ALICE NEEL, el retrato expresionista.

Este otoño he tenido la oportunidad de gozar de una de esas felices uniones que, cada vez con más frecuencia, se están dando en el mundo del arte. Me refiero al encuentro de la obra de un artista plástico en un museo que por si sólo ya merece una visita. En este caso, como digo, el placer ha sido doble. El centro al que me refiero es el Museo de Arte Moderno de Malmö (Suecia) y el contenido, la obra de la artista estadounidense Alice Neel.

MUSEO ARTE MODERNO de Malmö

La obra de esta artista, no demasiado conocida en Europa, se presenta como la de una gran retratista y así lo es en efecto, pero ese retrato al que dedica el noventa por ciento de su obra, tiene una marcada factura expresionista. Podríamos situarla dentro de un post-expresionismo o neo-expresionismo, aunque particularmente creo que su potente factura transciende cualquier etiqueta. De trazo fuertemente perfilado, de paleta simple pero intensa y de formas extremas, Neel nos dejó una impresionante obra que el museo ha dividido en diferentes apartados, entre los que también pudimos encontrar un pequeño rincón dedicado a la ciudad. Si bien en estos lienzos urbanos no se acerca a la deformidad de las perspectivas expresionistas, todo el resto de la obra puede calificarse como tal, además de contener una fuerte carga psicológica que no deja a nadie indiferente.

ENTRADA A LA EXPOSICIÓN DE NEEL

Comenzaré por el magnífico edificio que nos dio la oportunidad de admirar esta obra. El Museo de Arte Moderno es el resultado de una atrevida intervención que consiste en un cubo metálico de color naranja añadido a una antigua planta eléctrica de 1900. Esta planta de fachadas de ladrillo rojo, típico de la construcción de esta ciudad del Sur de Suecia, que más recuerda a las ciudades danesas, ha sido respetada, siendo la rehabilitación total en su interior.

LIBRERÍA DEL MUSEO

El vanguardista cubo de rejilla se ha ubicado en medio de la planta rompiendo con la construcción clásica, tanto del antiguo edificio, como del entorno, y sin embargo el resultado es equilibrado y brillante. Alberga el cubo la nueva entrada y la recepción, así como la cafetería y la galería superior. La fachada de metal perforado deja entrever las luces y movimientos interiores.

FACHADA DEL CUBO CENTRAL

Las salas, diáfanas, están divididas gracias a tabiques de obra. Totalmente blancas, la luminosidad es espectacular. Ayuda a todo ello el hecho de que, salvo los tabiques, nada se interpone entre el visitante y la obra. No existen ni bancos ni sillas que interfieran en el espacio. El visitante tiene opción a la entrada del museo de coger una pequeña silla plegable y recorrer con ella toda la exposición haciendo uso de ella en el momento que precise.

VENTANA INTERIOR

Al igual que en el exterior los colores que predominan, tanto en la cafetería como en la librería, son vivos. Los servicios y casilleros, se han realizado en metal de fuerte color amarillo. Cada casillero lleva escrito en su puerta el nombre de un artista contemporáneo y en el interior una frase célebre de dicho artista.

CASILLEROS

Y es en este hermoso y vanguardista espacio dónde encontramos la obra de la singular pintora estadounidense Alice Neel (Pennsylvania 1900-1984). Neel comenzó su formación en la Escuela de dibujo para mujeres de Filadelfia. Se trasladó a La Habana al casarse con el también artista cubano Carlos Enríquez. (1900-1957) uno de los fundadores del arte cubano moderno.Fue una época en la que estuvo cerca de la vanguardia cubana y cuando adquirió una conciencia social, aunque regresaría a EEUU.

YOUNG WOMAN

Con Enríquez tuvo dos hijas. La primera de ellas murió de difteria, algo que resultó traumático para la artista y que se reflejaría fuertemente en su obra durante toda su vida profesional. Cuando su marido se llevó a la segunda de sus hijas a Cuba quedando ella en EEUU, cayó en una profunda crisis con intento de suicidio. Fue hospitalizada y posteriormente marchó a N.York. En esta ciudad pintó escenas cotidianas y marginales, personajes subversivos y escenas llenas de carga sexual.

MADRE (HARLEM)

En Nueva York tiene a su hijo, fruto de la unión con un cantante portorriqueño. Se traslada a vivir al Harlem hispano y allí comienza a realizar retratos de aquellos que son sus vecinos, sobre todo mujeres y niños. Su compañero y padre de su hijo le abandona.

TWO GIRLS SPANISH HARLEM

Tendría otro hijo del intelectual Sam Brody. Fue una época en la que ilustró revistas comunistas ya que su compañero era un activo militante y ambos se relacionaban en estos círculos.

MADRE E HIJO

Durante los años cincuenta y parte de la década de los sesenta Alice Neel desapareció de galerías y del mundo artístico. Pero a finales de esa década el interés por su obra revivió y no sólo eso sino que llegó a convertirse en un icono feminista.

PREGNANT WOMAN

Sus cuadros son en verdad impactantes. Su transparencia nos sumerge en ellos como si de un viaje al interior se tratase. La situación de la mujer expresada por la maternidad o la vida dura de los barrios marginales son testigos gráficos de la vida de aquellas mujeres que tuvo por vecinas en el Harlem. Su obra es directa sin esconder miserias ni escenas de sexualidad. Pero en ese realismo crudo también se manifiesta una gran ternura.

COMPOSICIÓN

El Museo de Arte Moderno de Malmö dividió la exposición en diferentes apartados que de forma didáctica mostraba la obra de la artista. Fundamentalmente son retratos, aunque como mencionaba anteriormente, nos deja un apartado para el tema de la "Ciudad”.

UN RETRATO URBANO

Son casi todos ellos representativos de N.York, del Harlem hispano o de los años del Greenwich Village. Escenas de rincones de calles neoyorkinas o simplemente edificios de la ciudad en la que vivió.

UN RINCÓN DE LA CIUDAD

El resto de los lienzos quedaron divididos en “Retratos Esenciales”, que se componían de personas cercanas a la artista.

ELENKA

Con “Retratos de Memoria”, nos dejaba escenas de la propia vida de la artista, con sus vivencias y sus traumas.

DEAD FATHER

En “Retratos Psicológicos” vemos a niños y jóvenes, parientes o amigos cuyos rostros muestran efectivamente una vida interior que ella supo plasmar como nadie.

The DE VEGH TWINS

También hay un apartado titulado “Padres e Hijos” en el que como el nombre indica las diferentes generaciones se ven retratadas.

NANCY AND THE TWINS

No olvida a la “Tercera edad”. Y de la forma que ella sabe muestra con total crudeza la vejez, pero también como ella sabe hay ternura en ese realismo. Impacta en esta serie el autorretrato de la autora pintado a una edad que supera los 70 años en la que aparece en su total desnudez. Todo un estudio para la artista y para los que lo pudimos admirar.

AUTORRETRATO

En “Alegorías”, entre otros lienzos, nos presenta al personaje con el pecho más que herido. Totalmente roto en una alusión a la enfermedad, a la muerte o quién sabe, si a algo más profundo. De la misma forma que los surrealistas se servían de esas alegorías, de esos retratos que significan algo diferente de lo que se ve en ellos, para “relatar” sus mundos, o Grosz y Dix, nuestros anteriores artistas, se sirvieron en ocasiones de alegorías para denunciar las injusticias sociales, Neel, también de izquierdas, no utiliza su arte para ello, sino para expresar con su obra sus fuertes y profundas experiencias personales, como hizo a raíz de la terrible experiencia de la muerte de su primera hija.

Esta singular mujer mantuvo su creatividad, pero sobre todo sus creencias, su ética y modo de vida, hasta el final de sus días. Ha sido una suerte para todos los que amamos el arte que su obra fuera nuevamente reconocida y haya recorrido el mundo. Su nieto Andrew Nell influyó en ello con su documental cuyo enlace os dejo http://www.aliceneelfilm.com. Si en este periplo europeo de la obra de Neel tenéis ocasión de admirarla os la recomiendo encarecidamente.

ALICE NEEL. Fotografía de la Artista

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Fuentes consultadas:

Mujeres en el Arte . Varias autoras.

Catálogo del Moderna Museet Malmö para la exposición.(Fecha 9.10.1010- 2.1.2011)

Fotografías:

Las mismas

Archivo propio

La red.

OTTO DIX, la implicación en el momento histórico.

Si Grosz (entrada anterior de este blog) se valió de su Arte para denunciar a los causantes de la guerra, las desigualdades sociales y la injusticia, Otto Dix, amigo del primero, nos mostró con su obra a las victimas de todo ello.

Otto Dix nació en diciembre de 1891 en Untermhaus, Turingia. Hijo de obreros cualificados estudió dibujo y muy joven comenzó a trabajar como pintor-decorador. En 1908 ya pintó sus primeros óleos, pasteles y dibujos al carboncillo y un año más tarde ingresaba en la Escuela de Artes y Oficios de Dresde, la que sería su amada ciudad.

LLAMARADAS 1917

Pero la Primera Guerra Mundial iba a interrumpir de manera decisiva la vida de los artistas de la época. Pocos se libraron de los efectos de la guerra y no sólo en lo referente a su obra. Kirchner (este blog, entrada 1 de octubre) terminó en un sanatorio destrozado física y mentalmente, Marc sucumbió en Verdún y Oskar Kokoschka que también nos visitará en estos Encuentros, fue capturado en el frente oriental. Dix, en parte, tuvo más suerte que todos ellos pues recorrió como voluntario el frente, fue herido y condecorado. Y digo que tuvo más suerte en parte, porque durante la campaña dejó un amplio testimonio escrito y también gráfico en el que se relatan los horrores de la guerra y que muestra lo mucho que también le afectó la contienda.

Entre los lienzos de esa época encontramos el “Autorretrato como soldado” que representa un Dix con una expresión que por si sola dice lo que le tocó vivir.

AUTORRETRATO COMO SOLDADO 1914

Tanto Dix, como Grosz y Max Beckmann (este blog entrada 20 de septiembre) sufrieron las vivencias de la guerra mundial y sus consecuencias y tuvieron muchos puntos en común. Fueron perseguidos por los nazis, sus obras arrinconadas y en un momento dado, se dejaron subyugar por “la ciudad” como tema para sus lienzos. Esas ciudades alemanas que nos mostraron en su totalidad, con lo atractivo y con aquello que no lo era tanto, con sus habitantes burgueses y con aquellos que se valían de la propia ciudad para subsistir, como las prostitutas y los vagabundos.

ESCENA DE UN SUBURBIO

Otto Dix, al igual que Grosz y Beckmann, también tuvo su momento “expresionista”y además “paseó” por muchos de los “ismos” que en su época estuvieron presentes en la Historia del Arte. Además Dix con su obra tomó parte en debates para intentar explicar lo que significa el Arte para la sociedad.

PRAGUE STREET 1920

No hay duda de que fue un artista con una gran implicación en el momento histórico que le tocó vivir, así que no es de extrañar que la política también fuera un elemento importante a la hora de entender la sociedad y que su implicación en ella le obligase a mostrar con sus “armas”, es decir con su Arte, a los humildes, a los derrotados y a los que la historia marginaba. Sus personajes mutilados, las busconas de los bajos barrios y las calles más obscuras y apartadas de las ciudades eran temas recurrentes en su obra.

JUGADORES

Mostró todo aquello que la sociedad burguesa, en nombre de la educación, intenta ocultar y como no podía ser de otra manera, todo ello le llevó a ser un personaje muy poco “querido” por el poder nazi. Según ellos, Dix, al igual que los artistas anteriormente mencionados, ejercía “un arte degenerado”.

WOMAN LYING ON A LEOPARD SKIN

Lo cierto es que la toma del poder por los nazis supuso para Otto Dix un golpe que no superaría. Perdió fama y también energía, aunque para entonces ya era un artista que figuraba con voz propia como representante de toda una época. Al igual que sus compañeros, con su obra nos dejó “narrada” una parte de la historia que nos ayuda a entender el futuro. Mostraría las trincheras, los impactos de las bombas, los cadáveres destrozados y toda la naturaleza destrozada. Para Dix la guerra era un fenómeno que aunque parece describir con cierta distancia, no oculta una fuerte denuncia.

LA GUERRA 1929-1932

Esas denuncias no fueron perdonadas por los nazis sobre todo porque en un comienzo Dix también pareció sucumbir a la fascinación de los uniformes, al entusiasmo popular y a la atracción de las “luces” del nazismo. Era difícil no dejarse arrastrar por ese delirio que fascinó a tantos. Más de un intelectual de la época, confesó que había algo grande ese movimiento de masas. Pero Dix no se dejó engañar, y aunque se decía no pacifista, y no “político”, lo cierto es que su obra es antibelicista y su vida, compromiso y obra, estuvieron siempre con la izquierda.

La época en la que Dix más destacó fue aquella en la que los tiempos eran turbulentos. Esa época terrible en la que las posturas, tanto de izquierdas como de derechas estaban radicalizadas y enfrentadas a diario en las calles, es decir, los tiempos de revuelta.

A Dix le tocó vivir más de un momento convulso. Tras la guerra de 1919 regresó a Dresde en dónde se podría decir que su carrera tocó el momento más brillante y también dónde se manifestó como muy político.

AUTORRETRATO CON CABALLETE 1927

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Bajo la presión de una huelga general, Guillermo II abdica y la República de Weimar se pone en marcha. Sin embargo, buena parte de Alemania, en especial Berlín, donde se juega su destino la República, se halla sumida en huelgas en manifestaciones, desfiles y proclamas. Queda otra revolución pendiente. Es época, de asesinatos de personas comprometidas, de parados que en Berlín alcanzan una cifra desbordada y sobre todo hay que añadir los inválidos y heridos de una guerra con todas sus consecuencias. El cuadro social es terrible y los artistas, sobre todo aquellos con conciencia social, no pueden permanecer al margen. Y Dix no fue ajeno, a todo eso. Arte y política se dan la mano. Se hablaba ya de “una agrupación de los artistas plásticos radicales”

El expresionismo tocaba a su fin y pintores como Otto Dix iban a participar activamente en su disolución pero también en su superación y renovación.

FRAU DR. KOSH

Dix en un principio, mantuvo un expresionismo puro que alternaba con su inclinación hacia el cubo-futurismo. Se encuentran también en sus temas: la muerte, el eros, el nacimiento, pero aún Dix no ha encontrado la forma exacta de expresarse.

MI AMIGA ELIS 1919 . Cubo-futurismo

En 1920 será dadaísta y en esos vaivenes va de la deformación caricaturesca al expresionismo o al sarcasmo. Otto Dix, artísticamente hablando, pasó, como ya se ha mencionado, por diferentes “fases” o “ismos”. Cubismo, Expresionismo, pero sobre todo se confesaba un realista.

HUGO ERFUTH CON UN PERRO 1926

Durante un par de años, de 1925 a 1927, Dix estuvo en Berlín, la ciudad en la que confluían vanguardia y crisis social. En una palabra en donde se fraguaba la historia. Y Dix fue testigo y narrador gráfico.

METROPOLIS

Su tríptico “Metrópolis” es posiblemente la muestra de lo que aquel momento dio de sí. El capitalismo, el jazz, el alcohol, las drogas, y baile. Pero también lisiados que arrastran sus muñones por las aceras, y prostitutas que lucen sus despojos a las puertas de las mansiones.”Metrópolis” nos ofrece una modernidad crítica y madura. Son los años en los que el capitalismo muestra su cara amarga, y son los años en los que la pintura, la música y el teatro alemanes se muestran al mundo.

Detalle central de METROPOLIS

Todo aquello no podía durar. Se organiza un sistema de incursiones, asaltos y “operaciones de limpieza” contra los comunistas y los barrios obreros. En el final de la década, era el paro lo que amenazaba a unos alemanes cuyo nivel de vida se había deteriorado, cuya salud empeoraba por momentos. Los dorados años veinte ya no eran dorados. Y la marea nazi no perdió su oportunidad. Hitler va a ocupar el cargo de canciller. Es la culminación de un proceso que cambiará la historia no sólo de Alemania sino de todo el mundo.

SILVIA VON HARDEN 1926

Y los poetas, los pintores, los músicos en una palabra, los artistas, lo constatarán enseguida. En abril de 1933 Von Killinger, comisario del Reich anota en su diario: “¿Vive todavía ese cerdo?” Ese cerdo es Otto Dix. Vive todavía y se le expulsa de la Academia de Bellas Artes de Prusia y se le destituye de su cargo en la Academia de Artes Plásticas de Dresde .

LOS SIETE PECADOS CAPITALES

El óleo, “Los siete pecados capitales” data de esa fecha. Justo después de verse obligado a abandonar el puesto de profesor, Dix interpreta en este lienzo la situación política de Alemania. En un primer plano una harapienta recoge dinero del suelo. Es la figura de “La Avaricia”, en sus espaldas se encuentra “La Envidia”, un hombrecito ridículo con aspecto infantil que recuerda al dictador. Detrás “La pereza” está representada como un esqueleto que habla de la falta de preocupación del pueblo alemán y que el artista consideraba causa de la toma del poder nazi. Y detrás, de izquierda a derecha están “La Ira” , El Orgullo, La Gula, y La Lascivia.

Hasta el Führer al ver sus cuadros, lamentó no poder encerrarle. Pero hizo algo parecido. Con sus operaciones de “limpieza” le confiscaron cerca de 260 obra. Y finalmente Otto Dix se “exilia” a orillas del Lago Constanza.

RETRATO DEL PINTOR HANS THEO Y SU ESPOSA 1933

En Constanza Otto Dix pintó paisajes, regresó a motivos de la tradición cristiana, hizo algunos retratos y, cuando podía, volvía a su adorada Dresde. Hasta su muerte, el 25 de julio de 1969.

AUTORRETRATO CON MARCELA, su nieta. 1969

Otto Dix fue testigo de su tiempo y dejó constancia de ello. Apostó por mostrar las miserias humanas. Su obra, está llena de desolación y también de sensibilidad porque fue capaz de dejar “pintada” la historia. Retratista perfecto, presente en todos los “ismos”, forma parte de lo mejor del Siglo XX.

EL ARTISTA EN SU ESTUDIO EN 1927

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Fuentes consultadas:

El Viejo Topo. Texto de Antonio Garcia Vila

Arte del siglo XX. Varios autores. (Ed. Taschen)

Pinturas del Siglo XX. Varios autores.

La historia visual del Arte. Varios autores. (Ed.Larousse)

Fotografía: las mismas y la propia red.

GEORGE GROSZ, el arte político

George (Georg) Grosz nació en Berlín en 1893 y estudió Arte en Dresde, Berlín y París. Su idea era convertirse en dibujante pero también era un buen copista de los clásicos. En 1912 comenzó a trabajar el óleo.

CAFÉ 1919

En 1914, al estallar la primera guerra mundial, se alista en el ejército pero en 1916 se licencia alegando motivos de salud, aunque posiblemente el verdadero motivo fue un fuerte shock psicológico del que tuvo que reponerse en un hospital.

De vuelta a la pintura, simplificó aún más su obra. Excelente ilustrador y dibujante se permitió expresar el horror de la guerra con sus dibujos.

El año 1918 fue un año de mucha producción. De esa época data “Entierro”, lienzo dedicado al escritor Oskar Panizza, autor muy crítico con la iglesia y el estado, con el que se sentía muy identificado.

ENTIERRO

En su viaje a París se encontró con las vanguardias del arte como el cubismo y el futurismo pero también pudo admirar obras de Lautrec y Daumier. Esos años tienen vital importancia en su obra. Se simplifican las formas pero a la vez recibe la influencia de los jóvenes expresionistas alemanes.

EN EL LEJANO SUR- LA BELLA ESPAÑA 1919

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En 1919 se afilia al Partido Comunista. Es detenido y procesado en diversas ocasiones por “incitación al odio de clase”, “ofensa a la religión y al pudor” y acusaciones similares. Abandonaría el Partido Comunista después de conocer a Lenin y Trotsky , manifestando su oposición al régimen dictatorial soviético.

SUICIDA 1918

Su obra evolucionó desde los dibujos de caricaturas hasta representaciones urbanas de signo apocalíptico. Se integró en la izquierda y con un arte claramente politizado dio a conocer, a través de sus satíricos dibujos y tintas, la Alemania de los años veinte.

CREPUSCULO 1922

Sus obras mostraron cadáveres de soldados, lisiados de guerra, mendigos hambrientos y también prostitutas callejeras. Su arte quería dejar claro que no hay victimas sin un causante y los causantes para Grosz eran la burguesía que se divierte y continúa su vida incluso durante la guerra, los militares y los políticos que provocan esa guerra, y los industriales que se favorecen de ella.

Alemania

En el cuadro “Metrópolis” que se encuentra en el Museo Thyssen Bornemisza de Madrid, Grosz nos muestra la inseguridad producida por la guerra y la locura en que se había convertido la sociedad europea.

METROPOLIS 1916-17

La misma paleta, de un rojo intenso, da fe de la locura que quiere plasmar el artista. Basada en verticales extremas, representa la huida de seres repulsivos, cegados por el pánico. Grosz no estuvo permanentemente en las filas del expresionismo pero en este lienzo de distorsiones y perspectivas absurdas, se asemeja a las obras de Ernest L.Kirchner. (Entrada anterior en este blog). La ciudad que muestra Grosz está al borde del colapso, la paleta semeja un incendio y si nos detenemos en la fecha de su creación 1916-17, con la Revolución Rusa y la Segunda Guerra Mundial en camino, se diría que es la obra de un profeta. En toda ella se ve su versión satírica y crítica y sobre todo la intención de transmitir la sensación de desastre.

Opositor hasta el extremo del Nacionalsocialismo y del militarismo fue uno de los primeros artistas en oponerse a Adolf Hiltler, e incluso se cambió su nombre Georg por el inglés George, dejando bien claro que odiaba todo aquello que fuera típicamente alemán.

CANCION ALEMANA VINO ALEMÁN

Ya en 1932, con el avance del nazismo su obra fue catalogada, al igual que la de otros expresionistas, de “Arte degenerado” y el recibe el inquietante calificativo de “bolchevique cultural número uno”.

Así que en 1933, cuando Adolf Hiltler accede al poder, decide emigrar a EEUU, donde trabaja de profesor y en dónde recibiría en 1938 la nacionalidad americana.

Las obras de esa época americana presentan una factura menos incisiva, realizando numerosos desnudos, paisajes urbanos y naturalezas muertas. Sin embargo el estallido de la segunda guerra mundial le hizo volver al pesimismo y desesperación de años anteriores y quedó así expresado en más de un lienzo.

RESTAURANTE 1928

Grosz fue un aclamado profesor y así como otros expresionistas provocaron efectos políticos con sus obras, en ocasiones de manera no voluntaria, Grosz utilizo su arte conscientemente como medio de argumentación política. Con el estallido de la guerra mundial su conciencia política se agudizó aún más y fue de los pocos que reconocieron desde el principio la locura de la guerra y la sin razón que le llevó a emigrar a EEUU. Sus experiencias como artista quedaron registradas en una biografía que escribió en 1946.

George Grosz fue un ejemplo claro de que el Arte puede ser un arma de lucha y denuncia cuando el que maneja el pincel tiene conciencia social. Uno de los muchos ejemplos de ello es el cuadro que vemos a continuación “Los pilares de la sociedad”.

LOS PILARES DE LA SOCIEDAD

Desilusionado del comunismo, pero opositor al nazismo y siempre en las filas de la izquierda nos deja este lienzo que se encuentra actualmente en la Nacional Galerie de Berlín. Nos presenta en él a un aristócrata en primer plano. Su cabeza luce llena de adornos militares y su cara está marcada por una cicatriz, posiblemente de algún duelo o batalla. En su mano una jarra de cerveza y en la otra una espada. A su lado un nacionalista, ataviado con un orinal como sombrero, sostiene varios periódicos y a la derecha un socialdemócrata sostiene varios panfletos mientras de su cabeza salen heces humeantes. Otro de los “pilares” de la sociedad, la Iglesia, está representada por un clérigo abotargado que predica mientras, al fondo, la ciudad arde caóticamente.

No es de extrañar que la obra de Grosz fuera secuestrada por los nazis y que el artista tuviera que marchar al exilio.

En 1958 Grosz regresó a Alemania y fue nombrado miembro de la Academia de las Artes. Falleció, por un accidente fortuito en Berlín en 1959.

EL ARTISTA TRABAJANDO

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Fuentes consultadas:

Expresionismo. Diezmar Elger (Ed.Taschen)

Realismos modernos. Varios autores (Museo Thyssen Bornemisza)

Pinturas. Varios autores. (Edit. Grijalbo)

Arte del Siglo XX. Varios autores (Ed.Taschen)

Fotografías: las mismas.