domingo, 14 de septiembre de 2014

NOS QUEDAN EL ARTE Y LAS LECTURAS



Queridos amigos, se nos va el verano pero nos queda el Arte y por supuesto las lecturas en las que el Arte está presente. 

Después de los libros recomendados para este verano en la Entrada “Lectura para el estío 2014” (6 de julio de este año),  me he dado un tiempo y he pensado que no hay nada mejor que enlazar las lecturas veraniegas con las otoñales y para ello os dejo un nuevo título. Y esta vez en la recomendación sí va mi crítica personal.

Se trata de “El jilguero”, la última obra publicada en nuestro país por Donna Tartt. Con ella ganó el Pulitzer y aunque en muchos medios la consideran una obra del género negro, en mi opinión es mucho más que eso.
“El jilguero” es una obra que considero interesante para nuestro blog puesto que el Arte, o el sentimiento que éste despierta, está muy presente en ella.

 



El tamaño considerable del libro hace de esta obra una lectura idónea para la época en la que nos vamos a adentrar. 

Entrelazadas con las opiniones recogidas en los medios os dejo la mía personal.

El libro narra la historia de un adolescente que pierde a su madre en un atentado en un museo de Nueva York (el MET). Theo, ve morir a su madre y queda, por circunstancias del suceso, con el cuadro de Carel Fabritius, “el jilguero”, en su poder.

Partiendo de ese momento el hilo de la obra nos va a hacer vivir la adolescencia de Theo, el reencuentro con su padre y la desasosegante vida en la que se ve envuelto, así como el viaje a Europa en busca del lienzo que había desaparecido de sus manos. La historia va convirtiéndose en trepidante y sumamente dura y en esos cambios de registro encuentro el interés de su lectura. 

A mi personalmente me ha emocionado la relación del Theo adolescente con su madre.

El propio comienzo del libro resulta emotivo:… “Me habrían ido mejor las cosas si ella hubiera vivido. Pero murió cuando yo todavía era un niño; y aunque todo lo sucedido desde entonces es por mi culpa, al perder a mi madre perdí de vista cualquier punto de referencia que podría haberme conducido a un lugar más feliz, una vida más plena o agradable”...

La relación de Theo con el Arte es otro de los puntos que merece que esta obra esté en el blog. Tartt sabe describir los sentimientos de Theo hacia el arte y sobre todo hacia esta pequeña tabla del siglo XII que da nombre al libro.



EL JILGUERO. Óleo sobre tabla. 1654

La opinión negativa que puede encontrarse en esta novela es posiblemente su excesivo tamaño. A título personal, creo que podría haberse abreviado sin que  la trama hubiera quedado afectada. Otro punto débil, podría ser el final de la narración que resulta un tanto “precipitada” como colofón a una narración tan larga.

Sobre la pintura que da nombre al libro diremos que “El jilguero” es un pequeño óleo sobre madera de 33,5 x 22,8 cm. Se encuentra la Royal Picture Gallery Mauritshuis de La Haya y su autor, Carel Fabritius, fue discípulo de Rembrandt .

Nacido en Midden Beemter en 1622, desarrolló su trabajo en Amsterdam y Delft en donde falleció en 1654. Entre sus obras es especialmente famosa ésta de “El Jilguero”, cuyo título exacto es “Jilguero atado” y que data de 1654.


 Autorretrato de CAREL FABRITIUS


Sobre la autora, Donna Tartt , la Red nos dice lo siguiente:

Donna Tartt nació en una ciudad cercana al delta del Mississippi y creció rodeada de libros. A los 13 años ya publicaba poesías. En 1981 se inscribió en la Universidad de Mississippi en dónde su estilo literario atrajo la atención de Willie Morris que la recomendó como escritora ante Barry Hanna con solo 18 años. Siguiendo los consejos de Morris marchó al Bennington Collegue, universidad de artes liberales en Vermont en donde estudiaría a los clásicos con Claude Frederick.
“El jilguero", va a ser llevada al cine.

NOTA: He tomado opiniones de publicaciones en la red y he dejado la mía propia.
Para las fotografías he recurrido al escaneo de las portadas del libro y lo publicado sobre  este artista holandés.

martes, 26 de agosto de 2014

ARTE, terapia para el alma.



O podríamos decir, caricia para el alma. En una entrada en este mismo blog escribía sobre el barro y la cerámica y su función, en ocasiones, como terapia (fecha 22.1.2012).

Hoy me animo a filosofar un poco sobre el valor del Arte como terapia o si queréis como consuelo para momentos de tristeza y de vacío. Eso sí, habría que añadir que hay personas predispuestas a recibir ese consuelo y otras a las que el Arte no les conmueve en absoluto, así que yo añadiría que también es necesaria, como muchas veces he apuntado, una “educación en el Arte”.



NIÑOS PINTANDO EN GRUPO



Es muy difícil en el momento actual que se aprecie e incluso que se dé valor de herramienta “curativa” al Arte. Vivimos en una sociedad en la que prima la prisa, el objeto de usar y tirar, el culto a lo ostentoso, al “tener” y al figurar y como mucho se va dar importancia a algo que ya llevamos un tiempo escuchando, la llamada Arteterapia.

 Es algo así como que tenemos la necesidad de que nos den todo establecido. Quiero decir con esto, que el valor de la llamada Arteterapia es mucho, no cabe duda, pero el “valor curativo” del Arte existe desde siempre. Ahí ha estado desde tiempos inmemorables.


 MÁSCARA ANCESTRAL



El valor del Arte, dejando de lado a aquellos que lo coleccionan con fines económicos y de transacción, es muy diferente. Al menos al que yo me quiero referir aquí. Hablo precisamente de lo pequeño, de lo no ostentoso, de lo “invisible” y de aquello que no siendo permanente, léase Arte Efímero (este blog 19.06.2012), es tan íntimo y a la vez tan potente que pasa por nuestra vida como una ola pero deja huella en nuestra alma. Es algo tan poderoso que tiene la capacidad de “curar”. 


 LIENZO DE C.COBIAN


Y partiendo de todo ello podemos ir en busca del Arte que nos va a aliviar las penas en este mundo, aquel que es accesible a todos porque todos somos capaces de situarnos delante de un lienzo, de una escultura, de un tapiz, de una pieza artesanal realizada con las manos y “viajar” por ella hasta las entrañas, despiezar “trocito a trocito” esa escultura, analizar los elementos de esa pieza de artesanía, deshilvanar esa trama urdida artísticamente en el telar, estudiar uno a uno esos trazos de un óleo e intentar una simbiosis con la obra e incluso con aquel que la creó. 


LA JOVEN DE LA PERLA de VERMEER



En ese trayecto vamos a encontrar mucha gratificación y mucho alivio a nuestras penas. Ese “estudio” nos va a dar mucho respiro en esta vida en ocasiones tan árida y carente de alegrías. Me diréis que es más fácil acudir a un “video-juego” o a una fiesta loca… puede ser, pero yo estoy hablando de algo mucho más profundo y duradero. El arte, cuando llegamos a conectar con él, permanece en nosotros en cada momento de nuestra existencia. Podemos acudir a él porque siempre está dispuesto a aliviar nuestra pena, llenar nuestro espacio de color y, aunque no nos demos cuenta, ayudarnos a ser creativos en cada instante de nuestra vida porque aunque unos nazcan ya artistas, todos lo somos en potencia, es cuestión de educación y de estar muy atentos a aquello que nos rodea y nos hace reflexionar. Se puede ser creativo hasta en los más mínimos actos cotidianos y si ponemos empeño y atención en ello nuestra vida irá transformándose poco a poco y nuestra alma se irá llenando de calidez. El arte es necesario, ahora más que nunca, para sobrevivir.


 EL MAESTRO DANDO CLASE de DEGAS


En realidad la Arteterapia es una disciplina que se vale del arte como una vía para comunicarse. Y eso ha existido siempre.

El Arte, además de ser una vía para comunicarnos como individuos sirvió y debería servir como instrumento de comunicación de masas, o si queremos interpretarlo de otra forma, el artista sería el narrador de la historia. Hoy puede resultar curiosa esta frase pero cuando miramos hacia atrás en la Historia del Arte, vemos muchos artistas que narraron la historia a través de sus pinceles. Cómo no recordar las maravillosas “narraciones” de los pintores flamencos.




 BODA CAMPESINA de BREUGHEL EL JOVEN



Quién no ha quedado prendado de un cuadro de Breughel, tanto el Viejo como de su hijo Pieter el Joven, que nos mostraban como si fueran reproducciones exactas las estaciones del año, la recolecta del grano, la matanza de los animales, bodas y efemérides, en una palabra, el día a día de la comunidad.


Otros artistas sacaron de sus entrañas todos sus pensamientos y sentimientos y los expusieron sin pudor. Los pensamientos filosóficos tomaron forma en más de un lienzo o denunciaron en un fiel retrato un momento histórico



  GERNIKA DE PICASSO



Algunos simplemente nos ofrecieron belleza. Una belleza que nos transmite emoción. ¿Quién no se ha sentido conmovido al encontrarse ante una escultura de Miguel Ángel? Y hay que añadir que todas esas caricias de las que hablo son perennes.

Podemos tornar y retornar a una obra de arte que ahí estará permanente y añadiría más, según en qué momento nos encontremos, nuestras emociones serán diferentes. El Arte es un pozo sin fondo, una caja de sorpresas y un valor que en ocasiones no somos capaces de apreciar en su totalidad.



 EL DAVID de MIGUEL ÁNGEL 


Por eso la importancia de una Educación en el Arte. Es educar con miras a la salud presente y futura y es educar trabajando la sensibilidad. En una palabra formando personas más completas.

Cuando me refiero a educar en el Arte, no me refiero a la actividad o la enseñanza de una disciplina solamente. La enseñanza de las disciplinas artísticas es muy importante. No hay duda de que introducir una o más disciplina artística desde pequeños hace que se potencie la creatividad. Pero yo aquí también hablo de introducir la teoría del Arte.

Cuando enseñamos a “mirar”, estamos enseñando a sentir emociones, a utilizar el Arte como Terapia y estamos dando un instrumento que nos va a servir para toda la vida.

Educar en el Arte implica que se enseñe a “mirar” o “leer” un cuadro, una escultura, un edificio.

Se puede pensar que “ver” un edificio no va más allá de una visión de la construcción, pero es muchísimo más. Saber “ver” un edificio nos va a proporcionar saber situarnos en un momento histórico, en las emociones que sintió el diseñador cuando lo llevó a cabo, la vida que se desarrolló en su entorno y en un “antes y un después”. Es decir, nada es inútil a la hora de aprender a conocer el Arte. 

 

 BOCETO de la FUNDACIÓN IBERE CAMARGO de  ALVARO SIZA 


Lo mismo sea el saber sobre un edificio, una escultura, un lienzo o una pieza artesanal, todos esos conocimiento  nos están ayudando a desarrollar nuestra sensibilidad y nos están dando instrumentos inapreciables para cuidar nuestra alma en el camino de la vida. Estamos aprendiendo a “viajar” de una forma más consciente, sensible y creativa y todo ello engrandece el espíritu y alivia el alma.


 LA SANTA CROCE en FLORENCIA


Pero toda aquella persona sensible al Arte tendrá que tomar precauciones. No podemos olvidar un “síndrome” muy especial, que seguramente la medicina no ha sabido explicar aunque si lo han hecho los expertos en Arte. Me estoy refiriendo al síndrome de Stendhal, aquel que sufrió el afamado escritor cuando en su recorrido por Florencia entró en la iglesia de la Santa Croce y cayó en un desmayo totalmente abrumado por tanta belleza (este blog 29 marzo 2009).

 Y es que ¿quién puede sustraerse a una ciudad, más bien a un país, pleno de arte? 


 LA PUERTA DEL PARAISO de GHIBERTI.  BAPTISTERIO DE SAN JUAN FLORENCIA




LECTURAS RECOMENDADAS

Estas lecturas que os recomiendo son perfectas para la divulgación de las diferentes disciplinas. No son en modo alguno ni áridas ni demasiado eruditas.


Los secretos de las obras de Arte. Edi.Taschen. Ya recomendado en la entrada anterior.

Leer la pintura. Ed.Larousse. Un ameno libro que nos enseña a “leer” la disciplina de la pintura.

Como leer un edificio. Carol Davidson Cragoe. Ed. Lisma. Un libro que nos introduce en el mundo de la arquitectura de forma que podamos apreciar un Arte que nos rodea en nuestras calles y ciudades.

La sculpture. Varios autores. Edit. Taschen. Un manual muy interesante sobre esta disciplina a través de la historia.

El Placer del Arte. Renato de Fusco. Ed.GG. Imprescindible para los que quieren que el Arte entre en sus vidas.


VENECIA




NOTA:
Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, abajo a la derecha en Archivo  “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Para la elección de otro IDIOMA ir con el cursor al final de la página.


Fuentes utilizadas para la fotografía: Mi propio blog, fotos de archivo, la red.

domingo, 6 de julio de 2014

LECTURAS DE ARTE PARA EL ESTÍO 2014



Estos últimos años y en estas fechas veraniegas me suele gustar dejaros alguna recomendación para lecturas estivales relacionadas con el Arte, puesto que de Arte tratan estos Encuentros.



Lienzo de CARLOS COBIAN


No entro en absoluto en crítica profunda de las obras recomendadas, simplemente os dejo el título, la sinopsis y la editorial que la publica, más el pequeño resumen que ésta dedica a la obra.  Por supuesto son libros que yo he leído e incluso a veces,  alguno  me ha servido de consulta para las entradas de este Blog, así que también aporto un par de líneas con mis impresiones. He intentado, como en otras ocasiones, hacer un pequeño “ramillete” en el que he colocado desde novelas livianas, no muy profundas pero entretenidas, pasando por otras de gran interés artístico hasta alguna, como es el caso de “Sobre la fotografía”, en la que ya nos introducimos en una obra de ensayo mucho más densa.

He aquí pues la selección que he hecho este año.

Con la invasión de la llamada novela negra, no he podido sustraerme a la tentación de dejar aquí  un par de títulos. Y lo hago gustosamente ya que soy lectora de novela negra desde siempre y si me tientan con una trama en la que el Arte tiene su punto central, creo que se trata de algo idóneo para que comience la Entrada con ella. ¡Qué mejor que unir arte y misterio para pasar estas horas de verano que dedicamos a la lectura! Así que mis dos primeras recomendaciones se encuadran en algo que podríamos denominar “Arte y Misterio” o “Misterio en el Arte”…. Os lo dejo a vuestra elección.




LAS PINTURAS DESAPARECIDAS de GAUKE ANDRIESEN . Editorial Alianza.

“Durante el entierro de un amigo, experto en arte, el detective Jager Havix es abordado por los hermanos Lisetsky, cuyos padres fallecieron en el Holocausto, que anhelan recuperar la valiosa colección familiar de pinturas expoliada por los nazis. Havix recibe una extraña herencia: una carta en la que su difunto amigo relata la historia del pintor Han van Meegeren, que vendió a los jerarcas nazis imitaciones perfectas de las obras de Vermeer, y uno de dichos lienzos. Durante la investigación sobre el paradero de la colección Lisetsky, se sumerge en la obra de Vermeer y en los entresijos del comercio artístico en la época nazi en el que se intercambiaron obras por vidas humanas”.

Gauke Andriesse es un escritor holandés que se especializó en el mundo del Arte. Aunque tiene más publicaciones que podríamos encuadrar en la temática de “novela negra” esta es la única que yo conozco en la que se vale de sus conocimientos de arte para escribir una obra de misterio.

Es un libro, que como arriba indico, encuadro en los que podemos denominar “entretenido”, muy adecuado para estas fechas.




EL PINTOR DE FLANDES de ROSA RIVAS . Roca Editorial.

“ Paul van Dyck, un joven pintor de Amberes, acepta pintar un enorme cuadro para don Juan de Tassis, conde de Villamediana. Para ello se traslada a Madrid y empieza a pintar el retablo siguiendo las instrucciones de su mecenas. Este, a partir de la representación de la degollación de San Juan Bautista, pretende revelar algunos de los secretos mejor guardados de las monarquías europeas. Son secretos que ignoran los visitantes del Museo del Prado, museo en donde se encuentra el lienzo en la actualidad”.


Rosa Ribas, es una escritora española afincada en Frankfurt. Esta novela que nos trae está cargada de misterios, de aventuras y también podríamos decir que viene cargada de historia ya que está muy bien documentada. 

En esta lista que os he elaborado la sitúo en un lugar mucho más alto que el que damos a una obra “interesante”. Es una novela que nos lleva de la mano por la aventura, nos introduce en los misterios y en las conspiraciones pero que a la vez nos proporciona muchos datos históricos y que no la puedes soltar hasta leer FIN.




ARTE Y ARQUITECTURA: TOSCANA de ANNE MUELLER VON DER HAEGEN de Editorial Könemann.

Aunque catalogada como guía, yo más bien diría que se trata de un bello libro de Historia, Arte y Arquitectura. De formato pequeño que nos permite transportarlo  en estas vacaciones, una ilustración magnífica y sobre todo dedicado a una de las regiones más bellas y más ricas en arte y arquitectura de Italia.

La Toscana, cuna de los etruscos, es una región que nos deja impresionados a todos los que la visitamos, yo más bien diría que nos deja totalmente enamorados. Región de bellos paisajes  y repleta de tesoros artísticos. Florencia, Pisa, Siena, Lucca… es decir Iglesias, Monasterios, Palacios y por supuesto Miguel Ángel, Botticelli, Brunelleschi, es decir Arte.

Nos sorprende que una edición tan pequeña proporcione en tan poco espacio, además de buena y abundante fotografía, tan amplia descripción de los lugares con planos incluidos.

Este libro forma parte de una serie denominada “Arte y Arquitectura” y todos los volúmenes son de la misma calidad. Podemos encontrar otros dedicados a diferentes regiones y ciudades italianas. Hoy os recomiendo la Toscana como aperitivo de unas vacaciones llenas de Arte.




 LOS SECRETOS DE LAS OBRAS DE ARTE de ROSE MARIE & RAINER HAGEN. (Tomo I y II) Editorial Taschen.

¿Quién no se ha preguntado en ocasiones qué estaba detrás de la sonrisa de la Gioconda?
O
¿Por qué en el candelabro que aparece en ese cuadro solo está prendida una vela?

¿Y ese espejo que aparece en el fondo del lienzo? ¿Qué simbología tiene?

Como nos explica la nota de la editorial, los autores nos proporcionan las respuestas a miles y miles de preguntas que nos hacemos cuando miramos minuciosamente una obra de arte y un sin fin de detalles que no habíamos observado se nos hacen presentes.

De la mano de los autores se nos van desvelando secretos de la vida de los que pueblan los lienzos,  detalles de la moda del momento en que vivieron, de la sociedad de la que formaban parte y lo hacen tomando las obras de arte más famosas.


Rose-Marie Hagen, suiza de nacimiento, estudió Historia y Filología Románica en Lausana.
Rainer Hagen, nacido en Hamburgo, estudió Literatura y Drama en Munich.

Solo puedo decir que además de valerme de estos dos volúmenes para muchas consultas a la hora de escribir los artículos para estos Encuentros, he disfrutado adentrándome en un sin fin de historias que nunca hubiera pensado que podían esconderse en muchas de las obras de arte que conocemos de otra “manera”. Su lenguaje es sencillo y ameno.
Mi única “pega” para recomendarla en vacaciones es su tamaño. Consta de dos tomos algo voluminosos. Así que absteneros si viajáis con mochila.



Y finalizo la lista de este año con el más serio de todos los recomendados puesto que se trata de un Ensayo.


 


SOBRE LA FOTOGRAFIA de SUSAN SONTAG. Editorial Debolsillo y Alfaguara.


Este ensayo se publicó por primera vez hace treinta años. Y a pesar del tiempo transcurrido sigue estando vigente. Según los estudiosos de su obra esto se debe a que Sontag estableció una estrecha relación entre la fotografía y la sociedad. 

En mi opinión esta relación se da en muchas disciplinas artísticas y la fotografía lo es.

“Sobre la fotografía” son seis ensayos que se alejan de ciertos formalismos, para ejemplificar de manera clara y contundente la carga social e ideológica que trae consigo la fotografía.
Os dejo la introducción realizada por la propia autora.


Todo empezó con un ensayo – sobre algunos problemas estéticos y morales que plantea la omnipresencia de imágenes fotografiadas -, pero cuanto más reflexionaba en lo que son las fotografías, se tornaban más complejas y sugestivas. De modo que uno generó otro, y éste (para mi desconcierto) otro más, y así sucesivamente  - una progresión de ensayos sobre el significado y la trayectoria de las fotografías- hasta que llegué lo bastante lejos para que el argumento bosquejado en el primer ensayo, documentado y desarrollado en os siguientes, pudo recapitularse y prolongarse de un modo más teórico; y detenerse.

Los ensayos se publicaron por primera vez (con pocas diferencias) en The New York Review of Books, y quizás nunca los habría escrito sin el aliento que sus directores, mis amigos Robert Silvers y Barbara Epstein, dieron a mi obsesión por la fotografía. A ellos, así como a mi amigo Don Eric Levine, agradezco los pacientes consejos y la pródiga ayuda.
S.S. Mayo de 1977


Susan Sontag, aunque escritora y ensayista, ejerció como directora de películas y de obras de teatro. Con este ensayo sobre esta disciplina de la fotografía, este gran Arte que en más de una ocasión ha estado aquí, en nuestro Encuentros, se hace más que merecedora de ser incluida en la lista de las lecturas para este verano.

En esta “lista” ocupa el último lugar debido a la profundidad de su obra. Un ensayo tan profesional e intenso que a algunos les puede resultar algo denso para esta época estival.

Buen verano lleno de Arte.


 
Lienzo de CARLOS COBIAN


NOTA: He tomado los títulos de mi biblioteca personal y las sinopsis de las casas editoras en su mayoría.
Para las fotografías he recurrido al escaneo de las portadas de mis libros.

lunes, 16 de junio de 2014

CULTURA ATACAMEÑA. UN TESORO EN CHILE



Las fronteras que dibujamos los humanos muchas veces no tienen ningún sentido. Esto se manifiesta cuando encontramos lugares, puntos centrales de encrucijadas de varios países, en donde por mucho que estén marcadas por los correspondientes gobiernos, forzosamente hay que ignorarlas porque lo que predomina allí es una cultura común con todo lo que conlleva, prehistoria, antropología, costumbres, etc. Esta cultura, estos pueblos poco o nada tiene que ver con los mapas elaborados por los Gobiernos.


 CON EL VOLCÁN AL FONDO


Algo así sucede con la cultura Atacameña desarrollada tanto en norte de Chile, en dónde se denomina de esta forma, en el norte de Argentina en que la denominación más usual es la de “Atacamas” y en el sur de Bolivia. Un pueblo cuyas fronteras son meras “líneas” en los mapas oficiales porque esta etnia se extendía, y aún se extiende, por un territorio que partiendo de un punto central en el desierto atacameño, transcendía esas líneas “oficiales”. 


IGLESIA DE SAN PEDRO DE ATACAMA


También llamados apatamas, alpatamas, kunzas o likanantaí en su idioma, precisamente denominado Kunza, traduciríamos la denominación likanantay poco más o menos por “habitantes del territorio”.


No obstante aquí, voy a hacer referencia a la cultura atacameña tomando aquella situada en territorio Chileno, no porque no esté presente en la actualidad en los otros países que aquí menciono, sino por ser el lugar que yo he conocido y en donde pude visitar el Museo Arqueológico de esa cultura en el pueblo de S.Pedro de Atacama. 


 MUSEO LE PAIGE


No son necesarios los mega-edificios, ni un derroche de lujo si las cosas están bien hechas. Son la profesionalidad y el mimo lo que hacen que se estudie en profundidad y con seriedad la historia de una cultura. Y eso es lo que yo encontré en este museo que tuve la suerte de visitar hace años. Un pequeño pero bien aprovechado edificio que es punto de referencia para los que amamos la arqueología y el estudio de las culturas.

En la actualidad, los atacameños de Chile en la actualidad se encuentran en oasis cercanos a San Pedro de Atacama. Su número podría ser de unos tres mil. 


 BELLA VASIJA DE LA CULTURA ATACAMEÑA



Siempre hablando del presente, diremos que su modo de vida es la agricultura y la ganadería así como la artesanía en lana de llama y oveja. Nos llama la atención la economía de subsistencia de este pueblo que en tiempos pre-colombinos gozaron de una gran riqueza basada en el oro, los metales y en su alfarería.


Mirando la historia nos asombramos al observar como supieron adaptarse a un medio inhóspito como la altura y el desierto, uno de los más secos del mundo. Fueron agricultores y ganaderos e hicieron uso de los cultivos en terrazas y el regadío artificial. 


 DUNAS Y FIGURAS SALINAS EN EL DESIERTO



Cultivaron la quinoa, el maíz, la calabaza e incluso árboles frutales. La carne la obtenían de las llamas y alpacas y sobre todo nos admira la destreza con los metales. Elaboraban objetos con cobre, estaño, bronce, plata y oro. La cerámica fue espléndida y se caracterizó por su color negro o rojo bellamente pulida o grabada.


 CERÁMICA ATACAMEÑA PULIDA



Apenas se conoce si tenían religión o cual era su divinidad o forma de espiritualidad pero su identidad se manifiesta en sus rituales muy unidos a la fecundidad de la tierra y al agua, o la petición de ella.



 ENTERRAMIENTO EN VASIJA


Lo poco que se sabe de estos ritos se debe a algunos textos encontrados en su desaparecida lengua kunza. Lo que no hay duda es que creían en la otra vida. Los funerales suponían un rito importantísimo.

Todo lo que aquí os cuento es recopilación de escritos y estudios que he encontrado tanto en la red como en el viaje que realicé hasta el norte de Chile y que está expuesto con absoluta precisión en el Museo Le Paige, ubicado en San Pedro de Atacama.


 BAJO EL VOLCÁN LICANCABUR



San Pedro es más que un pueblo un pequeño oasis en ese sequísimo desierto atacameño. Protegido por el volcán Licancabur un amanecer o un ocaso entre sus fantasmagóricas figuras salinas es algo que no se puede olvidar. Me decían algunos chilenos con los que conversé allí que el lugar te atrapa, que muchos de ellos llegaron de visita y se quedaron. Algo así le debió de suceder a Gustavo Le Paige.


 RETABLO DE LA IGLESIA DE SAN PEDRO


Gustavo Le Paige, jesuita belga, llegó al norte en 1954 y allí se quedó hasta su muerte en 1983. Y su estancia fue muy bien aprovechada ya que se dedicó a estudiar la cultura atacameña, realizó muchos descubrimientos y lo que es más importante, publicó sus estudios. Para ello recorrió cementerios, los talleres de los antiguos atacameños, poblados prehistóricos y poco a poco recogió restos arqueológicos de un gran valor.


El Museo que lleva su nombre es el resultado de todo ese trabajo. Con el apoyo de sus ayudantes inauguró el primer museo que no era otro que la propia casa parroquial. Allí reunió textiles, metales, la preciosa cerámica y un número importante de momias atacameñas que nos hablan de las creencias de ese pueblo, pero también nos dan una idea del clima soportado en esas latitudes ya que su conservación es excelente. De hecho, el valor del museo hasta bien entrado los años dos mil, se basaba en estos restos momificados.



 DETALLE DEL ENTERRAMIENTO



En mayo de 2007 el museo retiró los cuerpos o momias por la petición del pueblo Lickanantay. Estos cuerpos están en bodegas en una zona de especial de conservación.

No obstante, cuando se visita el museo, podemos ver al detalle la forma de enterramiento de esta cultura además de miles de registros arqueológicos y el recorrido por la evolución de la cultura mediante los metales, tejidos y cerámica ya que el recinto cuenta, además de con esa bodega y un laboratorio de investigación, con la sala de exhibición y con una biblioteca muy bien documentada


Es ineludible una visita al museo para conocer la cultura de este pueblo que llegó a ser el pueblo precolombino más desarrollado de Chile. Imprescindible su estudio para saber de las riquezas que esconde este Continente y para comprender que cientos de pequeños pueblos que se desplazaron y se mezclaron a lo largo de los siglos hicieron de estos países un mosaico de culturas ricas y bellas.


Intentar resumir aquí el trabajo del padre Le Paige y sobre todo describir en unas líneas el contenido de la labor desarrollada con el pueblo atacameño es imposible.
Solo decir que la ayuda a lugares como este enriquecen la cultura de los pueblos y son dignos de admiración. Son una forma de ofrecernos cultura y conocimiento de la historia.




Fuentes consultadas:
Visita al Museo Arqueológico del Padre Le Paige
Serie “PATRIMONIO CULTURAL CHILENO”.Culturas aborígenes.
La Red.
Para la fotografía. Archivo propio en visita a Chile

NOTA:
Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, abajo a la derecha en Archivo  “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

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domingo, 25 de mayo de 2014

HENRY MOORE NOS VISITA



Queridos amigos visitantes de nuestros “Encuentros”. Hoy os dejo un pequeño artículo que nos hace partícipes de una gran noticia. Se refiere a la exposición al aire libre en Bilbao de la obra de Henry Moore.

 


Todos conocéis mi rendida pasión por la escultura a la que en este mismo Blog he dedicado muchos artículos. Uno de ellos, con fecha 15.11.2009, precisamente estaba dedicado a Henry Moore. A el os remito si es que queréis ampliar información sobre este gran escultor y sobre todo, os animo a visitar sus esculturas que van a estar presentes, como el artículo abajo insertado indica, en Bilbao. Me resulta doblemente grato poder traer hasta aquí esta noticia ya que cumple con mis deseos de admirar su obra y porque una vez más podemos apreciar lo que supone tener el arte en la calle otro de mis deseos como escribí en su día en este blog ( 23.11.2011) en referencia al Arte Urbano.

 

 

Como siempre, si queréis acceder a los artículos mencionados, a la derecha en Archivo “picar” en los años y meses que se correspondan. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha y para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la elección de otro IDIOMA ir con el cursor al final de la página. 

A fecha de hoy, mayo de 2014, la revista digital "hoyesarte.com" nos deja la siguiente noticia que tendremos muy en cuenta los que amamos el arte y nos encontramos cerca de la capital bilbaína.

 

 

Henry Moore, arte en la calles de Bilbao.Del 20 mayo al 17 de julio 2014

"Bilbao acoge la exposición 'Henry Moore. Arte en la calle', con la que la Obra Social ”la Caixa” quieren aproximar el arte a los ciudadanos, lejos de las paredes de museos y salas de exposiciones. La muestra, situada en el Parque de Doña Casilda Iturrizar, reúne siete esculturas de bronce monumentales realizadas por Henry Moore (Castleford, 1898 - Much Hadham, 1986) en la cúspide de su carrera, entre los años 1960 y 1982.
Organizada por la Henry Moore Foundation en colaboración con el Ayuntamiento de Bilbao, estas obras recogen los motivos más característicos del trabajo del artista: la fascinación por la figura reclinada y los temas sobre ‘madre e hijo’; la exploración de la relación entre la figura humana y el paisaje, tanto urbano como rural; la tensión entre lo natural y lo abstracto, y la transformación de los objetos naturales en formas escultóricas.
Henry Moore es uno de los grandes maestros de la escultura moderna. En las décadas que siguieron a la Segunda Guerra Mundial alcanzó fama mundial por los bronces monumentales expuestos en espacios exteriores, cívicos y públicos de todo el mundo, de Escocia a orillas del Mar Rojo, de la escuela secundaria del pueblo donde nació (Castleford, en Inglaterra) a la sede de Naciones Unidas en Nueva York.

Museo al aire libre

En 2006 vio la luz el programa Arte en la calle, desde entonces se ha acercado al público las creaciones de artistas contemporáneos como Manolo Valdés o Igor Mitoraj, así como referentes de la modernidad como Auguste Rodin.
Las obras interactúan con el entorno, por afinidad o por contraste, y provocan un gran impacto en las personas que las descubren por primera vez. Con este espíritu, las exposiciones cumplen una función social: son una herramienta de conocimiento y de integración al alcance de todos

Henry Moore y España

La única visita de Moore a España fue en el verano de 1934, en ocasión de unas vacaciones en motocicleta con su esposa Irina y sus amigos Raymond y Edna (Gin) Coxon. Entraron en el país desde Francia, llegaron a Pamplona y tomaron la carretera de la costa en dirección a las cuevas de Altamira, que Moore describió como la “Real Academia de la Pintura Rupestre”. Después visitaron Madrid, Toledo y Vic. Aunque Moore nunca más regresó a España, el país y su arte tuvieron un significado muy especial para él durante toda su vida.
Al igual que muchos artistas de su generación, Moore contempló horrorizado los sucesos que ocurrieron en España poco después de su visita. Nunca antes en toda su trayectoria artística había hablado tanto sobre política, y su compromiso con la difícil situación que estaban atravesando los españoles se reforzó tras la visita que realizó al estudio de Pablo Picasso en París en 1937, donde tuvo la oportunidad de contemplar los avances del Guernica. Dos años después, Moore hizo su primera litografía, Prisionero español, con la intención de venderla para ayudar a los prisioneros de guerra republicanos retenidos en los campos de refugiados de Francia.


En 1981 se organizaron importantes exposiciones de la obra de Moore en la Fundación Miró de Barcelona y en el Palacio de Velázquez de Madrid, y en el año 2006, en CaixaForum Barcelona. La reina doña Sofía visitó a Moore en su casa de Perry Green (Inglaterra) en 1983."





sábado, 19 de abril de 2014

HENRI MATISSE, creatividad hasta el final de la vida



  
Posiblemente cuando decimos Matisse, pensamos en el Fauvismo, y decir fauvismo es decir color, escándalo, artistas rompedores y como no podía ser de otra forma, creadores porque si algo consiguieron los fauvistas fue una ruptura total con el impresionismo ,pero sobre todo abrieron una puerta al expresionismo, al cubismo, a la abstracción, en una palabra fueron creadores.



 GUACHE RECORTADO 1947
 

El periodo fauvista de Matisse se prolonga entre 1905 y 1907 y si bien es cierto que este artista es uno de los más representativos del movimiento, hoy le dedico esta pequeña entrada en los Encuentro más que por esa etapa, por su creatividad en el conjunto de su obra artística, creatividad que no tendría fin. Su vida entera fue pura investigación y creación. Hasta el final. 

 
No obstante, imposible adentrarse en la obra de Matisse pasando por encima de su etapa fauvista. Así que antes de continuar mencionaré de esa época un lienzo que yo considero esencial para entender el movimiento. Se trata de “Armonía en Rojo”.


 ARMONÍA EN ROJO



Esta obra la realizó en 1908. Se dice de ella que es la representación “pura” del fauvismo puesto que el color cobra toda la importancia que los fauvistas le daban en la obra. Llama la atención en ésta ese color rojo intenso que aparece en toda la tela. En los objetos, en los muebles, en las paredes de la habitación. Y este rojo se combina fundamentalmente con el azul, un color que tanto utilizó Matisse en su obra. Ambos complementan la paleta, demostrando aquello que todos los fauvistas dominaron a la perfección; la teoría del color. También aparece el negro en una clara oposición al rechazo que habían mostrado los impresionistas hacia este color. Como toda obra fauvista nos encontramos ante la casi ausencia de perspectiva y profundidad, resultando una pintura “plana” que no obstante tiene toda la fuerza de un lienzo con volumen y composición más complicada. 


 Esta fue la etapa que serviría para abrir al mundo del Arte nuevas perspectivas. Supuso una ruptura con las etapas anteriores y como toda ruptura la oportunidad de experimentar y de crear. Se podría decir que el color había triunfado. 


 LA ALEGRIA DE VIVIR 1905-1906


Otra característica del movimiento fauvista era ese amor a la vida, o esa búsqueda de la felicidad o disfrute de ella. Todo ello también está presente en la obra de Matisse, por supuesto en forma de arte. ¿Cómo? con un lienzo que precisamente lleva ese título. “La Alegría de vivir” pintado entre 1905-1906.


 GOUACHE Y PAPEL


Pero volvamos a la etapa que mencionaba. Estos días se va a dedicar una gran exposición en la Tate Gallery de Londres a la obra final de Matisse. Precisamente esta última etapa es la que me ha decidido a dedicarle el artículo.


Si su “revolución” a la hora de romper con estilos pasados enfrentándose a toda una crítica ya fue admirable, a mi me impresiona aún más el final de su trayectoria, precisamente la que la Tate recuerda estos días.



MATISSE EN PAPEL 1947


No obstante, si observamos la obra de Matisse globalmente, podemos intuir que ese final es fruto de toda su carrera, de toda la experiencia acumulada a lo largo de la vida artística. ¿Acaso no se intuye en esa “Danza” lo que más tarde vamos a admirar en “Desnudo azul”, o los maravillosos “recortes” que nos muestra la Tate?


 RECOTABLES en la  TATE
 


“La danza”, un enorme óleo de Matisse va a tener varias versiones. La danza I se pintó en 1909, la Danza II en 1910, siendo  “Danza I” un encargo de un cliente de Matisse, el magnate ruso Serguéi Shchukin.
 

 LA DANZA I


Tanto en “Danza I” como en “Danza II”  las bailarinas se representan con un color plano sobre fondo también plano. Ocupan todo el lienzo que es de enorme tamaño y están dispuestas de forma circular. El color plano, tanto del fondo como e  de las ejecutantes, no resta un ápice de movimiento a esa danza que se muestra rítmica. El artista logra este ritmo a pesar de la falta de perspectiva y de la simplicidad de las líneas. Lo consigue simplemente con el color. El germen de la revolución de los movimientos y del volumen conseguidos por el color ya estaba ahí. 


 
COMPOSICIÓN 1947
 

“Desnudo azul”, también forma parte de una serie. Se pintaron entre 1952 y 1954. Se puede decir que son parte de un paso más hacia la abstracción, un paso en esa experimentación. Aún falta mucho para llegar a la abstracción total. El cuerpo humano aún está presente, pero el volumen y las formas ya se consiguen con el color. En este caso el azul es el volumen. La influencia de pintores como Gauguin que también experimentó con las superficies planas y colores puros, está presente en la obra del artista. 




 EL ESQUIMAL (GUACHE) 1947


Y encontramos otra influencia en la obra de Matisse, la de otras culturas. El arte islámico fue una de ellas. El contacto con éste influyó poderosamente tanto en el color como en los motivos. También los arabescos andaluces dejan su impronta en la obra del artista. Su viaje a Marruecos en 1911 le terminaría por abrir un mundo de color y exotismo. Nadie podría negarlo después de admirar su Odalisca con pantalón rojo realizada en 1922 y también sus obras posteriores con sus colores y su formas sinuosas aun habiéndose adentrado ya en el mundo de la abstracción.



 ODALISCA CON PANTALON ROJO 1922


Y Matisse logró algo más, creó o descubrió la forma de ensamblar formas recortadas. Formas recortadas de guache, creando una técnica diferente a la de trabajar directamente sobre el lienzo. El lo llamó “dibujo con papel” El efecto de estos recortes es como de un relieve en dos dimensiones y es el fin de esa búsqueda de la perfecta simbiosis entre color y forma.


GOUACHE EN PAPEL 1953


Llegado a este punto podemos entender ya la última etapa de Matisse, esa en la que la herramienta es la tijera y la creación resultante es ya la abstracción.

Podemos entender la obra de un artista que supo sustituir el pincel o el lápiz por la tijera, que supo pintar y dibujar con otra herramienta consiguiendo de esa forma, no solo no paralizar su proceso creativo, sino lograr con un nuevo instrumento, llegar a lo más alto de la creatividad artística sin perder su propia factura.


 SERIGRAFÍA SOBRE PAPEL ESPESO


En una palabra nos demostró la genialidad de ser creativo, esa que solo poseen aquellos seres tocados por un don especial. Henry Matisse fue el precursor del “collage” o nos atreveríamos a decir que su inventor. Lo que no hay duda es que esos “collages” fueron un derroche de calidad y creatividad y ahora la Tate Gallery de Londres les rinde tributo. 


MATISSE Y SUS RECORTES.


Henry Matisse había nacido un 31 de diciembre de 1869. Se encontró con su vocación de artista estando convaleciente de una enfermedad. Su madre le llevó unos pinceles y él en ese momento decidió que su vida estaría dedicada a las artes plásticas. Murió en 1954.


 
FUENTES CONSULTADAS:
Los Pintores más influyentes. David Gariff (Edit. Electa)
Maestros de la Pintura. Patricia Fride R.Carrascal (Edit.Larousse)
Historia Visual del Arte. Claude Frontisi.(Edit.Larousse)
PARA LA FOTOGRAFÍA:
Las mismas y la red.

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