domingo, 29 de noviembre de 2009

ALBERTO GIACOMETTI, el artista en su espacio



LE CHAT 1951

Alberto Giacometti (Suiza 1901-1966). Aunque nacido en Suiza Giacometti se puede considerar un artista francés, más bien parisino si nos atenemos a su formación.
Iniciado en estudios artísticos en Ginebra, se trasladó a París para seguir estudios de escultura y allí entró en contacto con el ambiente cubista y con el grupo surrealista del que formaría parte entre 1930 y 1935. De esa época data su “Cabeza que mira” con toques de arte tribal, arte que tanto influiría en los artistas de la época. Las obras de esa época son muy personales y en ellas se reconoce la idea surrealista de los objetos.

CABEZA QUE MIRA

La genial obra de este artista ha sido expuesta en numerosas ocasiones. En estos últimos años he tenido ocasión de admirarla dos veces. La última, el año 2008 en Rotterdam en el “Kunsthal Rotterdam” y la anterior en 2007 en el Centro Pompidou, bajo el título “L’Atelier D’Alberto Giacometti” (El taller de Alberto Giacometti).
En esta última voy a centrarme en esta Entrada de hoy porque posiblemente nunca se admiró mejor a un Giacometti íntimo, un Giacometti en su auténtica esencia y espacio. Pocas veces se ha percibido así al artista en su Taller y se ha podido “pasear” entre su obra, desde la más temprana a la que ejecutó en su madurez.


COUPLE 1927
Esta entrada se ha enriquecido sin duda por el buen hacer del Centro Pompidou que en colaboración con la fundación Alberto y Annette Giacometti, nos dio la oportunidad de gozar de una retrospectiva inédita y original en su montaje, gracias a la cual, pudimos vislumbrar la intimidad del lugar de trabajo del artista, algo imprescindible para entender la obra cumbre de Giacometti. Su taller era su laboratorio y su taller era su espacio vital.

MUJER ACOSTADA QUE DUERME 1929

Recorrer este espacio fue recorrer la vida y obra de Giacometti y sobre todo nos dio la oportunidad de analizar su desarrollo de un modo muy pedagógico. La disposición de la obra era perfecta para ello.
Pudimos encontrar parte de la pared del taller en la que, dibujado a lápiz, se veía el esbozo de una escultura, a su lado la escultura real con su presencia contundente, con un juego de luces, proyectaba su sombra sobre la pared de la sala presentando tres momentos de la obra. La del esbozo, la real y “la sombra irreal”.
Volvemos a admirar una composición similar en la unión de un esbozo y la escultura resultante en otro momento de la instalación.

COMPOSICION Y ESCULTURA (Hacia 1927-1928)

En el comienzo del recorrido encontramos autorretratos del propio artista en su juventud, seguidos de amigos y familia. No podemos olvidar que en sus dibujos, pinturas y esculturas los modelos preferidos fueron precisamente los más allegados. Sobre todo su hermano Diego.


CABEZA DE DIEGO 1923

Pero centrándonos en su obra, tenemos que decir que nombrar Giacometti es ver esas figuras rígidas, extremadamente enflaquecidas y sobre todo aisladas en el espacio. Un aislamiento que se transmite incluso cuando aparecen agrupadas. El estudio psicológico de la obra, que como todo artista lo tiene, habla de la soledad del hombre y muchos han querido ver en ella un fondo de la filosofía existencialista.


TRES HOMBRES QUE CAMINAN 1948

También hay una lectura de los últimos años de su vida. Esos en los que vivió en una total austeridad que en ocasiones rayaba en el abandono. Esa austeridad sin duda se plasma en la obra del artista. Posiblemente si hubiera pertenecido a otra época Giacometti hubiera sido un hombre religioso o místico. Sin embargo su vida y obra se acerca más a la alineación.
Entre las historias que acompañan a todo artista hay una leyenda que dice que en todo el tiempo en que vivió en su estudio, no cambió ni movió prácticamente nada. Y puede ser que esa actitud también se reflejase en su obra puesto que durante sus últimos veinte años retomó una y otra vez los mismos temas.


GRAND FEMME 1958
Su vida fue una lucha por querer atrapar la realidad, la única realidad visible. Esta lucha le llevó a numerosas crisis que dieron lugar a cambios radicales.
Fue a partir de 1935 con el retorno al arte figurativo y el estudio del modelo cuando comienza una etapa que daría lugar, en esa búsqueda de la realidad, a su estilo característico. Las figuras humanas alargadas, de textura rugosa, muchas de ellas de tamaño natural y solitarias.


EL HOMBRE CAMINANDO 1960

Giacometti descubrió que “nos percibimos unos a otros como una aparición rodeada de espacio y reducida por la leyes de la perspectiva”. Afirmaba que “el tamaño real no existe” y redujo sus figuras a las dimensiones de un palillo, las hizo “desaparecer” hasta llegar a un punto en que casi no se veían entre sus dedos.

FEMME DEBOUT 1961
Comenzó a amasar las figuras sobre una estructura de alambre lo que las convertía en una línea incorpórea e irreal pero paradójicamente de gran estabilidad visual. Sus contornos irregulares hacen que sus superficies sean potentes.
En la serie de las “Siete mujeres de Venecia” ya en su madurez, sintetizó los tipos femeninos entre las figuras estilizadas y las de anchas caderas y hombros redondos. Había logrado dominar proximidad y distancia. También los últimos bustos de Diego poseen una silueta más equilibrada, con cuello y cabeza.


GRANDE FEMME 1960-1961

Giacometti no fundó escuela, pero si abrió el camino para una nueva percepción de la escultura.
ALBERTO GIACOMETTI
Más tarde los minimalistas mostraron su lema escultórico “Aunque un cubo posee seis caras, presento las cuatro que veo”. Giacomettí había sido el primero en presentar ese concepto.

NOTAS :

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CON FECHA 3 DE FEBRERO  DE 2015, en este mismo blog, aporto noticias sobre una exposición en Madrid que nos trae al artista y su obra.

EL  4 DE FEBRERO DE 2010, salta a los medios la noticia : L’Homme qui marche (El hombre que camina) de Giacometti , se ha subastado en Londres por 65 millones de libras (104,3 millones de dólares ó 74,2 millones de euros) superando de esta manera el record mundial de una obra de arte vendida en subasta, según el portavoz de la casa de subastas Sotheby’s.



NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.
Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Fuentes consultadas:
Archivo propio.
Arte Siglo XX (Ruhrberg. Schneckenburger. Fricke y Honnef).
L’Atelier d’Alberto Giacometti (Colección de la Fundación A.y A. Giacometti).
Historia del Arte (E.H.Gombrich).
Fotografías tomadas en: Centro Pompidou. Archivo propio y la misma red.

domingo, 15 de noviembre de 2009

HENRY MOORE. Arte sin aristas.










La primera vez que admiré una obra de Moore quedé impresionada ante una grandiosidad tan suave. Nunca había percibido la redondez tan monumental, o la monumentalidad tan redonda. Siempre me habían resultado difíciles de visualizar estas dos características juntas y las tenia “ensambladas” allí delante, en la realidad, no en una fotografía. Fue hace muchos años en una exposición en Buenos Aires. Desde entonces cuando veo obras de Moore, aun estando sobre papel, las veo mucho más reales y grandiosas todavía.

EL ARTE EN LA NATURALEZA

Henry Moore (Reino Unido 1898-1986) comenzó sus estudios artísticos después de la Primera Guerra mundial. En 1919 ingresó en el Royal Collage de Art con una beca. Su interés por la escultura arcaica le llevó a frecuentar el British Museum y a viajar por Italia, Francia y España. Fue profesor entre 1925 y 1932 en el Royal Collage y entre 1932 y 1939 en la Escuela de Arte de Chelsie.

En esa época ya tenía estudio propio y lo más importante, ya se había forjado un estilo que le iba a caracterizar. Rechazaba la búsqueda de la belleza al estilo clásico o del Renacimiento y buscaba más expresar una energía interior. Entre sus temas preferentes: las figuras recostadas y la maternidad a los que fue añadiendo grupos familiares, combinando la figura humana con formas abstractas. Esa figura humana es contundente en su obra. Y en lo referente a los materiales, no se puso límites. Trabajó madera, piedra, bronce, cemento y terracota.


MUJER RECLINADA

Su obra está muy influenciada por las culturas americanas (estudió escultura mexicana y el arte de las tribus primitivas) pero también por el Egipto antiguo. En toda ella se ve el “arte de lo primitivo. En opinión de sus estudiosos la influencia de las culturas sumeria, egipcia, precolombina, africana y oceánica es intensa y evidente.
En sus primeras obras, hasta 1930, se subraya el bloque sólido y la técnica de la talla directa. (dios tolteca de la lluvia en 1929). Sería después de esta fecha cuando comienza una nueva evolución. En 1930 realiza una “Figura reclinada” que ha perdido su frontalidad masiva y ofrece vistas desde distintos ángulos y permite la aparición de cavidades y ya en 1934, Moore “excava” cavidades en los materiales.

A partir de 1940, cavidades y masas muestran prácticamente la misma importancia, complementándose en forma y espacio.


MUJER RECLINADA

Moore no fue muy conocido fuera de su país hasta mediados de siglo cuando el Premio Internacional de Escultura de la Bienal de Venecia, recibido en 1948, lo proyectó a nivel internacional. En lo sucesivo recibiría innumerables encargos. Su obra al ser expuesta en muchos espacios públicos, le “obligó” a aumentar el tamaño de sus esculturas.


REY Y REINA
Fue elegido miembro del consejo de la Tate Gallery y el Museo de Arte Moderno celebró la primera gran retrospectiva en 1946.
En la década de 1970 viajó a Canadá e Italia y en 1974 abrió el Henry Moore Sculpture Center en Ohio.


HENRY MOORE en CHICAGO.
Sus obras pueden ser admiradas en el edificio de la UNESCO en París, o en el Centro de Arte de Lincoln en Nueva York, así como en muchos espacios públicos y museos de todo el mundo. El museo de “Bellas Artes de Ontario”, ubicado Toronto, posee una de las mas grandes colecciones de esculturas de este artista.

OBRA en el MUSEO BELLAS ARTES de ONTARIO
Henry Moore fue referente para muchos escultores y podemos ver su influencia en la obra de algunos de ellos como en la de su compatriota Barbara Hepworth (entrada en este blog día 18 de octubre).





Hoy, 6 de noviembre de 2015,  llega a mi buzón privado, la nunca demasiado alabada revista “hoyesarte” (en la columna de la derecha del Blog tenéis el link) que nos comunica la grata noticia de la “visita” de la obra de Henry Moore a Pamplona.

La Obra Social "la Caixa"y la Fundación Caja Navarra, en colaboración con la Henry Moore Fondation y el Ayuntamiento de Pamplona, presentan seis esculturas monumentales del maestro inglés en el Paseo de Sarasate del 03 noviembre 2015 al 10 de enero 2016

Museo al aire libre

…”En 2006 vio la luz el programa Arte en la calle, desde entonces se ha acercado al público las creaciones de artistas contemporáneos como Manolo Valdés o Igor Mitoraj, así como referentes de la modernidad como Auguste Rodin.
Las obras interactúan con el entorno, por afinidad o por contraste, y provocan un gran impacto en las personas que las descubren por primera vez. Con este espíritu, las exposiciones cumplen una función social: son una herramienta de conocimiento y de integración al alcance de todos.

 


La única visita de Moore a España fue en el verano de 1934, en ocasión de unas vacaciones en motocicleta con su esposa Irina y sus amigos Raymond y Edna (Gin) Coxon. Entraron en el país desde Francia, llegaron a Pamplona y tomaron la carretera de la costa en dirección a las cuevas de Altamira, que Moore describió como la “Real Academia de la Pintura Rupestre”. Después visitaron Madrid, Toledo y Vic. Aunque Moore nunca más regresó a España, el país y su arte tuvieron un significado muy especial para él durante toda su vida.




Al igual que muchos artistas de su generación, Moore contempló horrorizado los sucesos que ocurrieron en España poco después de su visita. Nunca antes en toda su trayectoria artística había hablado tanto sobre política, y su compromiso con la difícil situación que estaban atravesando los españoles se reforzó tras la visita que realizó al estudio de Pablo Picasso en París en 1937, donde tuvo la oportunidad de contemplar los avances del Guernica. Dos años después, Moore hizo su primera litografía, Prisionero español, con la intención de venderla para ayudar a los prisioneros de guerra republicanos retenidos en los campos de refugiados de Francia.




En 1981 se organizaron importantes exposiciones de la obra de Moore en la Fundación Miró de Barcelona y en el Palacio de Velázquez de Madrid, y en el año 2006, en CaixaForum Barcelona. La reina doña Sofía visitó a Moore en su casa de Perry Green (Inglaterra) en 1983….”







Las fotografías que he añadido a la información enviada por "hoyesarte" se corresponde con algunas de las esculturas ya instaladas en la capital navarra.

Una buena razón para visitar esta hermosa ciudad tan llena de historia.


Y otra buena noticia que nos llega en estas fechas veraniegas de 2016.



La Capitalidad Europea de la Cultura 2016, otorgada a Donostia-San Sebastián, y en la que ya estamos inmersos, nos da la oportunidad de admirar en el Paseo de la Zurriola de la capital, las obras de Henry Moore. Un entorno de excepción para la obra excepcional de este artista. 




Me agrada en extremo el poder dar esta noticia, no sólo por ser Donostia una ciudad en la que la obra de un artista como Moore tiene un lugar idóneo para ser expuesta, también porque los que seguís estos Encuentros sabéis de la gran defensa que he hecho siempre de situar el Arte en la Calle (este blog 23.11.2011), lugar en el que debe de estar para educar y para poder ser compartido por todos los ciudadanos.

 

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.
Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.
Fuentes consultadas:
Archivo propio.
Arte del Siglo XX. (Ruhrberg.Schneckenburger.Fricke.Honnef)
Historia del Arte (E.H.Gombrich)
Fotografía: Archivo propio y la misma red.

sábado, 7 de noviembre de 2009

CONSTANTIN BRANCUSI, una mirada diferente sobre su obra.


Nació Brancusi en una aldea de Rumanía en 1876. De padres labradores. Se dice que su padre le maltrataba y sólo tuvo relación con su madre y con su hermana. El artista siempre dijo que su padre le pegaba porque había deseado “una hija”. A los 11 años logró escapar de casa, algo que ya había intentado en otras ocasiones. Con este comienzo podemos decir que casi es imprescindible un estudio de la obra del genial artista desde una mirada Psicológica. Bien es cierto que no somos expertos en el tema, pero sin lugar a dudas, el conocimiento de la infancia de Brancusi va a hacer que nuestra mirada se dirija a ella en más de una ocasión cuando observamos su obra.


De niño, trabajando en tareas pastoriles, aprendió el arte de la talla, arte muy popular en su país, un arte que siguió perfeccionando mientras se pagaba las clases con un trabajo de sirviente en una tienda.

Brancusi estudio en la Escuela de Bellas Artes de Bucarest y en la Ecole de Beaux-Arts de París y en 1903 realizó su primer encargo: un busto del general rumano Carol Davila. Trabajó un tiempo con Rodin en 1907 y las obras de esa época muestran clara influencia de este escultor, pero poco tiempo después ya se ve en él su propio estilo geométrico que le llevó hacia una abstracción en la que predominaría la forma ovoide.


"RECIÉN NACIDO"

No se alineó el escultor a ninguna tendencia artística, sólo se preocupaba por buscar la forma primaria del objeto y de plasmarla plásticamente transmitiendo, no solo su forma exterior, sino su esencia misma y sería él, Brancusi, el que iba a influir en otros muchos escultores

No obstante, aún en su abstracción, su obra va a llevar siempre intrínseca las raíces de sus orígenes rumanos. La influencia del folklore o los antiguos mitos se van a ver reflejados en ella en más de una ocasión.



"DONAIRE"


Su trabajo comenzó a ganar reconocimiento a partir de 1912 cuando el Salón Oficial de Bucarest le otorgó el primer premio de escultura y cuando participó en el Salón de los independientes en París. En 1913, presentó su obra de vanguardia en Nueva York, Chicago y Boston.



"COLUMNA SIN FIN"


En 1914 inició una serie de esculturas en madera en las que se ve la influencia de ese arte popular del que hablábamos: “El hijo pródigo”, la “Columna sin fin” o el “Pájaro”.



"PAJARO"


Sus “Aves” podrían interpretarse como imágenes propias y además de aves de gran tamaño, realizó “Gallos” y “Pajaritos”. Tanto unos como otros eran abstractos, pequeños y se van haciendo más grandes. El último “Gallo” realizado en 1949 alcanza 76,5 m de altura. Es una imagen fálica de alguien que asciende hacia el cielo.



"EL BESO"


“El Beso” es una de las más conocidas esculturas de este artista. En esta escultura, la figura masculina se parece al propio artista. Años más tarde Brancusi dibujaría un “Beso” en sus tarjetas de visita indicando que se había convertido en su emblema personal. Reelaboró el tema del Beso en muchas ocasiones y a medida que lo desarrollaba, las figuras abrazadas se fueron fundiendo en un bloque rectangular.




Nos hace recordar que la idea que tenía Miguel Ángel de una escultura: extraer la forma que parece encerrada en el bloque de mármol y dar vida y movimiento a sus figuras conservando al mismo tiempo el perfil simple de la piedra.


A partir de 1924 se puede decir que su reputación como uno de los grandes artistas de su siglo quedó establecida

Se le concedió el honor de participar en importantes exposiciones por todo el mundo. En 1955 se presentó una retrospectiva de toda su obra en el Museo Guggenheim de Nueva York.



En 1952, Brancusi obtuvo la nacionalidad francesa y donó su taller con un contenido de casi cien esculturas al Museo de Arte Moderno de París. Murió en esta ciudad en marzo de 1957.

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Fuentes consultadas:

Historia del Arte (E.H.Gombrich)

Arte y psicoanálisis (Laurie Schneider Adam)

Archivo propio.

Fotografía: archivo propio y la misma red