HENRI ROUSSEAU, apodado “El Aduanero”. Representante del Arte Naïf.

Al hablar de Arte Naïf, o de pintores Naïf, se hace alusión al grupo de artistas aficionados, o que se dedicaban a la pintura al margen de su actividad profesional, que en su mayoría fueron autodidactas y que no tuvieron formación académica. 

Naïf, deriva de la palabra francesa que significa ingenuo y se aplicó a esta pintura por ser ingenua y espontánea, con colores contrastados, contornos muy marcados, muy precisa y detallada pero carente de perspectiva y muy intuitiva y en ocasiones con dibujos no demasiado correctos que recuerdan a las creaciones infantiles que no respetan, en su mayoría, las reglas académicas.

 GOGO

Leyendo esto, podríamos decir que Rousseau es un auténtico representante de este, llamémosle, “movimiento” que podemos situar en dos momentos; uno a finales del XIX y otro, diferente del anterior, a principios del XX. Y utilizo el entrecomillado al llamarlo “movimiento” porque en realidad el arte naïf está fuera de estilos, movimientos y escuelas, precisamente por ser los autores autodidactas y no profesionales en su mayoría.

 

PECHEURS

No obstante todos ellos tenían mucho en común. Además de la factura propia del Arte Naïf anteriormente descrita, hay que señalar que estaban muy ligados a las tradiciones populares y a la vez estaban bien arraigados al mundo en que se movían y en donde dejaron su impronta en catálogos, publicidad, calendarios etc. 

 

PONT DE SEVRES

Podríamos decir que sus inicios se encuentran en el mundo rural y en los artesanos que allí trabajaban. Hubo un primer y tímido indicio de este Arte que desaparecería con la Revolución Industrial y que fue hasta despreciado considerándolo infantil y de poca calidad, para posteriormente verse revalorizado durante el romanticismo. 

La exposición Universal de París de 1937 daría a conocer a estos artistas y se les reconocería su importancia en el posterior arte moderno. 

Son muchos los naïf en Europa y también en América siendo cada país cuna de diferentes escuelas y sobre todo siendo la mayoría de ellos expresión de las tradiciones de las diferentes culturas. Por ejemplo en América Latina el arte naïf está estrechamente ligado a las tradiciones ancestrales. Otro lugar en donde se encuentra muy arraigado el Arte Naïf  con una personalidad propia muy característica es en Haití.

 

CARNAVAL

Pero detengámonos ahora en Rousseau, el Aduanero, el más conocido representante de los Naïf cuyo museo se encuentra en la ciudad de Laval, ciudad que le vio nacer en 1844.

Cumple a la perfección las características de la mayoría de los pintores naïf. De origen humilde no recibió formación alguna. Trabajaba en la oficina de Aduanas de París. De ahí su apodo. Su auténtica vocación y pasión fue la pintura a la que no pudo dedicarse hasta su jubilación.

Su pintura es figurativa y bastante peculiar. Principalmente constituida por retratos y paisajes con las características propias del Arte Naïf, contornos marcados, colores vivos e ingenuidad y también mucha fantasía. Resultado esa fantasía son sus grandes pinturas de selvas pobladas de animales y plantas que nos transportan a mundos tropicales que jamás había visitado.

 EL ENCANTADOR DE SERPIENTES

Al parecer se inspiraba en el Museo de Arte Natural y para la fauna en diferentes álbumes que representaban los animales salvajes. 

Rousseau, figura bien representativa de este Arte iba a dejar su huella e influencia en posteriores generaciones. Una pintora que se sintió muy influenciada por este pintor y por su estilo entre onírico y surrealista fue Frida Kahlo (este blog, 1-4-2010)

EL SUEÑO

Rousseau es un pintor que merece la pena estudiar no solo porque cumple todo los requisitos de la pintura Naïf, en cuanto a técnica se refiere, sino porque era un pintor que se detenía largo tiempo para elaborar cada una sus obras, lo que hace que estas no sean abundantes. Por otro lado los personajes de sus cuadros son dignos de un detallado y profundo estudio por todo lo que conllevan: ingenuidad, surrealismo, simbología, representaciones oníricas y curiosamente también realismo. Todo ello realizado con una técnica naïf característica, nos deja obras únicas. 

CABRIOLE

Todas las pinturas de Rousseau son merecedoras de estar en esta Entrada pero como sabéis el espacio y sobre todo el no hacer extremadamente largo y tedioso el artículo obliga a una selección. Dentro de esta amplia selección os dejo junto a algunas obras un breve comentario y el deseo de que hayáis disfrutado de uno de los más interesantes pintores Naïf, cuya obra podemos decir que es atemporal. 

 

GITANA DORMIDA 1897

Se trata de un óleo sobre lienzo que se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Es una imagen moderna sumamente sencilla en su composición. La figura principal, la de la gitana es sin duda el centro de la pintura en dónde un león que la está observando, aparece en una penumbra que proviene de la luz de la luna.

Rousseau ha conseguido en este lienzo una representación onírica y surrealista y a la vez de mucho realismo.

Como curiosidad diremos que este lienzo fue ofrecido a la ciudad de Laval, la ciudad natal de Rousseau, por el artista por una cifra módica y la ciudad lo rechazó al considerarlo inmaduro y sin embargo esta obra fue una de los más alabadas por pintores como Picasso, Delaunay, Kandinsky y algunos otros que se encontraban en ese momento dirigiéndose hacia una pintura moderna.

Y es que tenemos que llamar la atención precisamente sobre esa modernidad de la pintura de este gran artista.

TIGRE EN TORMENTA TROPICAL 1891

Aquí nos encontramos otro cuadro muy celebrado de El Aduanero. Con un estilo entre primitivo e ingenuo, ese estilo que en su día fue motivo de críticas por ser considerado infantil y que fue precisamente el que le llevaría a ser conocido como el mayor representante del Arte Naïf.

Este óleo sobre lienzo se encuentra en la National Gallery de Londres y es el primero de lo que sería una serie de escenas de jungla. Fue presentado en el Salón de los Independiente de 1891. Y también tiene su anécdota. El artista aseguraba haber conocido la jungla cuando en realidad no había salido de Francia y se inspiraba en los jardines botánicos de París, como arriba indico.

En este óleo Rousseau comenzó la pintura por el fondo superponiendo capas y utilizando diferentes tonalidades de verde para lograr la exuberancia de la jungla hasta llegar al primer plano en el que aparecen las figuras de los animales.

Solía acabar las superficies con un satinado o barnizado que daba brillo al lienzo pero en esta  obra utilizó una técnica innovadora para conseguir el efecto lluvia y que consistió en hileras de pintura plateada trazadas en diagonal que además daban dimensión a la obra. Fue otra de las obras muy alabada por Matisse, Toulousse y los artistas vanguardistas del momento.

 

 AUTORRETRATO 1890

Aquí Rousseau se presenta a sí mismo en una figura cuyas proporciones no son adecuadas. Rompe totalmente las proporciones dando así a la figura central toda la importancia. Nos obliga a dirigir nuestra mirada a ese Rousseau ataviado con elegante traje y de cuidada barba. El resto pasa a un segundo plano aunque lleno de simbolismo. Es algo así como un decorado colorista en el que no faltan el puerto, el barco y las muchas banderas náuticas de diferentes países.

El personaje central, en este caso el propio pintor, aparece en primer plano con un fondo de paisaje que el amaba o era de su preferencia Comenzaba la pintura precisamente con una vista del paisaje para finalizar con la figura centrada y rígida con la mirada al frente. El paisaje en general solía carecer de perspectiva.

 

Este autorretrato podríamos incluirlo entre aquellos que el denominaba retratos- paisajes pues cumple perfectamente con la composición, estilo y detalles que encontramos en ellos.

 POLICHINELA

Para finalizar os diré que el Museo Guggenheim de Bilbao dedicó una exposición monográfica a este gran pintor entre el 25 de mayo y el 12 de Septiembre de 2010 en unión con la Fondation Beyeler de Basilea, exposición que consiguió reunir treinta obras del artista. 

LOS JUGADORES DE FOOTBALL

En ella se pudo admirar conocidas obras de Rousseau como “Los jugadores de football”, “Los alegres comediantes”, “ Los artilleros” o “León hambriento atacando a un antílope” entre otros de sus curiosos y enigmáticos cuadros. 

 LEON HAMBRIENTO

FUENTES UTILIZADAS:
Los pintores más influyentes y los artista a los que inspiraron.David Gariff. (Edit. Electa.)
Pinturas que hay que ver. Stphen Farthing. J.F. Yvars. (Edit. Grijalbo)
Consulta a catálogo del Museo Guggenheim de Bilbao
La red en diferentes web-s
PARA LA FOTOGRAFÍA: Las mismas

NOTA:

Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, abajo a la derecha en Archivo “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Para la elección de otro IDIOMA ir con el cursor al final de la página.

GEORGES ROUSSE, creando en el espacio.

Cuando tomé en mis manos el pequeño cartel anunciador de la exposición (abajo primera fotografía) pregunté si se trataban de instalaciones. Despertaba mi curiosidad leer que el artista era fotógrafo, así que no me costó mucho dirigirme a la exposición para salir de dudas sobre aquello que se ofrecía. Además el “contenedor”, eso tan importante a la hora de exponer, era otra vez el muy interesante espacio de la “Base Submarina” de Bordeaux (este blog 3.12.13).

Me habían explicado que el artista, ante la imposibilidad de exponer todas las instalaciones en un mismo recinto, exponía algunas de ellas y el resto eran fotografías del proceso de las instalaciones que el creaba.

 FOTOGRAFÍA de INSTALACIÓN  en LYON

Aún habiendo sido puesta en antecedentes de lo que se trataba,  aquello que encontré superaba en mucho lo que había imaginado.

Según comenzaba el recorrido entre las fotografías, lo primero que me venía a la cabeza era que estaba admirando unas fantásticas fotografías realizadas a base de montajes fotográficos. Gran error en el que era fácil caer puesto que estamos en la era de la tecnología fotográfica, en la era de los programas cada vez más sofisticados que nos han llevado a comprobar que todo es posible en fotografía.

 INSTALACIÓN posteriormente fotografiada.

Esto era mucho más porque no había ningún montaje, en lo que a técnica digital se refiere. La prueba nos la daban aquellas instalaciones que ya terminadas podíamos admirar, rodear e incluso introducirnos en ellas.

Esas instalaciones probaban que de la misma manera se habían creado y eran reales todas las que veíamos en las fotografías que servían de testigo. 

 

 

INSTALACIÓN en Chile

Se podría decir que la creatividad de este artista había logrado un doble resultado. Una instalación que nos llenaba el espacio y una fotografía que ningún programa digital podía superar porque era testimonio de aquel trabajo maravilloso.

Es difícil plasmar en letras lo que pudimos admirar. Como arriba menciono el espacio también es idóneo porque la Base Submarina ofrece al artista un lugar en dónde la creatividad, además de manifestarse puede hasta volar. Pocas veces contenedor y contenido compaginan con tanto éxito.

 BORDEAUX 2014

El trabajo de este artista demuestra su dominio del espacio y del dibujo. Ese “montaje” que se supone al ver la fotografía, es efectivamente un montaje,  o si se prefiere una instalación, que resulta del uso del espacio en dónde el realiza su instalación y los dibujos y pinturas que el prepara para ello.

Enormes representaciones dibujadas o pintadas “cuelgan” o se sitúan allá donde el artista considera preciso.

 

ROUSSE en Avignon. Gran formato pintura y dibujo.

Juega con el espacio y el dibujo haciendo que partes de esas desnudas paredes queden tal cual y el resto cubiertas con sus creaciones. Una vez realizada la composición, la fotografía va a guardar fiel archivo de lo que hemos visto. Pero hay más.

La fotografía resultante es perfecta en cuanto a encuadre y luminosidad y nos preguntamos cómo se ha conseguido.

Pues bien, las instalaciones presentes nos dan opción a comprobarlo porque podemos acceder a todas ellas en un proceso totalmente pedagógico.

 CONTRASTE  DEL ESPACIO TRABAJADO

En ese recorrido, al que anteriormente me refería, podemos situarnos desde diferentes ángulos que nos darán distintas perspectivas de la instalación, pero solo una es la perfecta si queremos conseguir aquella que más tarde nos mostrará la fotografía. Para visualizar las instalaciones tal como aparecen en las fotografías todas las tienen un “punto” señalado en el suelo para que el visitante se sitúe en el lugar exacto. Desde ese punto no se hace otra cosa que recrearse en lo que la fotografía va a plasmar. Observaremos exactamente la instalación como el fotógrafo la va a captar en cuanto a perspectivas, luces, etc. 

 CREANDO en el  ESPACIO

Ahora cuando me preguntan quién es Georges Rousse o qué disciplina artística realiza, yo respondo que es un creador de la imagen.

Un artista con la capacidad de crear en el Espacio valiéndose de instrumentos como la fotografía, el dibujo y la pintura.

Georges Rousse, de quién os dejo su Web, http://www.georgesrousse.com/ nació en París en 1947.

A los 9 años recibió una cámara de fotos como regalo y se podría decir que esa cámara pasó a formar parte de su cuerpo y de su vida si nos atenemos a los resultados de su trabajo.

 EN CHILE

Desde 1981, fecha de su primera exposición, las creaciones de este artista han sido numerosas; Bienales de París, de Australia y de Venecia y el reconocimiento de su trabajo plasmado en infinidad de premios recogidos en N.York, en India, en Bélgica... .y por supuesto su obra está presente en numerosas galerías europeas.

Os invito a entrar en su Web que de forma más fidedigna que yo, os va a mostrar la obra de este interesantísimo artista.

  FOTOGRAFIA DEL AUTOR

Georges Rousse sigue viviendo y creando en París, la ciudad que le vio nacer.

La exposición de la que me he valido para este artículo estará presente hasta el 14 de Diciembre de 2014 en el Espacio de la Base Submarina de Bordeaux

FUENTES UTILIZADAS:

Me he servido para este artículo de documentación recogida en la Red y de mis impresiones en la exposición de La Base Submarina de Bordeaux.

Para la fotografía las mismas

 

NOTA:

Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

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MARGARET KEANE, por su ojos la conoceréis.

Varias son las razones que me llevan a escribir esta Entrada para estos Encuentros con el Arte.

La primera de ellas se debe a un artículo aparecid0 estos días en prensa en el que se habla del proyecto del cineasta Tim Burton que podremos ver materializado en pantalla en diciembre de este año y para el cual se ha basado en la historia de la artista Margaret Keane. Fue esta noticia la que me hizo indagar sobre la pintora y su vida.

La segunda razón y la principal, es que en fechas pasadas tuve este Blog durante meses dedicado a mujeres artistas en diferentes disciplinas y entre ellas no dejé espacio para Keane.

LA ARTISTA EN EL ESTUDIO

Escribí en diferentes ocasiones sobre mujeres artistas, pero fue principalmente en el año 2010 cuando realicé varias Entradas seguidas, algunas de las cuales os menciono aquí. Por ejemplo encontramos el 21.11.201 a Paula Moderson, una adelantada del expresionismo, el 14.11.2010 a Gabriele Münter una artista entre hombres, el 6.6.de 2010 a toda una leyenda como Louise Bourgeois, o el 13.05.2010 a Todas las Artistas olvidadas de La Bauhaus, y entre Marzo y Abril de ese mismo año 2010 me detuve con las mujeres del surrealismo, movimiento que tanto debe a mujeres poco reconocidas o reconocidas en círculos muy determinados y que si hubieran sido hombres hubieran tenido otra trayectoria en el mundo artístico.

 NIÑA CON GATOS

  

No solo entre las surrealistas hubo mujeres que quedaron a la “sombra” de sus maridos o compañeros, es decir que siendo creadoras de la obra, el nombre que figuraba en ella era el del hombre que a su lado se beneficiaba de la creatividad de su esposa o compañera. Un ejemplo bien conocido fue el de Sonia Delaunay, la reina del Art Deco que nos visitó el 8.05.2010

GRABADO 1962

Así que me he dicho que por derecho propio Margaret Keane debería de estar aquí, en este Blog porque además de artista creativa, durante años esos ojos que nos hablan desde sus cuadros, estuvieron beneficiando a la persona que no le correspondía. El prestigio lo recibía alguien que ni siquiera sabía pintar, mientras ella vivía prácticamente prisionera entre pinceles.

 

Poco apreciada por algunos críticos de arte, incluso despreciada por algunos, es necesario detenerse en la obra de esta artista para ir más allá de lo que vemos. Esos ojos enormes que se asoman al dibujo o al lienzo.

 

Si analizamos la obra de Keane, yo diría que sus cuadros han recorrido el camino de la mano de su autora. El camino de la vida de la artista.

 

De unas representaciones que se acercan mucho al trabajo de ilustración vemos que, en función de las vivencias a la que se vio expuesta, sus dibujos y pinturas se van enriqueciendo y son cada vez más y más expresivos. Los ojos, esos ojos que son la firma de la pintora, se tornan cada vez más tristes, y se salen del marco demandando ayuda.

  

El dolor y la tristeza se plasman de forma excesiva pero sin perder ese toque infantil que hacen que la pintura de Keane, mezcla de ilustración, realismo un tanto naif y se podría decir que expresionismo, tenga una factura inconfundible.

Cuando estamos delante de uno de esos dibujos o lienzos de la artista, que en su mayor parte representan niños y jóvenes, son esos ojos los que nos hacen pensar en la vida que tuvo que llevar esta mujer para llegar a plasmar esas miradas profundas que nos hablan de una vida nada apacible.

Y efectivamente así fue, porque su vida ha estado llena de traiciones, juicios, y altibajos.

Margaret Keane nació en Tennesse, en 1927 y se introdujo en la pintura en los años 50. Sus cuadros ya tenían la factura que le iba a acompañar durante su vida profesional. Los ojos que iban más allá del realismo. Esos profundos lagos que atraían con fuerza y que no dejaban a nadie indiferente.

Fue en 1955 cuando se casa con Walter Keane. En este matrimonio se encuentra la clave de la vida de esta mujer, sus dichas y desgracias. Apenas recién casada toda su otra se expone en Nueva York. Las miradas de sus niños dejan cautivados a todos los que contemplan sus cuadros, unos cuadros que estaban sin firmar. Al parecer, la gran timidez de Keane tenía mucho que ver en esa falta de firma. Error fatal para una mujer que tenía por marido a un hombre cuya “vista” para los negocios casi era del tamaño de los ojos que pintaba su mujer.

Pensó que esos cuadros cautivadores no se comprarían si se sabía que los había pintado una mujer y no tuvo mejor idea que la de firmar él como autor. El que no había pintado ni dibujado en su vida.

Pero eso no le frenó. Se transformo en el “autor” de los cuadros y Margaret se dedicó a producir y producir, recluida en su casa y cada vez más aislada. El marketing, publicidad y sobre todo la recogida de premios, halagos y elogios correspondían al “hombre de la familia”.

RETRATO de FAMILIA de JERRY LEWIS

El vuelco a la fama fue enorme. Muchos artistas querían una obra de Keane e incluso mencionaban sus cuadros en sus propias obras como sucedió con Woody Allen que incluye en su filme “El dormilón” una referencia a un cuadro de Keane.

El mismo Burton que ahora llevará la vida de esta artista a la pantalla, deseaba una de sus obras.

Y aunque los críticos de arte no apoyasen, en su mayoría, ese estilo de pintura, la moda pudo con todo. EEUU estaba invadida de obras de Keane; postales, reproducciones, artículos de todo tipo miraban con unos ojos penetrantes.

 RETRATO de JOAN CRAWFORD

Y lo más importante, el valor de las obras aumentaba sin parar. Walter Keane se estaba convirtiendo en millonario rápidamente mientras que Margaret vivía cada vez más recluida y así continuó durante 15 largos años. Cuánto más tristeza había en su vida, más grandes eran los ojos que ella pintaba. Si los ojos son el espejo del alma, el alma de Margaret lloraba y lloraba  a través de sus niños. En su obra podemos ver el paso por la vida, eso que os mencionaba al principio. Observamos que esos ojos enormes pero sin excesiva expresión, se van convirtiendo en unos ojos tristes, en unos ojos llenos de lágrimas. Los ojos de sus pinturas eran el alma de Margaret.

 

En 1965 pide el divorcio, pero no sería hasta cinco años más tarde cuando se decidió a hacer público el fraude de las obras. Confesaría públicamente que había dejado que su marido se hiciera con el nombre, la fama y la propiedad de su obra.

Pero para llegar a esa decisión habían tenido que pasar años y aún así tuvo que escuchar de boca de su ya exmarido una declaración que hizo que no permitiera ni una mentira más. En una entrevista a la revista Life, Walter confesó que nadie había pintado los ojos como él, ni los mejores pintores. Margaret, indignada, le retó a pintar públicamente, reto que Walter nunca aceptó. 

 

No terminó ahí la reivindicación de su obra. Margaret demandó a Walter y también al diario USA Today que daba como único autor de la obra al inexistente pintor.

En el juicio el abogado de Margaret colocó dos caballetes para que los Keane pintaran su obra, esos ojos característicos. Margaret fue la única que realizó rápidamente una pintura sobre el lienzo, algo que evidentemente Walter ni intento, viéndose condenado a pagar cuatro millones de dólares.

 

Desde ese momento y con su nombre recuperado los cuadros comenzaron a estar firmados por su auténtica autora y lo más importante, los ojos de los niños siguieron siendo enormes, pero dejaron de estar tristes.

Margaret Keane sigue pintando a la edad de 90 años. Sus cuadros aunque siguen teniendo una intensa mirada son más alegres y coloristas.

No es de extrañar que Tim Burton se detuviese en esos ojos para proyectar su vida en la pantalla. Una mirada y una vida que piden a gritos ser divulgadas.

FOTOGRAFÍA DE LA ARTISTA

Margaret Keane tiene una web a la que podéis acceder en esta dirección:

http://www.margaretkeane.com/

En prensa se anuncia que en España el estreno de la película de Tim Burton será el 25 de diciembre de 2014  y tenemos que añadir que esta película están incluídas dos canciones de Lana Del Rey: I can Fly y  Big Eyes, esta última nominada a los Globos de Oro.

NOTA:

Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, abajo a la derecha en Archivo  “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Para la elección de otro IDIOMA ir con el cursor al final de la página.

 

Fuentes consultadas:

En la red: Wikipedia. Artículos de El País Semana y El Confidencial.

Para la fotografía: las mismas.

EL ARTE ESTÁ DE FIESTA

Sí amigos, el Arte y los que amamos el Arte, estamos de fiesta y no es para menos. En estos tiempos en los que desprenderse de algo, sea lo que sea, en estos tiempos en que donar o ceder cualquier artículo de valor, e incluso si me apuráis carente de valor, está visto como algo excéntrico, el mundo del arte y más concretamente el de los Museos, se encuentra con la  donación de la galerista Soledad Lorenzo.

Prácticamente toda la prensa del país ha recogido la noticia estos días. Lorenzo donará su legado al Centro de Arte Reina Sofía.

MUSEO REINA SOFíA

Soledad Lorenzo dona un legado de más de 400 obras, la mayoría de artistas de los años 80 que son precisamente los menos representados en el citado Centro.

Poco puedo escribir en esta Entrada como amante del arte que soy. Siempre he sido de la opinión de que el Arte tiene que ser patrimonio de todos, que debe de ser un bien común del que todos podamos disfrutar porque forma parte, o debería de formar parte importante, de nuestra vida, de nuestra sociedad, de nuestra educación y de nuestra cultura.

En los numerosos artículos que se han publicado se han podido leer todo tipo de opiniones. Desde el más sincero agradecimiento por esta donación hasta las críticas por la falta de previsión y selección a la hora de la recepción de las obras, pasando por  opiniones dejadas en la red mucho más personales y menos agradables y respetuosas.

Yo personalmente paso de largo ante las críticas y me descubro ante la generosidad de la poseedora de obras de arte que pudiendo guardarlas para su propio y único beneficio las dona para el disfrute de todos. No voy a escribir más sobre el tema. Os dejo alguno de los artículos publicados y vosotros opináis.

Por mi parte procuraré disfrutar y aprender más sobre ARTE, gracias a Soledad Lorenzo.

 SOLEDAD LORENZO

 

PUBLICO

La galerista Soledad Lorenzo dona toda su colección al Reina Sofía.

El museo se enriquecerá con 385 obras gracias a un depósito de cinco años con la promesa de convertirse en legado. Hace dos años cerró su galería.

Un total de 385 obras de 90 artistas, la mayoría de ellos españoles, procedentes de la colección de la galerista Soledad Lorenzo van a pasar a formar parte de los fondos del Museo Reina Sofía. Esta institución recibirá próximamente en depósito el conjunto de obras, en las que predomina la pintura, aunque también hay escultura, fotografía, obra gráfica, instalaciones y audiovisuales.

Las piezas llegarán al museo en depósito por cinco años prorrogables y con promesa de legado por parte de la galerista. "La depositante realizará las gestiones necesarias para disponer, por vía testamentaria, el futuro legado de las obras objeto del contrato a favor del Museo Reina", señala la institución en un comunicado.

En la actualidad, destaca el comunicado, no existe en España precedente alguno de un depósito con promesa de legado con estas características, tanto en lo que se refiere al número de obras, como por la calidad de las mismas y la importancia de los autores.

Durante más de un año, la galerista y los representantes del museo han negociado la donación, cuyo conjunto refleja "el papel protagonista desempeñado por una galería de arte en nuestro país a partir de los años ochenta del pasado siglo, unos años en los que el arte español estaba pendiente de hacer pública una renovación", según el museo.

 ESTERA de ANTONI TÁPIES

 

Grandes artistas contemporáneos

Entre los artistas más representados en este importante depósito figuran Juan Uslé (31 obras); Pablo Palazuelo (23); George Condo, (22); Adrià Julia, (19); Sergio Prego, (17); Txomin Badiola, (15); Pérez Villalta, (14); José Manuel Broto, (14); José María Sicilia, (14); Miquel Barceló, (11); Pello Irazu, (11); o Victoria Civera (8).

A ellos se unen artistas de la talla de Antoni Tàpies, de quien una obra fundamental pasa también a engrosar los fondos del Museo, Gordillo, José Guerrero o Soledad Sevilla. La nómina de autores corresponde a diferentes generaciones. Desde Palazuelo y Tàpies, a otros mucho más jóvenes, como Jerónimo Elespe, Philipp Fröhlicho o Adriana Varejâo.

En este sentido, la práctica artística del siglo XXI, hasta la fecha escasamente representada en la colección del Museo, ocupa un lugar muy importante en el depósito.

El comunicado destaca también la entrada de artistas con poca obra en el museo hasta el momento, como Civera, Uslé, Eric Fischl, David Salle o Philip Fröhlich. De otros se va a completar de manera importante su representación, como es el caso de Pello Irazu, Txomin Badiola o Gordillo.

En 2011 Soledad Lorenzo (Santander 1937) anunció el cese de la actividad de su galería, que cerró definitivamente sus puertas el 30 de diciembre de 2012. A lo largo de los más de 26 años que ha dirigido la sala madrileña y mientras desarrollaba su actividad, fue manteniendo en su poder obras de las que no se desprendía, bien por el carácter sentimental que para ella tenían algunas piezas, o porque no las vendió en su momento.

La colección "va a aportar un foco muy importante a una época, la de los ochenta, que le irá muy bien"Aunque no se considera coleccionista, ha reunido una destacable colección, que supera las seiscientas obras, con presencia de cien artistas, muchos de los cuáles han estado representados en su galería mientras que otras obras proceden de adquisiciones en otras galerías y ferias. La decisión "ha sido muy pensada y la he tomado en soledad, ya que no tengo que dar explicaciones a terceros. Estoy muy contenta de haberlo hecho y de ver la gran satisfacción con la que ha sido acogida", comentó a Efe Soledad Lorenzo.

El Reina Sofía "es el museo de todos los españoles, es un museo nacional. Además, yo siempre, a lo largo de mi trayectoria, he apoyado mucho al Reina Sofía, es fantástico poder tener un museo tan importante como este". Soledad Lorenzo lamentó que en ocasiones no se valore que se trata de un museo tan significativo, "de la magnitud del Pompidou o del de Londres" y consideró que su colección contribuirá "a dar mayor información a la sociedad". Además, señaló, el Reina Sofía "siempre ha estado bastante limitado en lo que respecta al arte contemporáneo", por lo que su colección "va a aportar un foco muy importante a una época, la de los ochenta, que le irá muy bien. Por eso lo he hecho". 

 CENTRO REINA SOFÍA. Ascensores exteriores

DIARIO DE LEON

Soledad Lorenzo dona su historia en 400 obras al Museo Reina Sofía.

El legado de la galerista incluye piezas de Palazuelo, Uslé, Tàpies, Barcelo y Sicilia.

 La colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MCARS) recibirá casi 400 piezas de la colección de la galerista Soledad Lorenzo. El museo confirmó ayer el depósito de 385 obras de 90 artistas, en su mayoría españoles, entre las que hay pinturas, esculturas, vídeos, fotografías e instalaciones de la colección de Lorenzo, una de las grandes damas del arte contemporáneo y el galerismo en España.

Serán cedidas al museo que dirige Manuel Borja-Villell sin contrapartida crematística o fiscal para la galerista.

Sin ventajas fiscales

La fórmula para la cesión del valioso legado es la del depósito convertible en una donación en un futuro cercano. El museo no desembolsa nada por las obras pero no será propietario pleno de legado hasta que no pasen cinco años. La donación tampoco supone ventajas fiscales o desgravación para la galerista, cuyo gesto denota «enorme compromiso, generosidad y consideración» según la institución pública.

El depósito «tendrá una duración de cinco años prorrogables y se realiza con promesa de legado por parte de la galerista» precisa el museo.

«La depositante -agrega- realizará las gestiones necesarias para disponer, por vía testamentaria, el futuro legado de las obras objeto del contrato a favor del Museo Reina Sofía». «No existe en España precedente alguno de un depósito con promesa de legado con estas características, tanto en lo que se refiere al número de obras, como por la calidad de las mismas y la importancia de los autores» precisa el museo…..

.…..El acuerdo, aprobado por el Patronato y que debía Rubricarse a finales de septiembre, se alcanzó «tras más de un año de trabajo y negociaciones».

Se debe a la intención de los gestores del museo de atraer «importantes colecciones que contribuyan a llenar huecos en el relato del Reina».

Se destaca así la importancia de la incorporación de obras de creadores como Uslé, Civera, Eric Fischl, David Salle, o Philip Fröhlich «de los que apenas hay representación en las colección permanente del Reina».

El museo recuerda cómo realiza periódicamente compras «con dinero público, para conseguir obra de artistas y movimientos que son necesarios para rellenar algunas lagunas imprescindibles y completar el discurso de la colección». «Se utiliza la figura del depósito y la donación, a través de las que se involucra a coleccionistas de diversas partes del mundo, con el objeto de obtener esas obras que, o bien ya no están disponibles en el mercado o no son asequibles para el Museo» recuerdan sus responsables.

 Obra de PABLO PALAZUELO

EL CONFIDENCIAL

La galerista Soledad Lorenzo, tal y como ha podido saber este periódico, donará su legado al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, compuesto de más de 400 piezas, entre pintura, escultura, vídeo, fotografía, instalaciones, etc. Durante los primeros cuatro años el conjunto se entrega como depósito y, a partir de entonces, la institución pública será la dueña de las obras de arte. Soledad Lorenzo (Santander, 1937) es quien mejor ha representado y protegido a los artistas de los años ochenta de este país, una parte poco representada en los fondos del museo.

Desde la institución aseguran a este periódico que presentarán la cesión en las próximas semanas. La propia galerista confirma a El Confidencial que es una colección que deseaba que tuviera el Reina Sofía. Lorenzo se muestra prudente con el acuerdo, al que sólo le falta la burocracia estatal: “Tanto el director como el patronato han aprobado la donación, pero todavía no está firmado. Estamos a unos días de cerrarlo”. De hecho, el propio Manuel Borja-Villel anunciaba en la última rueda de prensa que ultimaba una importante incorporación a los fondos.

Tanto la dirección como el Patronato ha dado el visto bueno a la histórica operación y sólo falta la firma, que se producirá en los próximos días

“Me parece que lo entrego al lugar donde va a ser más útil para la sociedad y estoy contentísima de que Manolo [Borja-Villel] esté tan contento”, explica la protagonista. El museo tiene su fuerte en las Vanguardias históricas y su deuda en la parte final del siglo XX. La dirección cubrirá, con la llegada de esta cantidad de obra, todo lo que los presupuestos no han permitido adquirir. Nunca hubo política de adquisiciones de nuevos valores y para cuando se interesó por ellos, los precios ya eran inalcanzables. La donante hará traspaso de una nutrida representación de todos los artistas que han pasado por su vida laboral.

“Al entregar 400 obras añado treinta años de mi vida profesional”, cuenta la responsable de la formación de tantas y tantas colecciones de clientes que acudieron en busca de sus consejos y buen ojo. La generosidad de la mecenas se corresponderá con su incorporación al ADN del museo, aunque pasará tiempo hasta que se pueda ver públicamente.

Una colección 'casual'

No se reconoce como coleccionista, porque dice que lo que ha hecho son colecciones a la gente. A lo largo de una trayectoria ejemplar de casi tres décadas ha acumulado piezas que no se vendían o que le cedían, “sin pensar para nada en una colección”. No tenía noción de su colección casual hasta que Salvador Carretero, del Museo de Arte moderno y Contemporáneo de Santander (MAS), le invitó a mostrarla. “Caray qué buena colección me ha quedado cuando la vi expuesta”, dice.

Allí aparecieron cincuenta obras únicas, la mejor representación de las que la gran dama del arte contemporáneo entregará al Reina Sofía. ….

 Se trata de una de las donaciones más importantes que ha recibido el Reina Sofía en las últimas dos décadas. Hablamos de un hito histórico que supone la incorporación de una mujer a la historia del mecenazgo español, junto a Cambó, Fernández Durán, el XIV duque de Lerma o Várez Fisa.

El Reina Sofía ha vivido de notables cesiones como la del legado Dalí, en 1992, o las aportaciones de los herederos de Julio González y de la viuda de Joan Miró, así como la colección cubista del historiador Douglas Cooper (ambas trasladadas desde el Museo del Prado).

En el libro Soledad Lorenzo. Una vida con el arte (Exit Publicaciones), del periodista Antonio Lucas y el crítico Mariano Navarro, se reconoce la importancia de las mujeres galeristas de este país, y muestra a Soledad como una persona exigente, leal y comprometida con sus artistas. Una asesora esencial en la creación del gusto contemporáneo en la España que estrenaba la libertad.

Soledad Lorenzo, sin herederos, señala con alegría a la francesa Louise Bourgeoise (1911-2010) como una de las artistas de las que mejor recuerdo guarda, por haberla conocido de cerca. “Tenía una personalidad aplastante”. Bourgeoise es lo más raro que le ha pasado en su carrera, porque siempre estuvo cerca de los jóvenes.

  LOUISE BOURGEOISE

EL CONFIDENCIAL

Los conservadores critican falta de selección

Los almacenes del Reina Sofía reciben el legado de Soledad Lorenzo "abarrotados"

A las pocas horas de que se este periódico diese a conocer la mayor donación, en cantidad, de la historia del arte contemporáneo, los conservadores del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ponían el grito en el cielo: “Los almacenes están abarrotados, no cabe nada. Estamos al 90%”, reconocía uno de los trabajadores.

Los conservadores con los que ha podido hablar El Confidencial denuncian falta de previsión y de selección en la recepción de una colección que apenas aporta obra de artistas que no estuvieran ya representados en los fondos. De hecho, llegan 11 pinturas de Miquel Barceló, el artista peor tratado en la colección permanente por el director, Manuel Borja-Villel. Temen que sólo unos pocos cuadros de los cedidos por la galerista Soledad Lorenzo podrán verse, dado el polémico gusto del máximo responsable.

El director, Manuel Borja-Villel, amplía 3.000 metros cuadrados para salas de exposición en Sabatini, en los antiguos almacenes. Han trasladado toda la obra a los exiguos depósitos de Nouvel, que están al 90% de ocupación

El problema de la falta de espacio para los depósitos se ha creado hace unas semanas, cuando Borja-Villel inició la transformación de los almacenes del edificio Sabatini en nuevas salas de exposición, que no se podrán inaugurar hasta finales de 2015. Todas las obras que hasta entonces se encontraban allí fueron trasladadas hasta abarrotar los de Nouvel. El museo cuenta con otros de alquiler, en empresas como SIT, pero estos se emplean para obra en itinerancia.

 “De algún modo es volver a la historia original del Reina Sofía, ya que allí se hacían las primeras exposiciones. Es uno de los espacios más bonitos del museo, que con esta recuperación ganará 3.000 metros cuadrados expositivos”, aseguraba el director a principios de agosto a EFE. La entidad suma y pierde 3.000 metros cuadrados de almacenaje. Sin embargo, tal y como ha podido saber este periódico, no hay presupuesto para ampliar los almacenes de Nouvel. Las declaraciones de su gerente hace unos días así lo constatan y contradicen la ambiciosa ampliación.

Un legado en duda

Las mismas fuentes consultadas por este periódico, que han preferido no desvelar su identidad ni cargo, se preguntan si el museo necesita realmente una aportación de una galerista cuyos artistas ya están “muy bien representados en los fondos”. Este periódico ha tratado de dar con una respuesta del Museo, pero le ha sido imposible. “Lo que es muy probable es que del legado se exponga muy poco. Tal y como están diseñadas las colecciones, el ciudadano no entiende nada y menos del relato artístico español del siglo XX”, se lamentan.

Otros conservadores el museo explican que la colección donde hace aguas es en obra internacional de los años treinta y cuarenta del siglo XX. De hecho, este periódico ha tenido acceso al “informe de evaluación para la oferta de depósito de colección Soledad Lorenzo (con promesa de legado)”, firmado el 17 de mayo por Salvador Nadales, Conservador responsable de relaciones institucionales del departamento de colecciones, y en él se apunta que el conjunto de obras reunidas “permitirá reforzar núcleos ya existentes”, como los ochenta y noventa. Y subraya la aportación a la parte más actual: “Al mismo tiempo, destaca la importante aportación de obras fechadas en el siglo XXI”.

LA BESTIA de ANA LAURA ALÁEZ

Manuel Borja-Villel ha explicado a EFE que las obras entregadas permitirán “contar con mucho más material para trabajar”. “Las obras son como un atlas hecho a partir de un archivo”, añade. Habrá que esperar a que encuentre un lugar para almacenar en ese mapa.

NOTA:

He tomado “prestados” los artículos de prensa a : Público, Diario de León y El Confindencial.

Algunas de las obras y artistas mencionados en los citados artículos han aparecido en este Blog, como por ejemplo Pablo Palazuelo (11.08.2011) o Louise Bourgeoise (6.06.2010)

Para la fotografía me he servido de la red.