo artesanal  desde el modelaje hasta su final en bronce u otro material a pesar de las dificultades que supone trabajar grandes volúmenes según con cual material. Por ejemplo la obra de gran formato fundida en bronce. 




A mi personalmente me fascinó la exposición en su totalidad, pero los carboncillos me parecieron espectaculares primero porque me sentí envuelta por ellos y por su gran tamaño, segundo por como los “sientes” en función de la distancia que tomas con ellos. 




En una referencia al impresionismo diré que lo que puedes “ver y sentir” desde una corta distancia y lo que vas percibiendo según te alejas de ellos, va cobrando otro aspecto muy diferente. Es una sensación mágica.




Y finalmente, quedé encantada con la disposición de la exposición que, como siempre gracias al buen hacer del Bellas Artes, encontré de lo más acertada. El dibujo monumental, junto a las pequeñas maquetas previas al trabajo de los grandes volúmenes, nos ayudan a “trabajar” nuestra visión pero también la mente.




Encontré, en mi opinión, una exposición en la que puedes desarrollar tu comprensión de la obra de forma muy particular.

Por mucho que en un recuadro el título de la escultura y su correspondiente maqueta nos dijera que es un “caballo” (por poner un ejemplo) yo podía hacer una lectura de aquello que tenía delante completamente diferente. No sé si eso es algo que pueda frustrar a un artista, pero para mí como espectadora es lo más grande. El “realizar” mi exposición particular.





Que yo, en mi interior, pueda desarrollar y “crear” algo propio gracias a lo que estoy viendo, o que la obra que tengo delante de mi despierte emociones que posiblemente estén bien alejadas de las que pensaba el propio autor que iban a  provocar.

“La cave”, obra para la que, según he podido leer, se inspiró en “La caverna” del escritor Saramago, es impactante. Creo que nadie puede dejar de sentir una emoción al estar ante ella. Me sentí penetrar en lo más profundo de esa masa imponente.




La obra de Tucker es idónea para estar presente en nuestras ciudades. Esas masas en medio del espacio impactan y emocionan. En Bilbao tenemos una muestra que complementa la hermosa exposición que nos ha ofrecido el Museo. Se trata de Maia en Abandoibarra.




No creo que sea una obra sencilla la de Tucker, ni por supuesto una exposición basada en toda su trayectoria habrá sido lo que entendemos por una exposición fácil ni para todo el público porque creo que su escultura no es una escultura “al uso”. Lo más simple sería decir que es algo abstracto, o clásico, o encasillarla en cualquier otro estilo, pero creo que su grandeza está precisamente en que no es nada de eso, sencillamente es monumental y sobre todo pedagógica. 


 EL ARTISTA Y SU OBRA



NOTA:
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Fuentes utilizadas: artículos publicados por:  Efe, Elmundo.es,  el propio Museo de Bellas Artes, Arte del siglo XX (edit.Taschen)
Para la fotografía: las mismas y la red.


martes, 11 de agosto de 2015

EL ARTE AQUÍ CERQUITA. XXII Concurso-Pintura -Lehiaketa. Hondarribia, 2015.



En muchas ocasiones he escrito sobre la necesidad de incorporar el Arte a la educación (este blog 26.6.12), a nuestras calles (blog 23.11.11) y a nuestra vida como herramienta para aprender a observar, a sentir emociones, en una palabra para que llegue a ser parte de nuestro día a día.

Pues bien, hoy en día, entre las asociaciones vecinales, entre los vecinos que nos rodean encontramos a muchas personas que han hecho del Arte algo menos pasivo que la mera observación. Son aquellos que ya son parte de una comunidad activa que tiene en el pintar, o en otra disciplina artística, un objetivo firme para mostrarnos la belleza que nos rodea. Entre ellos sin duda están todos esos pintores que salen a las calles de nuestros pueblos a plasmar lo que ven alrededor. Y entre ellos, entre esos que están aquí al lado, encontramos grandes y escondidos artistas.

En Hondarribia, como todos los años en estas fechas, estos artistas están diseminados por todas las esquinas del pueblo desde bien temprano. Provistos de lienzos y pinceles, con sus ojos más dispuestos que nunca a captar nuestro entorno ya están trabajando para posteriormente, al atardecer, mostrarnos lo que vieron, para enseñarnos en su lienzo muchos rincones que habitualmente miramos y que muchas veces no hemos sabido ver. Ellos con esa mirada que va más allá de la que utilizamos en el día a día, van a ser capaces de descubrirnos mucho más de lo apreciamos a simple vista.

Serán aquellos que nos transmitan esas sensaciones con la máxima maestría los que se lleven los premios pero muchos que no se hagan con el galardón, porque es imposible premiar a todos, saben que el participar, saber ver lo mejor de nuestro pueblo y sobre todo saber transmitirlo es un buen premio para ellos y por supuesto para todos nosotros.

Estos son los tres premiados y accésit de este Concurso del 9 de agosto de 2015 que ya cumple su XXII edición.

PRIMER PREMIO
El ganador  BENET COSTA  PORTA de GIRONA

Supo captar en su cuadro todo el encanto de la Plaza de Armas en un día lluvioso como el que tuvimos. Con este cuadro, perfecto en cuanto a técnica y que, en mi opinión transmitía un toque de melancolía, encandiló al jurado.


SEGUNDO PREMIO
JESÚS SAEZ DE VICUÑA de GASTEIZ


El artista nos envía un guiño desde un aeropuerto cuyas pistas brillantes por la lluvia caída parecían estar esperando a los aviones llenos de viajeros que se acercan a Hondarribia.


TERCER PREMIO
JOANA SOLDEVILLA de VIANA

El tiempo que tuvimos fue lluvioso y triste pero Joana con una enérgica paleta nos dejó un lienzo cargado de fuerza. Llenaba la plaza. Qué energía Joana!


PREMIO  ACCÉSIT

 MARÍA ÁNGELES PUERTA de MADRID

De entre las brumas, nubes y lluvia supo rescatar esta madrileña nuestros colores. Esas tonalidades tan nuestras se asomaron tímidamente cuando llegó a entregar su lienzo y es que en ese momento también se abría el cielo para dejar pasar el sol.



Pero aun hay más. Ahora de la mano, o del pincel, de algunos de los artistas que se han acercado hasta aquí para participar en esta edición, muchos de ellos desde lugares lejanos, vamos a adentrarnos por los rincones que ellos han sabido encontrar y podremos disfrutar de detalles que  han plasmado con sus pinceles.




Sí amigos, a esta plaza solo le faltan los lienzos que la llenaban a última hora de la tarde. Pero el artista madrugó.



 Unos ojos de artista saben sacar color en un rincón escondido, aunque llueva. El artista y la fuerza de los pinceles



 No podía faltar la torre de la Iglesia de Hondarribia y menos aún si está realizada con la técnica de acuarela.



 Imprescindible si se quiere plasmar Hondarribia, nuestra muralla. Y que bien está lograda con esa arboleda y el fondo de los balcones coloristas. 



El contraste del fondo tormentoso y en su primera línea el color de los barcos podría decirse que es algo cotidiano para nosotros. Hermosa composición.



Un Jaizkibel amenazado como ha sabido plasmar el artista da mayor encanto a este cuadro.


Alguien supo encontrar escondido el color de la naturaleza entre  la bruma. ¿Dónde estaría? Desde luego con esa luz difícil no percatarse de ello, y  si no !qué mejor que los ojos de un artista para lograrlo¡. 



Para los ojos de un artista no hay obstáculos. Por encima de tejados nos ha llevado con gran maestría casi hasta Iparralde. Preciosa vista.



Tanta lluvia hizo reverdecer el entorno de nuestra muralla. Y allí estaban los pinceles para dejar el testigo.


Ahí estaba el artista captando ese rayo que se hizo rogar todo el día. ¡Y que luz nos dejó!Pero llegó a tiempo de colgarla.



Finalmente, para todos aquellos que se animen a participar en próximas ediciones, deciros que podéis informaros en la Web correspondiente  a la Asociación Emeki, organizadora del Concurso, o bien enviando un correo electrónico en la dirección que abajo os dejo.



Emeki elkartea
Molla 1, 20280
HONDARRIBIA
Tlf: 943 64 34 02

NOTA:
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Fuentes utilizadas: Las mías propias, tanto para el artículo como para las fotografías.

lunes, 29 de junio de 2015

LECTURAS DE ARTE Y CON ARTE PARA EL ESTIO DE 2015



Al igual que en años anteriores os voy a proponer para el verano una serie de lecturas relacionadas, como no puede ser de otro modo en este Blog, con el Arte.

No por ello van a ser obras de “estudio”. Voy a intentar, igual que en otras ocasiones, combinar libros que nos entretienen a la vez que nos instruyen e incluso que nos hagan viajar.




Así que nada mejor que comenzar con un libro que pertenece a una serie de “guías” o al menos que están catalogadas de esta forma, una de las cuales ya recomendé el año pasado.

Este año os llevo a Venecia.
Al igual que el año pasado “viajamos” por La Toscana este verano nos vamos de nuevo a Italia, para conocer Venecia a través del Arte y la Arquitectura porque así se titula el libro que os propongo.

“Arte y Arquitectura VENECIA” de Marion Kaminski. Un libro-guía que es toda una delicia. Fácil de llevar, si vais a viajar, de leer antes de partir o a la vuelta para revivir lo que hemos conocido.



Bien documentado, bellamente ilustrado, informa, instruye y nos va a hacer gozar de esta ciudad maravillosa llena de Arte y de Historia.

Como homenaje a una gran exposición que tuve el gusto de visitar en Donosti hace unos años dedicada a Artistas Latinos y dentro de la cual se encontraban grandes artistas-mujeres y dándose el hecho de que este año, también en esta ciudad, se dedica una exposición a mujeres-artistas de los siglos XX y XXI, he pensado recomendaros un libro que adquirí en su día en Fundación La Caixa. Su título “Tarsila, Frida y Amelia”

Como bien podéis suponer se trata de tres grandes artistas que visitaron este Blog. Tarsila Do Amaral (fecha 10.06.2009) Frida Kahlo (fecha 1.04.2010) y Amelia Peláez. (Fecha 11.04.2010)

El libro recoge, con una buena ilustración y un breve pero detallado recorrido, lo mejor de la historia personal y artística de cada una de ellas.




Finalmente y como siempre que os hago una pequeña lista para las vacaciones, añado algo de Arquitectura, una disciplina que tanto me atrae y sobre la cual suelo traer casi siempre alguna lectura un tanto “alternativa”. En este caso os dejo un libro muy curioso. “Manual del Arquitecto Descalzo” de Johan Van Lengen.

Os copio literalmente lo que dice la editorial:

…” “el manual del arquitecto descalzo” presenta un conjunto de ideas ingeniosas para aprovechar al máximo los materiales y espacios en creaciones funcionales, a la vez que estéticamente atractivas. Para construir una casa muchas veces no es necesario hacer planos previos, e incluso las técnicas tradicionales de la arquitectura pueden resultar demasiado estructurantes a la hora de dar vida a una edificación concebida desde la más profunda creatividad. El arquitecto descalzo es aquella persona que con un número limitado de recursos, se propone construir edificios que combinen la funcionalidad con la belleza, en armonía con el ambiente el que se emplazan”…




Como podréis comprobar, aunque es un tema muy específico, no os resultara en absoluto denso, sino todo lo contario, aunque bien es cierto que está enfocado a todo aquel interesado en el tema de la construcción alternativa en la que prima mucho el diseño práctico por encima de otros intereses. 

Y ahora, os dejo algunos títulos más lúdicos, narraciones que tienen que ver con el arte, novelas en la que el arte, artistas o movimientos artísticos están presentes y que por lo tanto son muy apropiados para este Blog.

Os tengo que decir que estas últimas recomendaciones vienes dadas por referencias recibidas. Ninguna de ellas por propia experiencia puesto que yo también las he reservado para el estío.

El primero es un libro que tengo pendiente y que no puedo dejar pasar más tiempo sin leer. Se trata de un clásico: “En el país del Arte” de  Vicente Blasco Ibáñez.




Os dejo una pequeña reseña tomada del Blog “el placer de la lectura” que seguro que os llevará a colocarlo en la maleta para estas vacaciones.

…”El arte al que se refiere el acertado y atractivo título del libro, no solo es el arte en su acepción plástica, que también, sino en la más general del término: el arte de vivir, y de vivir rodeados de belleza, tanto si está en ruinas como guardada en los más bellos museos y palacios. El arte del bel canto, de la musicalidad que impregna la vida cotidiana de los italianos, el arte del buen cocinar, del dolce far niente, de un país acostumbrado a las crisis políticas permanentes, al equilibrio económico entre el norte y el sur, Miguel Ángel y Garibaldi, Savonarola y Casanova, poniendo una vela a Dios y al Diablo, viviendo entre los maravillosos desnudos de las estatuas grecorromanas y las sotanas de los curas en el Vaticano. Un país que deja boquiabierto al extranjero que pisa tierra italiana, y que, como Stendhal, podría preguntarse cómo es posible vivir rodeado de tanta belleza sin que te estalle el corazón…”

Os podréis resistir? Yo no.

Y el otro, que ya es más una novela en toda regla. Se trata de “El pintor maldito” de Peter Harris. Y aquí os añado la reseña. 




…”En la playa de Porto Ercole, Caravaggio agoniza. Su único equipaje es una pequeña bolsa a la que se aferra como si en ello le fuera la vida. Más de trescientos años después, en Estados Unidos, Sarah Clapton, ha sufrido en su propia carne los efectos de la crisis que el país arrastra desde 1929, pero ahora vuelve a sonreír. Se ha casado con un hombre al que ama, y viaja hacia Italia en un transatlántico de lujo con un encargo profesional que podría aclarar algunos aspectos de la vida del gran Caravaggio...”


David vence a Goliat . Caravaggio 1607


Y yo os añado que un rápido vistazo al libro me ha dejado la impresión de una historia que atrapa, llena de misterio y de intriga y además urdida alrededor de uno de los maestros del Arte.

Os deseo un feliz verano lleno de Arte y lecturas.

Fuentes utilizadas. Me he servido tanto para el artículo como para las fotos de la Red y de mi propia biblioteca.

sábado, 20 de junio de 2015

EL ARTE TEXTIL EN LA ACTUALIDAD IV. GRAU GARRIGA, pionero del arte textil.




 

Con fecha 7 de mayo de 2011, escribía en este Blog el que pensaba sería el último artículo sobre el Arte Textil. En él hacía referencia a lo que hoy en día supone el Tapiz para el Arte Textil.



 

No quise alargar en demasía el artículo así que describí someramente lo que se está tejiendo en la actualidad, sin detenerme en biografías de tejedores ni en la historia actual del tapiz.

Estos días, la noticia que me llega de la mano de la muy interesante revista digital “hoyesarte.com” sobre la exposición dedicada a Josep Grau Garriga en la sede madrileña de la Galería Michel Soskine, ha hecho que decidiera  añadir un nuevo artículo sobre el Arte Textil a los anteriormente escritos. (este blog, 23.04.11 - 02.05.11 y el mencionado 07.05.11)




Esta exposición del gran impulsor de la Escuela Catalana del Tapiz, se podrá visitar hasta el 18 de julio.



 Anteriormente, con ocasión del fallecimiento del gran artista catalán, ya hubo iniciativas que dieron opción a admirar su obra, pero fue en su tierra, en Cataluña en dónde la Fundación Vallpalou de Lérida dedicó una maravillosa exposición a Grau-Garriga bajo el título de “In Memoriam”. Ya por entonces se anunciaba que no sería posible volver a ver la obra del artista hasta el 2015. 




Es por esto que he decidido dejar unas líneas para animar a todo aquel que pueda, a acercarse a Madrid para admirar la obra de un artista que como nadie impulsó el Arte del Textil en general y el del Tapiz en particular, dándole un carácter moderno, experimentando con diferentes materiales y realizando diseños vanguardistas. 




 
Su trabajo incluye obras de gran formato de una gran creatividad, fruto de una profunda investigación en cuanto a diseño de vanguardia y materiales novedosos como el yute y otros y de su trabajo en cercanía a Miró, Tàpies y Gimpvart durante las década de los 60 y 70.




Josep Grau-Garriga nació en Sant Cugat del Vallés en 1929, en el seno de una familia que sufriría las consecuencias de la guerra civil viviendo prisión y exilio. Se formó en dibujo, pintura y grabado y en los años 50 realizó pintura mural. En esa época se le propone renovar la antigua Casa Aymat de San Cugat dedicada a producir alfombras y tapices. Tomaría la dirección artística organizando un taller de tapiz experimental. 




En 1957 realizaría su primer viaje de estudios a Francia. Allí iba a conocer las técnicas del tapiz medieval y contemporáneo. El camino había comenzado para Grau-Garriga, un camino que iba en consistir en revolucionar el mundo del tapiz y que haría que fuera conocido internacionalmente como pionero del tapiz moderno y como un artista completo y genial.

Con los años su obra fue adquiriendo una factura más expresionista y se aproximó al surrealismo.






Su obra plástica es también la obra de un artista muy comprometido políticamente porque no podía ser de otra forma al ser una persona cuya actividad humana estaba unidad a su entorno y a sus sentimientos y al tener en el Arte su forma de expresión. En su obra están representados los pequeños quehaceres cotidianos, la tierra, la naturaleza y a la vez toda una cultura colectiva. 



En 1975, hay una clara alusión a la problemática catalana. Sus obras son cuadros que ponen de manifiesto los deseos propios y del pueblo catalán de un reconocimiento a las libertades. Fueron obras muy apasionadas, de fuertes colores y más bien pictóricas, pero a la par su tapiz seguía en evolución. 




Las obras de Josep Grau-Garriga se han expuesto por todo el mundo y muchas de ellas forman parte de las colecciones permanentes de museos como el de Arte Contemporáneo de Barcelona, el Museo Metropolitano de Nueva York, El de Arte Moderno de París o el Museo de Arte Contemporáneo Internacional Rufino Tamayo de México.



Vivió sus últimos años en Saint-Maruthin Sur Loire (Francia), muriendo en agosto de 2011 en Angers a la edad de 82 años.


 FOTOGRAFÍA DEL ARTISTA (Fuente de La Vanguardia)


Fuentes Utilizadas: La Vanguardia, Revista digital: artehoy.com, Wikipedia
Para la fotografía: Las mismas.

NOTA:
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