RAOUL DUFY, el artista optimista.

Buenas noticias para los amantes del arte. Como es frecuente nos vienen de la mano del Museo Thyssen-Bormnemisza de Madrid en donde podemos disfrutar de excelentes exposiciones, muy diferentes entre sí, pero igual de interesantes.

 

 CAMPO DE TRIGO

Hoy escribiré sobre la gran retrospectiva de Raoul Dufy. Tuve la fortuna de admirar la obra de este artista en el Museo de Arte Moderno de París (este blog 24.12.2009) y cuando me encontré delante de su pintura me sentí envuelta en color y optimismo. Era una sensación de luz que se extendía más allá de la propia obra.

 

 CARNAVAL EN EL BOULEVARD 1903

La exposición que presenta el Thyssen desde el 17 de febrero hasta el 17 de mayo, abarca prácticamente toda la trayectoria del artista ya que nos da la oportunidad de admirar casi cien obras que proceden de museos como el citado de Arte Moderno parisino, el Instituto de Arte de Chicago, la Galería Nacional de Arte de Washington, el Centro Pompidou y de colecciones privadas. La mayoría de las obras son óleos, pero también acuarelas y dibujos, diseños en tela y cerámica. En una palabra casi  toda la extensa y variada producción de Dufy se expone en Madrid. Como digo, un lujo para los amantes del arte.

 

CARGUERO

Organizada de forma cronológica se pueden distinguir todos los pasos del genial artista. Su obra más impresionista, la influenciada por Cézanne ya acercándose al cubismo, pero también las decoraciones en cerámica y su aventura con el tejido para finalizar con su época más madura esa de la que os hablaba anteriormente y que a mi particularmente me fascina por su luz. Y es que Dufy, aunque con una larga y ecléctica trayectoria, fue considerado un fauvista.

 

THE BEACH OF SAINTE ADRESSE 1904

Nació en Le Havre en 1877. Muy joven dejó los estudios para trabajar en una compañía importadora. Fue a los 18 años cuando comenzó a recibir clases de arte en la Escuela de Le Havre.

Versátil como pocos, diseñó textiles, dibujó, decoró cerámica y grandes edificios. Sus grandes murales y escenas al aire libre estuvieron estrechamente unidos a su nombre.

 

PAISAJE de VENCE 1908

En el Salón de los Independientes , Dufy vio la obra de Matisse. Corría el año 1905 y un joven Dufy se sintió atrapado por la obra de los fauves. Los colores luminosos y las formas atrevidas serían desde ese momento una impronta en la obra del artista. Eso sí, su fuerza y espontaneidad harían de su estilo algo propio e inconfundible, solo hacía 1908-1909 la influencia de Cézanne  va a dotar a su obra de algo más de sutileza.

NATURALEZA MUERTA CON VIOLIN

Otro momento en que podemos situar un paréntesis a la hora de hablar de un estilo propio sería sobre 1920 en que realiza varios ensayos con el cubismo. 

 

 A partir de esa fecha, desarrolló su propio enfoque y estilo. Su obra se hizo alegre en la temática, luminosa en la paleta y con línea marcada.

 

Sus temas se centraban en fiestas, actos musicales, carreras de caballos y todo aquello que estuviera en contacto con las actividades al aire libre.

CASINO DE NIZA 1929

Porque si algo es característico de la obra de Dufy es optimismo, luminosidad y desenfado. 

“Carreras de caballos en Deauville” podría ser un buen ejemplo de su pintura alegre y brillante.

CARRERAS DE CABALLOS

Pintado en 1929, es un óleo que se encuentra en el Fogg Art Museum de B oston, y que es un claro ejemplo de su pintura, desenfadada, lejana a cualquier crítica social y mucho más centrada en exponer la alegría de vivir, un estilo decorativo, todo ello expresado con sus explosivos colores. Este es uno de los muchos lienzos que pintó con la temática de las carreras de caballos. La alegría y la multitud representadas con amplias pinceladas de color dan a la escena eso que el quería transmitir, movimiento, luz y energía.

 

 

La influencia de Matisse es clara si observamos el óleo “El estudio del pintor”

EL ESTUDIO DEL PINTOR

Pintado en 1949 este lienzo se encuentra en el Museo Nacional de Arte Moderno de París. En el plasmó su estudio, tema repetido en más de una ocasión. Es un cuadro que rompe las reglas de la composición y de la perspectiva. La vista que se vislumbra a través de la ventana penetra en la habitación creando una ilusión, pero lo que no hay duda es que el pintor es fiel a su optimismo y luminosidad, algo que le caracterizó toda su vida y es que su obra, fue totalmente optimista fiel reflejo de su personalidad positiva.

 

Su, digamos, tendencia ilustrativa o decorativa hizo que la crítica, en ocasiones, valorase su obra como si fuera de menor calidad o categoría. 

 PUERTO Y VELERO 1935

Pintó en caballete, ilustró, diseñó telas y ropa de hogar, tapices y cerámica y sus murales fueron muy apreciados, siendo el fresco “La Fée Electricité” para la Exposición Internacional de París en 1938, la pintura más grande que se ha realizado nunca. Se trata de un homenaje a la “electricidad”. 

 LA FEE ELECTRICITE

Murió en 1953 y curiosamente se encuentra enterrado no lejos Matisse, el pintor que tanto admiró. 

AUTORETRATO DEL ARTISTA 1901

NOTA:

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Fuentes utilizadas:

Arte del Siglo XX. (Ed.Taschen)

Pinturas que hay que ver (Ed.Grijalbo)

La red en Wikipedia.

Para la fotografía: las mismas y archivo propio.

HENRI MATISSE, creatividad hasta el final de la vida

  

Posiblemente cuando decimos Matisse, pensamos en el Fauvismo, y decir fauvismo es decir color, escándalo, artistas rompedores y como no podía ser de otra forma, creadores porque si algo consiguieron los fauvistas fue una ruptura total con el impresionismo ,pero sobre todo abrieron una puerta al expresionismo, al cubismo, a la abstracción, en una palabra fueron creadores.

 GUACHE RECORTADO 1947

 

El periodo fauvista de Matisse se prolonga entre 1905 y 1907 y si bien es cierto que este artista es uno de los más representativos del movimiento, hoy le dedico esta pequeña entrada en los Encuentro más que por esa etapa, por su creatividad en el conjunto de su obra artística, creatividad que no tendría fin. Su vida entera fue pura investigación y creación. Hasta el final. 

 

No obstante, imposible adentrarse en la obra de Matisse pasando por encima de su etapa fauvista. Así que antes de continuar mencionaré de esa época un lienzo que yo considero esencial para entender el movimiento. Se trata de “Armonía en Rojo”.

 ARMONÍA EN ROJO

Esta obra la realizó en 1908. Se dice de ella que es la representación “pura” del fauvismo puesto que el color cobra toda la importancia que los fauvistas le daban en la obra. Llama la atención en ésta ese color rojo intenso que aparece en toda la tela. En los objetos, en los muebles, en las paredes de la habitación. Y este rojo se combina fundamentalmente con el azul, un color que tanto utilizó Matisse en su obra. Ambos complementan la paleta, demostrando aquello que todos los fauvistas dominaron a la perfección; la teoría del color. También aparece el negro en una clara oposición al rechazo que habían mostrado los impresionistas hacia este color. Como toda obra fauvista nos encontramos ante la casi ausencia de perspectiva y profundidad, resultando una pintura “plana” que no obstante tiene toda la fuerza de un lienzo con volumen y composición más complicada. 

 Esta fue la etapa que serviría para abrir al mundo del Arte nuevas perspectivas. Supuso una ruptura con las etapas anteriores y como toda ruptura la oportunidad de experimentar y de crear. Se podría decir que el color había triunfado. 

 LA ALEGRIA DE VIVIR 1905-1906

Otra característica del movimiento fauvista era ese amor a la vida, o esa búsqueda de la felicidad o disfrute de ella. Todo ello también está presente en la obra de Matisse, por supuesto en forma de arte. ¿Cómo? con un lienzo que precisamente lleva ese título. “La Alegría de vivir” pintado entre 1905-1906.

 GOUACHE Y PAPEL

Pero volvamos a la etapa que mencionaba. Estos días se va a dedicar una gran exposición en la Tate Gallery de Londres a la obra final de Matisse. Precisamente esta última etapa es la que me ha decidido a dedicarle el artículo.

Si su “revolución” a la hora de romper con estilos pasados enfrentándose a toda una crítica ya fue admirable, a mi me impresiona aún más el final de su trayectoria, precisamente la que la Tate recuerda estos días.

MATISSE EN PAPEL 1947

No obstante, si observamos la obra de Matisse globalmente, podemos intuir que ese final es fruto de toda su carrera, de toda la experiencia acumulada a lo largo de la vida artística. ¿Acaso no se intuye en esa “Danza” lo que más tarde vamos a admirar en “Desnudo azul”, o los maravillosos “recortes” que nos muestra la Tate?

 RECOTABLES en la  TATE

 

“La danza”, un enorme óleo de Matisse va a tener varias versiones. La danza I se pintó en 1909, la Danza II en 1910, siendo  “Danza I” un encargo de un cliente de Matisse, el magnate ruso Serguéi Shchukin.

 

 LA DANZA I

Tanto en “Danza I” como en “Danza II”  las bailarinas se representan con un color plano sobre fondo también plano. Ocupan todo el lienzo que es de enorme tamaño y están dispuestas de forma circular. El color plano, tanto del fondo como e  de las ejecutantes, no resta un ápice de movimiento a esa danza que se muestra rítmica. El artista logra este ritmo a pesar de la falta de perspectiva y de la simplicidad de las líneas. Lo consigue simplemente con el color. El germen de la revolución de los movimientos y del volumen conseguidos por el color ya estaba ahí. 

 

COMPOSICIÓN 1947

 

“Desnudo azul”, también forma parte de una serie. Se pintaron entre 1952 y 1954. Se puede decir que son parte de un paso más hacia la abstracción, un paso en esa experimentación. Aún falta mucho para llegar a la abstracción total. El cuerpo humano aún está presente, pero el volumen y las formas ya se consiguen con el color. En este caso el azul es el volumen. La influencia de pintores como Gauguin que también experimentó con las superficies planas y colores puros, está presente en la obra del artista. 

 EL ESQUIMAL (GUACHE) 1947

Y encontramos otra influencia en la obra de Matisse, la de otras culturas. El arte islámico fue una de ellas. El contacto con éste influyó poderosamente tanto en el color como en los motivos. También los arabescos andaluces dejan su impronta en la obra del artista. Su viaje a Marruecos en 1911 le terminaría por abrir un mundo de color y exotismo. Nadie podría negarlo después de admirar su Odalisca con pantalón rojo realizada en 1922 y también sus obras posteriores con sus colores y su formas sinuosas aun habiéndose adentrado ya en el mundo de la abstracción.

 ODALISCA CON PANTALON ROJO 1922

Y Matisse logró algo más, creó o descubrió la forma de ensamblar formas recortadas. Formas recortadas de guache, creando una técnica diferente a la de trabajar directamente sobre el lienzo. El lo llamó “dibujo con papel” El efecto de estos recortes es como de un relieve en dos dimensiones y es el fin de esa búsqueda de la perfecta simbiosis entre color y forma.

GOUACHE EN PAPEL 1953

Llegado a este punto podemos entender ya la última etapa de Matisse, esa en la que la herramienta es la tijera y la creación resultante es ya la abstracción.

Podemos entender la obra de un artista que supo sustituir el pincel o el lápiz por la tijera, que supo pintar y dibujar con otra herramienta consiguiendo de esa forma, no solo no paralizar su proceso creativo, sino lograr con un nuevo instrumento, llegar a lo más alto de la creatividad artística sin perder su propia factura.

 SERIGRAFÍA SOBRE PAPEL ESPESO

En una palabra nos demostró la genialidad de ser creativo, esa que solo poseen aquellos seres tocados por un don especial. Henry Matisse fue el precursor del “collage” o nos atreveríamos a decir que su inventor. Lo que no hay duda es que esos “collages” fueron un derroche de calidad y creatividad y ahora la Tate Gallery de Londres les rinde tributo. 

MATISSE Y SUS RECORTES.

Henry Matisse había nacido un 31 de diciembre de 1869. Se encontró con su vocación de artista estando convaleciente de una enfermedad. Su madre le llevó unos pinceles y él en ese momento decidió que su vida estaría dedicada a las artes plásticas. Murió en 1954.

 

FUENTES CONSULTADAS:

Los Pintores más influyentes. David Gariff (Edit. Electa)

Maestros de la Pintura. Patricia Fride R.Carrascal (Edit.Larousse)

Historia Visual del Arte. Claude Frontisi.(Edit.Larousse)

PARA LA FOTOGRAFÍA:

Las mismas y la red.

NOTA:

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