sábado, 19 de abril de 2014

HENRI MATISSE, creatividad hasta el final de la vida



  
Posiblemente cuando decimos Matisse, pensamos en el Fauvismo, y decir fauvismo es decir color, escándalo, artistas rompedores y como no podía ser de otra forma, creadores porque si algo consiguieron los fauvistas fue una ruptura total con el impresionismo ,pero sobre todo abrieron una puerta al expresionismo, al cubismo, a la abstracción, en una palabra fueron creadores.



 GUACHE RECORTADO 1947
 

El periodo fauvista de Matisse se prolonga entre 1905 y 1907 y si bien es cierto que este artista es uno de los más representativos del movimiento, hoy le dedico esta pequeña entrada en los Encuentro más que por esa etapa, por su creatividad en el conjunto de su obra artística, creatividad que no tendría fin. Su vida entera fue pura investigación y creación. Hasta el final. 

 
No obstante, imposible adentrarse en la obra de Matisse pasando por encima de su etapa fauvista. Así que antes de continuar mencionaré de esa época un lienzo que yo considero esencial para entender el movimiento. Se trata de “Armonía en Rojo”.


 ARMONÍA EN ROJO



Esta obra la realizó en 1908. Se dice de ella que es la representación “pura” del fauvismo puesto que el color cobra toda la importancia que los fauvistas le daban en la obra. Llama la atención en ésta ese color rojo intenso que aparece en toda la tela. En los objetos, en los muebles, en las paredes de la habitación. Y este rojo se combina fundamentalmente con el azul, un color que tanto utilizó Matisse en su obra. Ambos complementan la paleta, demostrando aquello que todos los fauvistas dominaron a la perfección; la teoría del color. También aparece el negro en una clara oposición al rechazo que habían mostrado los impresionistas hacia este color. Como toda obra fauvista nos encontramos ante la casi ausencia de perspectiva y profundidad, resultando una pintura “plana” que no obstante tiene toda la fuerza de un lienzo con volumen y composición más complicada. 


 Esta fue la etapa que serviría para abrir al mundo del Arte nuevas perspectivas. Supuso una ruptura con las etapas anteriores y como toda ruptura la oportunidad de experimentar y de crear. Se podría decir que el color había triunfado. 


 LA ALEGRIA DE VIVIR 1905-1906


Otra característica del movimiento fauvista era ese amor a la vida, o esa búsqueda de la felicidad o disfrute de ella. Todo ello también está presente en la obra de Matisse, por supuesto en forma de arte. ¿Cómo? con un lienzo que precisamente lleva ese título. “La Alegría de vivir” pintado entre 1905-1906.


 GOUACHE Y PAPEL


Pero volvamos a la etapa que mencionaba. Estos días se va a dedicar una gran exposición en la Tate Gallery de Londres a la obra final de Matisse. Precisamente esta última etapa es la que me ha decidido a dedicarle el artículo.


Si su “revolución” a la hora de romper con estilos pasados enfrentándose a toda una crítica ya fue admirable, a mi me impresiona aún más el final de su trayectoria, precisamente la que la Tate recuerda estos días.



MATISSE EN PAPEL 1947


No obstante, si observamos la obra de Matisse globalmente, podemos intuir que ese final es fruto de toda su carrera, de toda la experiencia acumulada a lo largo de la vida artística. ¿Acaso no se intuye en esa “Danza” lo que más tarde vamos a admirar en “Desnudo azul”, o los maravillosos “recortes” que nos muestra la Tate?


 RECOTABLES en la  TATE
 


“La danza”, un enorme óleo de Matisse va a tener varias versiones. La danza I se pintó en 1909, la Danza II en 1910, siendo  “Danza I” un encargo de un cliente de Matisse, el magnate ruso Serguéi Shchukin.
 

 LA DANZA I


Tanto en “Danza I” como en “Danza II”  las bailarinas se representan con un color plano sobre fondo también plano. Ocupan todo el lienzo que es de enorme tamaño y están dispuestas de forma circular. El color plano, tanto del fondo como e  de las ejecutantes, no resta un ápice de movimiento a esa danza que se muestra rítmica. El artista logra este ritmo a pesar de la falta de perspectiva y de la simplicidad de las líneas. Lo consigue simplemente con el color. El germen de la revolución de los movimientos y del volumen conseguidos por el color ya estaba ahí. 


 
COMPOSICIÓN 1947
 

“Desnudo azul”, también forma parte de una serie. Se pintaron entre 1952 y 1954. Se puede decir que son parte de un paso más hacia la abstracción, un paso en esa experimentación. Aún falta mucho para llegar a la abstracción total. El cuerpo humano aún está presente, pero el volumen y las formas ya se consiguen con el color. En este caso el azul es el volumen. La influencia de pintores como Gauguin que también experimentó con las superficies planas y colores puros, está presente en la obra del artista. 




 EL ESQUIMAL (GUACHE) 1947


Y encontramos otra influencia en la obra de Matisse, la de otras culturas. El arte islámico fue una de ellas. El contacto con éste influyó poderosamente tanto en el color como en los motivos. También los arabescos andaluces dejan su impronta en la obra del artista. Su viaje a Marruecos en 1911 le terminaría por abrir un mundo de color y exotismo. Nadie podría negarlo después de admirar su Odalisca con pantalón rojo realizada en 1922 y también sus obras posteriores con sus colores y su formas sinuosas aun habiéndose adentrado ya en el mundo de la abstracción.



 ODALISCA CON PANTALON ROJO 1922


Y Matisse logró algo más, creó o descubrió la forma de ensamblar formas recortadas. Formas recortadas de guache, creando una técnica diferente a la de trabajar directamente sobre el lienzo. El lo llamó “dibujo con papel” El efecto de estos recortes es como de un relieve en dos dimensiones y es el fin de esa búsqueda de la perfecta simbiosis entre color y forma.


GOUACHE EN PAPEL 1953


Llegado a este punto podemos entender ya la última etapa de Matisse, esa en la que la herramienta es la tijera y la creación resultante es ya la abstracción.

Podemos entender la obra de un artista que supo sustituir el pincel o el lápiz por la tijera, que supo pintar y dibujar con otra herramienta consiguiendo de esa forma, no solo no paralizar su proceso creativo, sino lograr con un nuevo instrumento, llegar a lo más alto de la creatividad artística sin perder su propia factura.


 SERIGRAFÍA SOBRE PAPEL ESPESO


En una palabra nos demostró la genialidad de ser creativo, esa que solo poseen aquellos seres tocados por un don especial. Henry Matisse fue el precursor del “collage” o nos atreveríamos a decir que su inventor. Lo que no hay duda es que esos “collages” fueron un derroche de calidad y creatividad y ahora la Tate Gallery de Londres les rinde tributo. 


MATISSE Y SUS RECORTES.


Henry Matisse había nacido un 31 de diciembre de 1869. Se encontró con su vocación de artista estando convaleciente de una enfermedad. Su madre le llevó unos pinceles y él en ese momento decidió que su vida estaría dedicada a las artes plásticas. Murió en 1954.


 
FUENTES CONSULTADAS:
Los Pintores más influyentes. David Gariff (Edit. Electa)
Maestros de la Pintura. Patricia Fride R.Carrascal (Edit.Larousse)
Historia Visual del Arte. Claude Frontisi.(Edit.Larousse)
PARA LA FOTOGRAFÍA:
Las mismas y la red.

NOTA:
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martes, 1 de abril de 2014

MARTÍN CHIRINO. Continuamos en las islas.




Y no podría haber motivo para quedarse en las islas que enlazar a Manuel Millares (anterior Entrada)  con su gran amigo Martín Chirino. Además para mi supone la grata opción de escribir un poco sobre escultura que como bien sabéis todos los que visitáis los “Encuentros” es una de mis disciplinas favoritas.



 MEDITERRANEA III


Se menciona aquí la amistad que unía a ambos artistas y es que muy joven, adolescente, Chirino conoció a Millares, un encuentro que se convertiría en una amistad que iba a continuar en el tiempo. 


 ESPIRAL



Martín Chirino nace en Las Palmas de Gran Canaria, en 1925. En los astilleros en dónde trabajaba su padre, Martín tendría sus primeros contactos con el metal. Fue su padre el que le empujó a trabajar durante un tiempo en el mundo de los astilleros. También sería en esa época, cuando viaja en repetidas ocasiones a África por tema de los astilleros. Las visitas a Senegal, Marruecos y otros lugares africanos iban a plasmarse en su obra.



CARBÓN Y SANGUINA

Marcha a Madrid con una intención algo diferente a la de estudiar Arte. Se suponía que el fin era entrar en la Facultad de Filosofía y Letras, pero todo queda en un intento. Se inscribe en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando finalizando los estudios en 1952 marchando posteriormente a Londres. Allí iba a conocer la obra de dos grandes escultores contemporáneos  Henry Moore (este blog 15.11.2009) y Bárbara Hepworth (este blog 18.10.2009).


TALLA DE MADERA Y LAVA

A su vuelta y después de un intenso aprendizaje de forja comienza su colaboración con Miralles, colaboración que sería muy estrecha y permanente en el tiempo.
Realiza alguna exposición en las Islas y marcha a Madrid en 1955 y con él, además de algunos otros artistas, marcha su amigo Millares.  En 1957, estaría junto a él para la formación del grupo El Paso, grupo que se disolvería en 1960.


   LADY HARIMAGUADA

 
En 1959 en la Bienal de Sao Paulo expone dentro del pabellón español nueve esculturas.
En el MOMA de N.York en 1960 en una colectiva que incluía a varios españoles Chirino presentaría cuatro obras. 


COMPOSICIÓN CONSTRUCTIVISTA


A partir de 1961 se podría decir que comienza una etapa de exposiciones individuales. Después de reponerse de una grave enfermedad que llevó a ser ingresado en el sanatorio SEAR de Madrid, expone en la Grace Borgenicht Gallery de Nueva York. 
Se trata de una exposición individual con catorce piezas, algunas de ellas ya presentadas en el MOMA. Las nuevas obras  son “Margarita”, “Santa Teresa”, “Guerrero” “El mito de Orfeo”, “Inquisidor”. 



 MI PATRIA ES UNA ROCA


 La siguiente exposición que realizaría en el Ateneo de Madrid estaría marcada por las series “Vientos” y “Raíces”, series que posteriormente adquiriría el Museo de Arte Abstracto de Cuenca.



  MEDITERRANEA (Madrid)



Unos años después, en 1964 viaja a Grecia. Este periplo de dos meses va a influir poderosamente en su serie “Mediterránea”. Son esculturas de chapa de hierro soldadas y con vivos colores.



 MEDITERRANEA (Maspalomas)


A partir de 1974, Chirino pasa largas temporadas en Nueva York, trabajando en el estudio de la escultora Beatrice Perry
Se implicó en la redacción del “Manifiesto del Hierro” que identifica la identidad de Canarias con el continente africado.
En ese mismo sentido realizaría la exposición “Afrocán” que iba a despertar un gran interés en la prensa de Nueva York.
Podríamos decir que la obra “Gran Cabeza Africana” se encuentra en la misma temática.  



 
   CABEZA. EL PENSADOR


Ha recibido numerosos premios como el de la Bienal Internacional de Escultura de Budapest, el Premio Nacional de Artes Plásticas o la Medalla de Oro de Bellas Artes.
  
Su obra está presente en numerosos espacios públicos. Un ejemplo es la cubierta del Parlamento de Canarias decorada con “La Espiral” realizada en 1999. Pero no solo en las Islas está presente su obra. El Guggenheim también alberga obra de Martín Chirino.



 PARLAMENTO DE CANARIAS


Desde estos encuentros no me queda más que remitiros a la web de este gran artista, una página en la que en encontraréis todo lo relativo a su vida y obra realizada con gran sencillez y profesionalidad.




EL ARTISTA Y SU OBRA  (fotografía tomada de El Mundo)




NOTA:

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Me he valido para este pequeño artículo y para la fotografía
de:
Wikipedia en la red