sábado, 25 de diciembre de 2010

EL SIMBOLISMO Y SUS SEGUIDORES. ODILON REDON




La historia del Arte nos muestra como los movimientos y tendencias artísticas rara vez estaban desligados de los acontecimientos históricos, es decir, todo aquello que movía a la sociedad repercutía en la literatura, en la pintura, en la escultura, en una palabra en el Arte. Si bien es cierto que algunos movimientos tuvieron más fuerza en el mundo de las Artes Plásticas, en muchos casos los grandes acontecimientos artísticos estuvieron encadenados entre ellos y fueron también el espejo de la sociedad.


DESNUDO, BEGONIAS Y CABEZAS de ODILON REDON


En arquitectura podíamos poner como ejemplo del simbolismo alguna de las obras de Gaudi y en escultura, entre otros, a Aristide Maillol (este blog 1.1.2010), pero fue en la pintura en dónde este movimiento tuvo más fuerza.

Se podría decir que el simbolismo surgió paralelo al impresionismo. Mientras los impresionistas se preocupaban por una ruptura con el academicismo oficial, con su salida al aire libre y sus intentos de búsqueda de una pintura científica (puntillismo), los simbolistas querían divulgar una pintura con contenido poético.


OFELIA de ODILON REDON


El precedente del simbolismo se encuentra en William Blake y entre los prerrafaelistas como Rosetti que ya mostraba en su obra un marcado simbolismo. Más tarde este movimiento se fundiría con el Art Nouveau.


LA CELDA DE ORO de ODILON REDON


Es el simbolismo un movimiento de respuesta a la era industrial, a los valores materialistas y una reivindicación de la búsqueda interior. Se sirve en ocasiones de los sueños que gracias a Freud no son representativos de algo irreal sino también como medio de expresión de una realidad.

Muchas de las obras simbolistas están inspiradas en la Biblia y en la mitología y expresan magia y misterio.


NACIMIENTO DE VENUS de ODILON REDON


Para expresar todo ello se valen del color y de las líneas. En ocasiones utilizan grandes áreas de color que los acerca a los postimpresionistas. Los colores fuertes son utilizados para resaltar lo sobrenatural y otros artistas se valieron de colores pasteles y la difuminación del color para conseguir el mismo objetivo.



VIEJO ALADO CON BARBA BLANCA de ODILON REDON


El simbolismo, al igual que otros movimientos, se extendió por los diferentes países europeos y de la misma forma que hubo movimientos que influyeron en los simbolistas, estos a su vez marcaron movimientos posteriores.

Un ejemplo lo tenemos en la escuela de Pont Aven, formada por un grupo de neoimpresionistas y artistas como Gauguin y Van Goth y que está cercana a los planteamientos simbolistas.


BRETON PORT de ODILON REDON


Siendo el Simbolismo algo tan amplio, sería difícil traer hasta aquí a todos los que en un momento dado de su trayectoria artística se vieron influenciados por él, así que nos acercaremos a aquellos que fueron los más representativos o los que más fuerza tuvieron dentro del movimiento.

Hoy nos detendremos en Odilon Redon.

Este artista nacido en Burdeos (Francia) en 1840, está considerado como un postimpresionista dentro de la corriente simbolista y también como un precursor del surrealismo.



EL CICLOPE


Esta descripción en su biografía nos da idea de lo dilatada y ecléctica que es la obra de la mayoría de los artistas. En general, todo creador tiende al movimiento, a la investigación y a la búsqueda de diferentes vías para crear. Es raro encontrar un artista que a lo largo de toda su vida profesional haya sido “fiel” a un sol estilo.



ROAD TO PEYRELEBANE


La infancia de Odilon Redon iba a influenciar su carácter ya que por su débil salud vivió con un tío en la campiña francesa, concretamente en el pueblecito de Peyrelebane, dónde se fraguó su personalidad soñadora y contemplativa. La vuelta a Burdeos y la entrada en la escuela fue un duro golpe para él. Obligado por su padre, trabajó en el estudio de un arquitecto como aprendiz con el fin de pagarse la entrada en la Escuela de Bellas Artes, algo que no consiguió al suspender el examen de ingreso.

Redon se formó en escultura, grabado y litografía. Durante un largo periodo en París se dedicó solamente a la litografía y al carboncillo.


EL DÍA. Litografía


Gran admirador de Poe, su admiración por la literatura le llevaría a ilustrar libros de su amigo Baudelaire.


SILENCIO. Óleo sobre papel



También se resalta en su biografía que tuvo una relación muy estrecha con científicos como Darwin, que estudió zoología y anatomía y que todo ello se vería reflejado en su obra.


EL CUERVO. Carboncillo.


El contacto con la obra de Gustave Moreau que llegaría a ser otro de los grandes simbolistas, sin duda tuvo mucho que ver en su obra.

Sobre 1890 comenzó a utilizar el pastel y el óleo que serían su arma de trabajo hasta el final de sus días.

Así pues, su obra pueda ser dividida en dos partes. Una en “blanco y negro” y otra en “color”.


VIDRIERA


En la primera etapa transmite una melancolía con sus cuadros “negros”, posiblemente consecuencia de su vida ya que en esa época muere su hermana, un hijo y uno de sus mejores amigos, pero esa melancolía también coincide con el clima del simbolismo. Esta etapa de la “noche” se corresponde con la creación de su obra en carboncillo y litografías que encierra un mundo de tinieblas. Son de esta etapa sus series “En Sueños” o “Los Orígenes”.


OJOS CERRADOS


Era la época en que la capital parisina estaba llena del color de sus artistas. Es comprensible que su obra no fuera muy bien aceptada, ni siquiera muy conocida. Pero la publicación de unas carpetas con sus litografías le proporcionó una serie de clientes.

Hacia 1890 y hasta su muerte, el color acude a su obra. Es la época en la que nace su segundo hijo y su obra se llena de vitalidad.


OFELIA ENTRE LAS FLORES


Toda su trayectoria está dominada por el mundo de los sueños y al final de su vida por una temática mística, pero cargada de luz y en la que abundan las flores, los temas religiosos, mitológicos y la figura humana.


DRUIDESA


Ya no es un pintor de minorías y toda una nueva generación de artistas le admiran.


BEATRIZE


En 1913 el Museo de Arte Moderno de Nueva York expone parte de su obra.

En la actualidad podemos admirarla en los museos de todo el mundo como el Orsay parisino o el Bellas Artes de Burdeos, así como en diversas muestras itinerantes.


LA MIRADA


Odilon Redon mantuvo durante toda su vida una relación peculiar con la muerte que le llegó en 1916 cuando era un artista mundialmente reconocido.


AUTORRETRATO DEL ARTISTA


NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.



Fuentes consultadas:

El simbolismo .Michael Gibson (Edit.Taschen)

Historia Visual del Arte .Claude Frontisi (Edit.Larouse)

Fotografías:

Las mismas y la red.

sábado, 11 de diciembre de 2010

DARIO DE REGOYOS. Un impresionista en el País Vasco.





TRES IMÁGENES DE SAN SEBASTIÁN

Me voy a permitir hacer una “cuña” en el movimiento de artistas que nos ha acompañado últimamente para presentar a un impresionista español.



EL FARO DE SAN SEBASTIÁN 1886



Si algún movimiento pictórico tuvo fuerza, influencia y seguidores, sin duda este fue el impresionismo. Además, cuando hablamos de impresionismo, nuestra mirada se dirige sin duda hacia Francia. Pero este movimiento se divulgó por toda Europa y arrastró tras de si un sin fin de talentos que en muchas ocasiones quedaron relegados a su entorno local.


OTOÑO EN EL PAÍS VASCO 1886


No sucedió así con el pintor que hoy nos visita, aunque si voy a haceros partícipes de solo parte de su obra, es decir voy a permitirme ser localista. Traigo hasta aquí los lienzos que Darío de Regoyos pintó en sus visitas al País Vasco.



EL BOULEVARD DONOSTIARRA NEVADO 1895


Este asturiano de Ribadesella, nació en1857. Hijo de arquitecto, pronto se traslado con la familia a Madrid. En1878 entraría en la Academia de Bellas Artes de S.Fernando.



LA VILLADE TOLOSA 1887


Más tarde visitaría Bélgica y los Países Bajos compaginando estas estancias con las visitas por la geografía española hasta que en 1895 se casó y se instaló definitivamente en España aunque siguió viajando con frecuencia.



HERNANI 1895



Regoyos, al igual que muchos artistas, tocó diferentes estilos, evolucionando desde el naturalismo, pasando por el pre-simbolismo y finalmente, ya en su madurez, presentando una clara factura impresionista que en ocasiones se atreve con un puntillismo no demasiado apreciado entre sus contemporáneos españoles pero que era muy alabado en Francia y que le valió ser considerado más vanguardista y atrevido que un Zuluaga o que el mismo Sorolla.



PLAZA DE BILBAO 1892 (puntillismo)



Durante su época adolescente su familia realizaba frecuentes viajes al País Vasco, concretamente a San Sebastián, dónde su madre pasaba largas temporadas.



NOCTURNO DE LA CONCHA-PASEO DE ALDERDI –EDER 1895


Hay diversos testimonios en su correspondencia y en su biografía que nos muestran la estrecha relación entre el País Vasco y el artista.



LA CONCHA- PASEO DEALDERDI-EDER1895



Entre el año 1882 y 1888 vivió en la ciudad fronteriza de Irún. Esta dirección, así como la de Bruselas, aparecen en diversos catálogos de sus exposiciones. Fueron muchos los artistas belgas con los que mantuvo relación ya que en esa capital Darío de Regoyos se mantuvo muy activo participando en diversos círculos culturales. A todos ellos invitó a visitar nuestra tierra, una tierra que supo captar como ninguno.



MONTE LA RHUNE 1886 (Frontera entre Gipuzkoa-Navarra-Francia)


La cuenca del Bidasoa, río fronterizo entre España y Francia, es cuna de numerosos artistas que han plasmado los bellos paisajes de nuestra tierra. Regoyos lo supo hacer como si de un autóctono se tratara.



REDES – PUERTO DE SAN SEBASTIÁN (puntillismo)


Murió en Barcelona, el 29 de octubre de 1913, a consecuencia de un cáncer. No fue un artista demasiado apreciado en vida pero tras su fallecimiento se le dedicaron diversas exposiciones y homenajes que dieron muestra de su maestría al atrapar los colores de nuestros rincones con su factura impresionista.



AUTORRETRATO DEL PINTOR 1895


NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.


Fuentes consultadas:

Regoyos y el País Vasco. Fundación Social y Cultural Kutxa

Fotografías:

Las mismas.

martes, 30 de noviembre de 2010

EMIL NOLDE, artista individualista y controvertido.




Como hemos podido apreciar hasta ahora, el expresionismo era algo más que un movimiento artístico. Ya hemos visto que, como muchos otros movimientos, lo formaron una serie de artistas que además de sus inquietudes dentro del arte, tenían en común determinados posicionamientos políticos y sociales. Y también hemos constatado que en él confluyeron artistas que se mantuvieron “fieles” al expresionismo, en ocasiones, por un breve tiempo. Estudiando la trayectoria artística y vida personal de estos artistas, tenemos opción de conocer uno de los momentos históricos más interesantes de la historia europea.



DARK MOUNTAIN LANDSCAPE



Si la mayoría ellos tuvieron como punto común el haber sufrido persecuciones por parte de los nazis y también haber sido personajes socialmente incómodos, el pintor que hoy nos visita, además de controvertido, constituyó un mito dentro de los ambientes artísticos de la época y aunque por un tiempo estuvo cerca de los expresionistas, sin duda una de sus características fue su marcado individualismo y su afán por mantenerse al margen de doctrinas y estilos que marcasen su estilo.



MUJER ESPAÑOLA



Su verdadero nombre era Emil Hansen que cambió por el de Nolde, nombre de la ciudad dónde había nacido en 1867. De familia campesina, comenzó a trabajar la talla de madera, pero unas tarjetas que dibujaba y que le aportaron gran éxito, le permitieron adquirir una formación en la pintura sin agobios económicos. Conoció en París el impresionismo y aunque alejado del espíritu de los impresionistas, la utilización que estos hacían del color le marcó fuertemente.



BLUE SEA AND RED CLOUDS



En 1906, los integrantes del Die Brücke (El Puente) le invitan a integrarse en el grupo expresionista. Nolde en ese momento se diferenciaba bastante en edad de los artistas del grupo. Emil era bastante mayor que sus colegas pero estos eran rendidos admiradores de su obra.

Emil se integró durante un tiempo en “El Puente” pero, demasiado independiente y solitario, al cabo de algo más de un año se apartó del grupo. No obstante, a pesar de su carácter individualista, mantuvo con los componentes una relación cordial.



WOMEN AND PIERROT



Su especial carácter hace de Nolde un personaje atípico y le hace aparecer como una persona contradictoria. Se sintió artista marginado pero los museos alemanes compraron su obra. Cercano en un principio al nazismo, fue más tarde perseguido por él. Le tacharon de extremadamente religioso y la iglesia le trató de anticlerical. Pero muchas de sus controversias surgieron en ocasiones, sin que el mismo se lo propusiera. Es decir, no todas fueron fruto de ese ánimo provocador que le hacía declararse rebelde y asocial y que hicieron de él un pintor incomprendido y también como hemos dicho un mito.



BLONDE GIRL AND MAN



Sus imágenes distorsionadas se integran en el expresionismo, pero ha sido considerado más cercano a las últimas oleadas de los expresionistas, con pintores como Munch y Kokoschska. Cuando se separó del grupo decidió unirse a una expedición científica que se dirigía a los Mares del Sur. Nolde se dedicó a pintar a los indígenas y la unión del hombre con la naturaleza en estado primitivo, muy al estilo de lo que había hecho Gauguin anteriormente.




THE DANCERS



En 1914 regresa a Europa justo cuando estallaba la Primera Guerra mundial. Contrariamente a la obra de muchos expresionistas que nos han visitado en estos Encuentros, la obra de Emil Nolde no expresa la contienda ni sus consecuencias. Al igual que cuando estaba en tierras lejanas pinta, en cierto modo, una imagen idealizada, no la realidad que tiene delante, sino la que quiere ver.




WILDY DANCING CHILDREN



Su obra está muy marcada por sus emociones internas, expresadas con una estética extrema y colorista y con gruesas pinceladas. Fue un experto acuarelista y sus cuadros de paisajes dan una idea de su especial relación, casi mística, con la naturaleza.



TRES REPRESENTACIONES DIFERENTES DEL MAR



En el tema religioso, como apuntábamos, Nolde fue también conflictivo. Emil Nolde se declaraba profundamente religioso y la iglesia fue la primera en clamar contra él y su obra.



PENTECOSTÉS



Famosos fueron sus cuadros de temática religiosa que el llevaba a un estado primario por su manera particular de entender la religión. Ésta era para él una especie de energía espiritual y por supuesto alejada de cualquier dogma. Más de una obra de tema religioso aparece cargada de contenido erótico algo que hizo que los nazis le incluyeran en su famosa lista de “artista degenerado” y le prohibieran pintar.




LA CRUCIFIXIÓN



Otro tema controvertido en su obra fue aquel en el que aparece la figura femenina. Ésta aparece como madre y protectora, pero también en cuadros “imaginados” presenta a la mujer en un estado más libre y haciendo resaltar su sexualidad. Contrapone la imagen de la mujer-madre-virtuosa con la de la mujer-libre-vampira. También presenta la mujer joven frente al hombre maduro.



EL ENTUSIASTA



Un lienzo que nos desvela bastante los conflictos con la mujer, además de ser muy representativo de su factura es “Naturaleza muerta con bailarinas”. Este óleo nos presenta una escena doméstica con unas imágenes exóticas. En primer plano, la escena que podemos calificar de doméstica nos sería representada por unos jarrones y una salsera. Al fondo y en colores que recuerdan a la tierra, aparece un cuadro con unas mujeres que muestran sus pechos. Sin duda son nativas de alguno de los países que el visitó. Hablan sus biógrafos de la incomodidad que sentía el pintor en el trato con las mujeres. Esto podría ser el motivo por el que las mujeres, muy sensuales, aparecen a una cierta “distancia”, un tanto anónimas y además dentro de un límite que sería el otro cuadro.



NATURALEZA MUERTA CON BAILARINAS 1914



Cuando los nazis condenaron la obra de Nolde y sus cuadros descolgados de los museos junto a la prohibición de volver a pintar, el artista dio una vez más prueba de su rebeldía y siguió pintando pequeñas acuarelas alejado de toda publicidad, retirado en su estudio de Seebüll.



FLOWER LADY



Fue a final de la segunda guerra mundial cuando sus cuadros salieron nuevamente a la luz, recibió numerosos premios y recobró de nuevo su fama. Una fama lograda gracias a su intenso trabajo y a su maestría para transmitir emociones con sus colores y sus temas.



DOS BELLAS ACUARELAS DE LA GRANJA Y EL CAMPO



Emil Nolde siguió pintando hasta su muerte en 1956 acuarelas de bellos colores con paisajes de su tierra, una de sus principales inspiraciones.



FOTOGRAFÍA DEL ARTISTA


NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.




FUENTES CONSULTADAS:

Expresionismo. Diezmar Elger (Edit.Taschen)

Pinturas contemporáneas. Varios autores

Arte del Siglo XX. Varios autores. (Edit.Taschen)

FOTOGRAFIA: Las mismas y la red.

domingo, 21 de noviembre de 2010

PAULA MODERSOHN-BECKER. Adelantada del expresionismo




Ante todo deberíamos decir que el término “Expresionismo” es algo poco concreto. Incluso si nos detenemos en las “divisiones” que se han querido hacer de él.

Muchos de los artistas que se ha dado en llamar expresionistas, trabajaron en épocas diferentes, bien anterior o posteriormente, como sucede con la artista que hoy nos visita y que es considerada como parte de lo que algunos expertos consideran el expresionismo del Norte de Alemania.



AUTORRETRATO DELANTE DE ÁRBOLES FLORIDOS 1902



Fue allí dónde, a principios del siglo XX, hubo una gran protesta contra el arte académico. En un pueblo cercano a Bremen, en Worpswede, un grupo de artistas creó, como reacción al entorno cada vez más industrial y agitado de las ciudades, una pintura de paisajes, lírica y en consonancia con la naturaleza. En ese entorno va a trabajar Paula Modersohn-Becker, con un estilo que, aun estando muy cercano al naturalismo, anuncia ya el expresionismo.



NIÑA EN EL JARDIN


Modersohn una mujer muy joven de aspecto maternal, tuvo una vida profesional breve. Nació en 1876 en Dresde en el seno de una familia acomodada y culta y murió en 1907 en Worpswede Uno de los artistas más activo de la colonia de Worpswede fue el paisajista Otto Modesohn. Paula tomó su nombre al casarse con él en 1901. En esa época Otto era mucho más famoso que su joven esposa. Pero fue uno de los primeros, al igual que el poeta Rainer Maria Rilke, en reconocer su talento artístico.



RETRATO DE RAINER MARIA RILKE


Paula tenía admiración por los pintores autodidactas de Bretaña que se reunían alrededor de Gauguin. Hacia él, esa admiración se convertía casi en veneración, pero poco a poco fue atraída por la obra de Cézanne. Por ello comenzó a trabajar sus formas en planos, dejó atrás el romanticismo y ese aire impresionista y comenzó a subrayar paisajes y figuras con perfiles marcados. En una palabra pasó de describir a expresar.



MUCHACHA CON PAÑUELO



Su sentido de la forma, riguroso, poco sentimental y su paleta de colores atenuados, hizo de su obra, que podía haber resultado un tanto bucólica y simple, algo mágico en su sencillez y en su expresividad. Sin duda los antecedentes del expresionismo estaban servidos.

Marcada por el primitivismo, como muchos otros artistas del momento, parece ser que ella descubrió este primitivismo mucho más cerca que otros colegas.



AUTORRETRATO CON COLLAR DE AMBAR 1906



En lugar de viajar a lugares como el Pacífico (Gauguin), Paula se fijó en aquello que tenía cerca de su casa. En la colonia artística de Worpswede, en su hogar familiar, los artistas tenían una visión idealizada y se fijaban en ese paisaje lírico como reacción ante la urbanización y la mecanización.



EN EL JARDIN


Además de las clases que recibió con el pintor Fritz Mackensen y su posterior formación en la Escuela de Pintura de Berlín de la Asociación de Artistas Berlineses, Paula residió durante meses en Paris en dónde asistió a la Academia Cola Rossi y a la Ecole des Beaux Arts. Además tuvo opción a visitar museos y galerías y sobre todo conoció a Rodin y también a los postimpresionistas nabis que fueron para ella fuente de inspiración.



AUTORRETRATO CON RAMA DE CAMELIA 1906-1907



Todo ello fue determinante en su obra. Fue el ya mencionado matrimonio con Paul Modersohn el que serviría de impulso a su obra. Además de ser reconocida por éste como una pintora de talento, le supuso una independencia económica que le iba a permitir trabajar mientras vivían en la bucólica colonia de Worpswede.



COCHECITO DE NIÑO Y CABRA 1905



Pero pronto Paula fue consciente que el camino que ella había emprendido se separaba, artísticamente hablando, del de los pintores que allí residían. El grupo de Worpswede en su búsqueda de un idilio inexistente, describían con su obras, que por otro lado tenían un enorme éxito, un mundo sano, sin problemas y de ambiente bucólico. Paula, rechazaba los cuadros de género y buscaba en sus obras complementar el motivo naturalista con un significado simbólico. Su visión de la vida rural no estaba en absoluto idealizada y sus personajes aparecen marcados por esa vida dura, en especial las mujeres y niños que se servían de la tierra para vivir.


De esa visión y de ese deseo que ella pregonaba de dotar a sus personajes de una sencillez natural, nació “La vieja campesina”.



LA VIEJA CAMPESINA


En ese lienzo realizado en 1903 se ve a una mujer de aspecto cansado. Su imagen, o mejor dicho su mirada, trasmite esa sensación de agotamiento y resignación. Carente de colores, austero, con un fondo oscuro en el que resalta la piel rugosa de la anciana, se puede decir que es atemporal. Esa campesina es la mujer que trabaja la tierra en ese momento, ahora, o la trabajará en el futuro, allí o en cualquier otro lugar del mundo. El trabajo sin par de la expresión de sus ojos hace de este lienzo una obra genial.



Contrariamente a su marido Otto, que buscaba la tranquilidad para poder trabajar, Paula iba más allá de ese entorno pacífico y necesitaba del exterior para ejercer su arte. En 1906 deja Worpswede y marcha a París. En sus diarios personales expresa una ruptura con Otto. Éste viajó en su busca pero, al parecer el diálogo entre ambos no resultó fructífero. No obstante siguió financiando económicamente a Paula, aun en contra de la propia familia de ésta.



DESNUDO SENTADO CON FLORES 1907



Paula Modersohn se instaló en un modesto taller. Volvió a acudir a museos y galerías y recomenzó cursos de dibujo e incluso de anatomía. En una “incursión” en la escultura conoció al escultR Hoetger que, al saber que era artista, quiso conocer su obra. Fuertemente impactado por lo que vio, se deshizo en elogios, algo que resultaba de enorme valor para Paula que hasta ese momento solo había tenido el apoyo de su esposo y del poeta Rainer Maria Rilke.



LAS HERMANAS HOETGER 1907 (aproximadamente)



Más tarde diría que el reconocimiento del escultor fue para ella algo que le dio el empuje necesario para desarrollar su potencial. Ya sabía que su obra tenía valor y que algo de ella quedaría para la posteridad.

A finales de 1906 Otto llega a París y se instala cerca de la que todavía es su mujer. Finalmente regresan ambos a Worpswede y Paula se queda embarazada. A pesar de la alegría Paula sufre por no poder desarrollar su trabajo al cien por cien.



NIÑO DESNUDO CON CIGÜEÑA



Paula Modersohn trabajó solamente una década. Pero fue una década de trabajo intenso. Realizó unos setecientos lienzos, entre los que hay infinidad de retratos, autorretratos, pero también paisajes y naturalezas muertas, estampas y miles de dibujos. Su muerte prematura, poco después de dar a luz a su primer hijo, privó al mundo del Arte de la evolución de su pintura.




NATURALEZA MUERTA CON CÁNTARO 1905 (aproximadamente)



Es por eso que la obra que nos dejó posee un valor incalculable al ser portadora de un lenguaje que anunciaba el expresionismo. Curiosamente, Paula Modersohn no es demasiado conocida más allá de su país de origen.

En 1917, con motivo del aniversario de su muerte, la asociación Kestner de Hannover organizó una exposición de su obra publicándose una recopilación con el extracto de sus cartas y diario que alcanzó gran éxito. No obstante, posteriormente, se publicó un libro de bolsillo que difundió una imagen de la artista bastante errónea. En él presentaban a una mujer sentimental que soñaba con ser artista y que lo consigue gracias a desposarse con un artista de prestigio. Todo ello falseó un tanto el punto de vista de su obra. Una obra fruto de muchas influencias que ella supo, combinando tradición y vanguardia, realizar con un estilo propio.



CABEZA DE MUCHACHA



La obra de Modersohn posee muchas de las características que la obliga a ser catalogada dentro del Expresionismo aunque se realizó con anterioridad y sin haber tenido ningún contacto con él.

En la actualidad Paula Modersohn es considerada como una adelantada del expresionismo y una predecesora de éste.



FOTOGRAFIA DE LA ARTISTA


NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.




Fuente consultadas:

Expresionismo. Diezmar Elger (Edit.Taschen)

Arte del Siglo XX. Varios autores (Edit. Taschen)

Pintura. Varios Autores (Edit. Grijalbo)

Historia del Arte .E.H.Gombich (Edit.Debate)

Creación artística y mujeres (Seminario U.del País Vasco)

La red.

Fotografías :Las mismas