lunes, 29 de junio de 2015

LECTURAS DE ARTE Y CON ARTE PARA EL ESTIO DE 2015



Al igual que en años anteriores os voy a proponer para el verano una serie de lecturas relacionadas, como no puede ser de otro modo en este Blog, con el Arte.

No por ello van a ser obras de “estudio”. Voy a intentar, igual que en otras ocasiones, combinar libros que nos entretienen a la vez que nos instruyen e incluso que nos hagan viajar.




Así que nada mejor que comenzar con un libro que pertenece a una serie de “guías” o al menos que están catalogadas de esta forma, una de las cuales ya recomendé el año pasado.

Este año os llevo a Venecia.
Al igual que el año pasado “viajamos” por La Toscana este verano nos vamos de nuevo a Italia, para conocer Venecia a través del Arte y la Arquitectura porque así se titula el libro que os propongo.

“Arte y Arquitectura VENECIA” de Marion Kaminski. Un libro-guía que es toda una delicia. Fácil de llevar, si vais a viajar, de leer antes de partir o a la vuelta para revivir lo que hemos conocido.



Bien documentado, bellamente ilustrado, informa, instruye y nos va a hacer gozar de esta ciudad maravillosa llena de Arte y de Historia.

Como homenaje a una gran exposición que tuve el gusto de visitar en Donosti hace unos años dedicada a Artistas Latinos y dentro de la cual se encontraban grandes artistas-mujeres y dándose el hecho de que este año, también en esta ciudad, se dedica una exposición a mujeres-artistas de los siglos XX y XXI, he pensado recomendaros un libro que adquirí en su día en Fundación La Caixa. Su título “Tarsila, Frida y Amelia”

Como bien podéis suponer se trata de tres grandes artistas que visitaron este Blog. Tarsila Do Amaral (fecha 10.06.2009) Frida Kahlo (fecha 1.04.2010) y Amelia Peláez. (Fecha 11.04.2010)

El libro recoge, con una buena ilustración y un breve pero detallado recorrido, lo mejor de la historia personal y artística de cada una de ellas.




Finalmente y como siempre que os hago una pequeña lista para las vacaciones, añado algo de Arquitectura, una disciplina que tanto me atrae y sobre la cual suelo traer casi siempre alguna lectura un tanto “alternativa”. En este caso os dejo un libro muy curioso. “Manual del Arquitecto Descalzo” de Johan Van Lengen.

Os copio literalmente lo que dice la editorial:

…” “el manual del arquitecto descalzo” presenta un conjunto de ideas ingeniosas para aprovechar al máximo los materiales y espacios en creaciones funcionales, a la vez que estéticamente atractivas. Para construir una casa muchas veces no es necesario hacer planos previos, e incluso las técnicas tradicionales de la arquitectura pueden resultar demasiado estructurantes a la hora de dar vida a una edificación concebida desde la más profunda creatividad. El arquitecto descalzo es aquella persona que con un número limitado de recursos, se propone construir edificios que combinen la funcionalidad con la belleza, en armonía con el ambiente el que se emplazan”…




Como podréis comprobar, aunque es un tema muy específico, no os resultara en absoluto denso, sino todo lo contario, aunque bien es cierto que está enfocado a todo aquel interesado en el tema de la construcción alternativa en la que prima mucho el diseño práctico por encima de otros intereses. 

Y ahora, os dejo algunos títulos más lúdicos, narraciones que tienen que ver con el arte, novelas en la que el arte, artistas o movimientos artísticos están presentes y que por lo tanto son muy apropiados para este Blog.

Os tengo que decir que estas últimas recomendaciones vienes dadas por referencias recibidas. Ninguna de ellas por propia experiencia puesto que yo también las he reservado para el estío.

El primero es un libro que tengo pendiente y que no puedo dejar pasar más tiempo sin leer. Se trata de un clásico: “En el país del Arte” de  Vicente Blasco Ibáñez.




Os dejo una pequeña reseña tomada del Blog “el placer de la lectura” que seguro que os llevará a colocarlo en la maleta para estas vacaciones.

…”El arte al que se refiere el acertado y atractivo título del libro, no solo es el arte en su acepción plástica, que también, sino en la más general del término: el arte de vivir, y de vivir rodeados de belleza, tanto si está en ruinas como guardada en los más bellos museos y palacios. El arte del bel canto, de la musicalidad que impregna la vida cotidiana de los italianos, el arte del buen cocinar, del dolce far niente, de un país acostumbrado a las crisis políticas permanentes, al equilibrio económico entre el norte y el sur, Miguel Ángel y Garibaldi, Savonarola y Casanova, poniendo una vela a Dios y al Diablo, viviendo entre los maravillosos desnudos de las estatuas grecorromanas y las sotanas de los curas en el Vaticano. Un país que deja boquiabierto al extranjero que pisa tierra italiana, y que, como Stendhal, podría preguntarse cómo es posible vivir rodeado de tanta belleza sin que te estalle el corazón…”

Os podréis resistir? Yo no.

Y el otro, que ya es más una novela en toda regla. Se trata de “El pintor maldito” de Peter Harris. Y aquí os añado la reseña. 




…”En la playa de Porto Ercole, Caravaggio agoniza. Su único equipaje es una pequeña bolsa a la que se aferra como si en ello le fuera la vida. Más de trescientos años después, en Estados Unidos, Sarah Clapton, ha sufrido en su propia carne los efectos de la crisis que el país arrastra desde 1929, pero ahora vuelve a sonreír. Se ha casado con un hombre al que ama, y viaja hacia Italia en un transatlántico de lujo con un encargo profesional que podría aclarar algunos aspectos de la vida del gran Caravaggio...”


David vence a Goliat . Caravaggio 1607


Y yo os añado que un rápido vistazo al libro me ha dejado la impresión de una historia que atrapa, llena de misterio y de intriga y además urdida alrededor de uno de los maestros del Arte.

Os deseo un feliz verano lleno de Arte y lecturas.

Fuentes utilizadas. Me he servido tanto para el artículo como para las fotos de la Red y de mi propia biblioteca.

sábado, 20 de junio de 2015

EL ARTE TEXTIL EN LA ACTUALIDAD IV. GRAU GARRIGA, pionero del arte textil.




 

Con fecha 7 de mayo de 2011, escribía en este Blog el que pensaba sería el último artículo sobre el Arte Textil. En él hacía referencia a lo que hoy en día supone el Tapiz para el Arte Textil.



 

No quise alargar en demasía el artículo así que describí someramente lo que se está tejiendo en la actualidad, sin detenerme en biografías de tejedores ni en la historia actual del tapiz.

Estos días, la noticia que me llega de la mano de la muy interesante revista digital “hoyesarte.com” sobre la exposición dedicada a Josep Grau Garriga en la sede madrileña de la Galería Michel Soskine, ha hecho que decidiera  añadir un nuevo artículo sobre el Arte Textil a los anteriormente escritos. (este blog, 23.04.11 - 02.05.11 y el mencionado 07.05.11)




Esta exposición del gran impulsor de la Escuela Catalana del Tapiz, se podrá visitar hasta el 18 de julio.



 Anteriormente, con ocasión del fallecimiento del gran artista catalán, ya hubo iniciativas que dieron opción a admirar su obra, pero fue en su tierra, en Cataluña en dónde la Fundación Vallpalou de Lérida dedicó una maravillosa exposición a Grau-Garriga bajo el título de “In Memoriam”. Ya por entonces se anunciaba que no sería posible volver a ver la obra del artista hasta el 2015. 




Es por esto que he decidido dejar unas líneas para animar a todo aquel que pueda, a acercarse a Madrid para admirar la obra de un artista que como nadie impulsó el Arte del Textil en general y el del Tapiz en particular, dándole un carácter moderno, experimentando con diferentes materiales y realizando diseños vanguardistas. 




 
Su trabajo incluye obras de gran formato de una gran creatividad, fruto de una profunda investigación en cuanto a diseño de vanguardia y materiales novedosos como el yute y otros y de su trabajo en cercanía a Miró, Tàpies y Gimpvart durante las década de los 60 y 70.




Josep Grau-Garriga nació en Sant Cugat del Vallés en 1929, en el seno de una familia que sufriría las consecuencias de la guerra civil viviendo prisión y exilio. Se formó en dibujo, pintura y grabado y en los años 50 realizó pintura mural. En esa época se le propone renovar la antigua Casa Aymat de San Cugat dedicada a producir alfombras y tapices. Tomaría la dirección artística organizando un taller de tapiz experimental. 




En 1957 realizaría su primer viaje de estudios a Francia. Allí iba a conocer las técnicas del tapiz medieval y contemporáneo. El camino había comenzado para Grau-Garriga, un camino que iba en consistir en revolucionar el mundo del tapiz y que haría que fuera conocido internacionalmente como pionero del tapiz moderno y como un artista completo y genial.

Con los años su obra fue adquiriendo una factura más expresionista y se aproximó al surrealismo.






Su obra plástica es también la obra de un artista muy comprometido políticamente porque no podía ser de otra forma al ser una persona cuya actividad humana estaba unidad a su entorno y a sus sentimientos y al tener en el Arte su forma de expresión. En su obra están representados los pequeños quehaceres cotidianos, la tierra, la naturaleza y a la vez toda una cultura colectiva. 



En 1975, hay una clara alusión a la problemática catalana. Sus obras son cuadros que ponen de manifiesto los deseos propios y del pueblo catalán de un reconocimiento a las libertades. Fueron obras muy apasionadas, de fuertes colores y más bien pictóricas, pero a la par su tapiz seguía en evolución. 




Las obras de Josep Grau-Garriga se han expuesto por todo el mundo y muchas de ellas forman parte de las colecciones permanentes de museos como el de Arte Contemporáneo de Barcelona, el Museo Metropolitano de Nueva York, El de Arte Moderno de París o el Museo de Arte Contemporáneo Internacional Rufino Tamayo de México.



Vivió sus últimos años en Saint-Maruthin Sur Loire (Francia), muriendo en agosto de 2011 en Angers a la edad de 82 años.


 FOTOGRAFÍA DEL ARTISTA (Fuente de La Vanguardia)


Fuentes Utilizadas: La Vanguardia, Revista digital: artehoy.com, Wikipedia
Para la fotografía: Las mismas.

NOTA:
Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

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miércoles, 3 de junio de 2015

SARA OTAÑO. UNA PALETA POTENTE UN TRAZO SINUOSO



…”Sí, así encuentro yo la pintura de Sara Otaño, esta pintora que hoy quiero traer a este Taller de Encuentros”...




Con fecha 23 de Abril de 2009 comenzaba de esta forma un pequeño artículo dedicado a esta artista que habita en nuestro rincón del Bidasoa. Poco o nada tendría que añadir al artículo sino fuera para repetir todo lo que en el escribí.  Os preguntaréis qué objetivo tiene el volver a traer hasta aquí a alguien que ya nos visitó. Pues bien, como digo no cambiaría nada de lo qué ya escribí, pero últimamente me preguntaba si no sería interesante hacer que artículos escritos hace tiempo se actualizasen. Y me he puesto manos a la obra con Sara, como no podía ser de otro modo. Porque cuando hacemos referencia a un lugar, a un rincón que nos resulta entrañable o a un pueblo que hemos visitado y que ha quedado en nuestra retina, esos recuerdos abarcan todo lo que ellos contienen y nosotros seguimos teniendo la suerte de que aquí siga esa “paleta potente y ese trazo sinuoso”. Si visitáis Hondarribia y en una esquinita os sorprende un resplandor rojizo del que sale un pincel que no cesa de repartir colores… ni lo dudéis! Ahí está Sara dando color a nuestro paisaje y a nuestras vidas. 





Os remito al artículo que en su fecha escribí y al que ahora añado más color si cabe, trayendo más lienzos de Sara hasta aquí para que nuestros ojos bailen con esa luz que en ocasiones es difícil pensar que las saca  de nuestras brumas. 

No obstante, tengo que hacer una puntualización. En el artículo yo escribía lo que Sara me transmitía, aún no habiéndola tratado demasiado. Pues bien, ahora puede decir que en estos años me he acercado mucho más a su persona y puedo asegurar que aquello que me transmitió en una primera impresión se ha confirmado con el tiempo. Una prueba más de su autenticidad, de la suya y de su arte, porque ambos son inseparables en Sara.  




Artículo de fecha 23.04.2009

…”Yo siempre he pensado, y más aún cuando impartía clases de cerámica en las escuelas, que debería de existir una asignatura para enseñar a “Ver el Arte”. Con esto no quiero decir que nos tienen que enseñar a “entender” el arte. El arte no se entiende, sencillamente se siente. Lo que si se debería de aprender es a saber discernir. A saber qué es exactamente eso que nos “mueve” y “emociona” cuando estamos ante una obra de arte y sobre todo aprender a no “tragar” con todo aquello que nos imponen los medios y la publicidad y que en ocasiones hacen que casi aceptemos como arte algo que no lo es.






En esa asignatura para Ver el Arte, yo incluiría saber mirar a nuestro alrededor, cerca de nosotros porque en muchas ocasiones estamos rodeados de artistas y nos vamos fuera en busca de algo que tenemos al lado. Por eso siempre he sido aficionada a recorrer exposiciones y ferias de artesanía, para ver aquello que crean los artistas que son mis vecinos. Y os puedo asegurar que se encuentran muchas sorpresas.





Sara Otaño vive en este rincón del Bidasoa desde donde suelo escribir. He seguido su obra y puedo decir que desde que observé sus primero cuadros me di cuenta que su pintura poseía una factura que la hacía inconfundible. Con esto no quiero decir que no haya evolucionado, sino que su pintura, dentro de una evolución que la ha llevado a una madurez, no se puede confundir con otra. Encuentro ahora su trazo más enérgico y seguro pero sin que haya perdido su suavidad y movimiento. Sí, la pintura de Sara es, como digo al principio, sinuosa, y potente. Porque potente sin duda es el color de sus cuadros, la energía que irradian y sobre todo que trasmiten. Son cuadros con alma y son cuadros como ella misma.




 

En una ocasión me dijeron que el artista se expresa con su obra tal como es. Al observar la obra de Sara, yo diría que es así. No la he tratado personalmente, pero su físico trasmite mucho de su obra o su obra mucho de su físico. En un cuadro de Sara Otaño yo encuentro fuerza y suavidad a la vez. Suavidad en el trazo y fuerza por sus colores que emborrachan. Una pintura que no deja indiferente.




 

En estos días en que la primavera se muestra perezosa para dejarnos luz y color creo que no hay nada mejor que recrearnos en la pintura de Sara para que nos llene de energía el cuerpo y de calidez el alma.





Os dejo una pequeña prueba de ello y os recomiendo que si en algún lugar encontráis su obra expuesta no perdáis la ocasión de disfrutarla”…





Fuentes Utilizadas: archivo propio.
Para la fotografía: las mismas






NOTA:
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domingo, 10 de mayo de 2015

EL ARTISTA. EL ESPACIO. LA CREATIVIDAD A DEBATE



Hoy vamos a debatir, filosofar, o simplemente intercambiar opiniones.
Cuántas veces hemos escuchado las frases “es un artista” o “yo, es que no soy un artista”. Infinidad de veces.
En muchas ocasiones yo he pensado si se trata o no de una frase hecha. De esas que hemos oído y que hacemos nuestra y repetimos sin detenernos a pensar exactamente qué quiere decir o el significado que conlleva.

DE LA TIERRA . CREADOS CON LAS MANOS


Parto de la base de que para mi, Artista y Arte está íntimamente unido a Creatividad. Y digo esto porque muchas personas ignoran que son creativas y sobre todo ignoran que la creatividad se puede potenciar.


CREANDO CON OTROS MATERIALES. PAPEL

Sería equívoco creer que por el hecho de que arte y creatividad estén unidos, la creatividad solo está presente en aquellos que ponen en práctica una serie de disciplinas o de actividades artísticas. Nada más lejos. La creatividad y el arte no es patrimonio de un grupo selecto de personas ni siquiera de aquellos que ejercen una determinada actividad o profesión.


 ORIGINAL CREACION EN MADERA


Bien es cierto que hay personas que son más creativas que otras, pero como apunto, la creatividad es algo que se puede y se debe potenciar y trabajar. En una palabra debería ir unida a la educación.

Hoy en día en que tantas veces nos dan “gato por liebre”, es muy fácil dejarse arrastrar por lo que escuchamos, leemos o vemos. Por aquello que “nos meten por los ojos”. Tristemente, no solo hemos perdido la capacidad de crear, hemos perdido también la capacidad de ser críticos. 


 PIEZAS DE CERÁMICA

Todos hemos creído en ocasiones que tal o cual persona era una artista por el mero hecho de que así nos la han “vendido”. Tal pintor o escultor se pone de moda y todos, absolutamente todos lo consideran un artista y nosotros, totalmente anulada nuestra capacidad de crítica, también lo consideramos así.

Igualmente, tendemos a colgar el título de artista a cualquiera por el mero hecho de realizar alguna actividad artística. Se puede dominar bien una técnica como pintura, escultura, u otra cualquiera y no ser en absoluto un artista por carecer de creatividad. Hay muchos “artistas” que más allá del dominio de la técnica no crean, y por el contrario, artistas en potencia cuya creatividad está en ebullición constantemente.


MIMBRE PIEDRA NATURALEZA.DECORACION CREATIVA


Hay miles de personas que sin saberlo son artistas porque son creativas, incluso me atrevería a decir que hay personas que son creativas en todas y cada una de las actividades que ejecutan a lo largo del día. Sí amigos, se puede ser creativa en cualquier acción cotidiana que realizamos todos y cada uno de los días de nuestra vida.

Tenemos multitud de ejemplos que así nos lo demuestran.
Posiblemente el que voy a exponer ahora no sea el idóneo porque vais a responderme que se trata de un espacio propicio puesto que se encuentra repleto de obras artísticas y por tanto va a potenciar la creatividad del que lo gestiona., pero encuentro importante traerlo como ejemplo porque en muchas ocasiones, aún siendo un lugar en el que el Arte está presente en todas sus disciplinas, si la persona que debe gestionar ese espacio no es suficientemente creativa para hacer buen uso de él ,“obscurece” el contenido. 


 BUEN USO DE UN PEQUEÑO ESPACIO


Recientemente he tenido el placer de conocer este espacio creado por alguien al que yo llamaría artista y que posiblemente no haya realizado con sus manos ninguna obra en su vida, pero ha logrado con su especial sensibilidad aglutinar trabajos de varios creadores totalmente diferentes y lo ha logrado con armonía y gusto. A eso yo también llamo crear. A eso me refiero cuando digo que hay personas que están en constante creatividad, en su día a día.

 Un espacio se puede convertir en un entorno en donde las obras resalten y brillen con luz propia, aun siendo todas totalmente diferentes. Del mismo modo un espacio si está siendo utilizado por una persona carente de sensibilidad artística y creatividad puede echarse a perder y con él todo el contenido. Contenedor y contenido van íntimamente unidos. La prueba la tenemos en  los buenos resultados obtenidos con una exposición, museo o galería de arte cuando detrás hay un Comisario que reúne unas buenas cualidades creativas.


EL CREADOR REALIZA EL BOCETO


Otro lugar en dónde los creativos pueden dar rienda suelta a su potencial es la misma urbe. ¡Qué mejor lugar que las calles de nuestras ciudades para ser soporte de las obras artísticas! Tenemos un lugar aquí en nuestro país que nos muestra lo que pueden hacer los auténticos artistas en un espacio abierto. El entorno que se encuentra alrededor del Museo Guggenheim sufrió una transformación que influyó en toda la capital. Un milagro debido no solo a la obra arquitectónica sino a las múltiples creaciones que han ido proliferando alrededor. Transformar un espacio urbano es también obra de creadores. El arquitecto pone el edificio pero miles de manos obran el milagro de crear un entorno propicio para educar en el Arte utilizando el espacio libre. 

 MURAL DE DIEGO RIVERA. ARTE EN LA CALLE


Precisamente en este blog dediqué una entrada (23.11.2011) a la importancia de que el Arte, y los creadores, no tengan muros, ni puertas cerradas, a la importancia de que la creatividad esté en la calle al alcance de todos, de que la cultura sea patrimonio del ciudadano. 


 ESPACIO EFÍMERO PARA EXPOSICIÓN (ESTUDIO SAANA)


Si hablamos de creatividad y creadores sin muros y sin fronteras no podemos dejar de nombrar a todos aquellos artistas que elaboran lo que se ha dado en llamar un arte efímero. (Este blog 19.6.2012). ¿Puede haber mayor muestra de creatividad? Impresiona cuando vemos salir de las manos de un artista obras que apenas van a permanecer en el tiempo. Es la generosidad del creador que nos hace partícipes de su destreza llevándola a pie de calle para que todos podamos disfrutarla. 


DIBUJO DE JULIAN BEEVER.ARTE EFÍMERO EN LA URBE


Es imprescindible también mencionar las culturas ancestrales. Cuándo el día a día de los pueblos primitivos era una lucha para sobrevivir, la creatividad estaba presente en la vida cotidiana. De la mañana a la noche el hombre estaba en perpetua creación y descubrimiento. No olvidemos que había una simbiosis total entre el hombre, la naturaleza y las creencias en seres superiores.


 VASIJA PARA CEREMONIA. CULTURA MOCHICA

El crear un recipiente para comer o para una ofrenda religiosa suponía realizar una pieza de Arte. El textil, el barro, el metal, eran utilizados para realizar utensilios que servían para el uso doméstico y también para el religioso o guerrero.


PECTORAL CULTURA MOCHICA


La creatividad estaba presente en estas culturas que además tomaban como maestra a la propia naturaleza. Estos pueblos fueron artistas en estado puro.

Todo esto es un debate imprescindible y que debería estar presente en la educación. Sería deseable que se potenciara la creatividad de nuestros jóvenes de la misma forma que se potencian las ciencias u otras materias. Y que se les eduque en la importancia que tiene el arte y la creatividad en nuestra vida cotidiana, en nuestras casas, en nuestros quehaceres diarios, en nuestras calles. De esa forma arte y creatividad estarán en perfecta simbiosis con la educación y con nuestras vidas.

Y os puedo asegurar que es algo que además de hacer la vida más bella, también la hace mucho más plena y nos convierte en personas mucho más satisfechas. Personas con un grado alto de cultura, algo que estimula nuestra autoestima, muy necesaria siempre, pero mucho más en los tiempos que corren.

Algunas de las obras que aquí aparecen, así como el espacio que las contiene, los encontré o me encontraron a mí en el pueblo de St Jean de Pied de Port, en el País Vasco-Francés, en pleno Camino de Santiago. Un espacio que cumple a la perfección, con lo que yo creo que debe ser un lugar para la creatividad, un espacio que sin ser un museo, ni una gran galería, es un lugar creado con mimo para que el contenido luzca con todo su valor. 


 SENCILLEZ PARA GRANDES OBRAS


Otras de las obras que he traído hasta aquí las podemos admirar gracias al uso público de los espacios. Es una forma de educar en el Arte, simplemente utilizando de forma creativa los espacios al aire libre, tanto urbanos como en la naturaleza. El uso de ambos de forma respetuosa, educa doblemente, en el aprendizaje del Arte y en el respeto a nuestro entorno. 



EL CREADOR Y LA NATUALEZA. CONSTRUCCION VACIA.OTEIZA

Todo lo que aquí admiramos, tanto las obras que están en un recinto cerrado como las que han salido al exterior, y los espacios que las contienen, forman parte de nuestra cultura gracias a unas manos y unas mentes de artistas que con su trabajo potencian nuestra creatividad.




NOTA:
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Fuentes utilizadas: fotografías del catálogo del espacio “Fabrikagarazi”, fotografías de anteriores entradas de este blog.
Texto: creación propia

miércoles, 25 de marzo de 2015

PAUL DELVAUX, surrealismo en estado puro






Han sido muchas las artistas surrealistas que han pasado por este Blog (Khalo 1.4.10, Fini 27.3.10, Carrignton 23.3.10, Varo 14.3.10, Mallo 8.3.10). Siempre he pensado que la mujer artista ha estado doblemente marginada, e incluso que ha “trabajado”, en ocasiones, para su compañero llevándose éste sus triunfos. También sucedió así en el gran movimiento que fue el Surrealismo porque no podemos olvidar que el movimiento en sí abarcó mucho más que la pintura Fueron pintores, escultores, escritores, en una palabra una revolución dentro del mundo del Arte por el que pasarían muchos de los artistas en busca de nuevos caminos. Unos simplemente estuvieron de paso y continuaron hacia otras experiencias y otros se quedaron. Entre esos, algunos aparecen en la Historia del Arte con esa etiqueta, la de maestros del surrealismo. 




Que diera preferencia a las mujeres surrealistas no quiere decir que no tuviera previsto detenerme en otros grandes artistas del movimiento y de hecho por aquí han pasado, entre otros, surrealistas muy nuestros como Oscar Domínguez (entrada 2.12.12) pero ahora encuentro una ocasión idónea para que disfrutemos de este gran maestro del surrealismo belga. Y me diréis ¿por qué ahora?



La oportunidad otra vez nos viene dada de la mano del Museo Thyssen de Madrid. Si en la anterior Entrada me hacía eco de la exposición de Dufy, ahora puedo enlazar con ella porque en las mismas fechas encontramos allí más de 50 obras del pintor belga Paul Delvaux.


SOLEDAD 1955

Así que doble oportunidad en el Museo y buena ocasión para escribir aquí un poco sobre él y sobre este movimiento en la pintura porque sin duda delante de un cuadro de Delvaux, nos encontramos delante de un surrealista puro.

Cuando se habla de Surrealismo a nivel popular o divulgativo, enseguida pensamos en Dalí y apenas en otros artistas así que encuentro muy interesante la figura de Delvaux porque junto a Magritte, son representantes importantes de la pintura surrealista en general y de la belga en particular. 



EL RETIRO1973

Influenciado por De Chirico,(este blog 18.7.10) como más de un surrealista, pero sobre todo por Magritte, y también al igual que él, de nacionalidad belga, Delvaux nació en Abthit,(Bélgica) en 1897, es decir, un solo año le separaba de aquel que fue su modelo en el surrealismo.
Si bien tuvo una primera etapa influenciada por el expresionismo, pronto descubrió el surrealismo de la mano de los ya citados Giorgio de Chirico y Magritte. Estos dos artistas van a ser su influencia mayor, aunque el estilo de Delvaux será inconfundible. 


 EL DESPERTAR DEL BOSQUE 1939

En su mundo un tanto onírico, las figuras que vagan como soñando, la mayoría de género femenino, se ofrecen frías y sensuales. La exposición que llega al Museo Thyssen lleva como título “paseo por el amor y la muerte” y ciertamente resulta interesante observar las dos exposiciones que transcurren paralelas en el citado museo.


 LA VENUS DORMIDA 1944


Por un lado, la obra optimista de Dufy (anterior Entrada en este blog) y por otro, la de un pintor como Delvaux que, además de resultar mucho menos colorista, expresa con su pintura un mundo totalmente diferente, introvertido, oscuro y que nos aproxima al mundo de la muerte. Repito, creo que es muy interesante la confluencia de estas dos muestras. 


 PAREJA DE MUJERES

Seguimos analizando los temas de este artista. Tenemos la muerte, pero también el amor y sobre todo la mujer. Algo que está presente en su obra, como está muy presente la Arquitectura. Será esto la influencia de De Chirico? No se menciona en lo que yo he podido leer sobre su obra pero yo me atrevería a decir que sí. 


PIGMALION 1939


Otro tema presente en su pintura son los esqueletos, que curiosamente, son armazones de los cuerpos, de la misma forma que la arquitectura nos evoca armazones en sus construcciones...
Los trenes también aparecen en muchos de sus lienzos, posiblemente recuerdo de su época infantil cuando los tranvías eléctricos comenzaron a moverse por Bélgica. 



EDAD DEL HIERRO 1952


Yo en la pintura de Delvaux veo oscuridad y tristeza. No es una pintura que despierte alegría, más bien parece querer esconder vidas misteriosas y poco felices, incluso sus figuras etéreas y algo más luminosas me llevan a evocar un cierto surrealismo literario o más aún el realismo mágico de muchas obras de los grandes escritores latino americanos, pero no de forma optimista o alegre. 


 MUJER ANTE EL ESPEJO


Sus figuras son un tanto hieráticas y aunque nos muestran abundantes desnudos femeninos estos quedan bastante lejos de despertar pasiones, más bien todo lo contrario, expresan una belleza fría. Pero es una apreciación muy particular. Como bien sabéis, el Arte cada uno lo “lee” y lo siente de forma diferente.


 EL ALBA SOBRE LA CIUDAD 1940 


Pero algo que no podemos negar es que la técnica de Delvaux es perfecta y muy bella. Y es que el artista fue un hombre de una amplia y rica formación. Estudió pintura, arquitectura, música, griego y latín y toda esta formación se plasmó en sus pinturas en donde podemos encontrar escenas de mitología y donde la arquitectura está bien presente. 


 AMANECER 1943


Es habitual en su obra encontrar que esas mujeres etéreas se desplazan semidesnudas por jardines clásicos rodeados de edificios y templos griegos.
Fue una persona trabajadora e introvertida. En su primera etapa, antes mencionada, pintó casi 80 cuadros de marcada influencia expresionista.


 LAS FASES DE LA LUNA 1942

Sería en 1934 en una exposición conjunta de Dalí, Miró, Balthus (este blog 11.9.10) y sobre todo de obras de Magritte, cuando se operaría en él el cambio que le llevaría a ser el pintor surrealista que conocemos. Un año antes, en 1933 había comenzado ya un gran  cambio debido a la influencia del metafísico De Chirico a quién había conocido unos años antes. Se dice que  destruyó toda la obra realizada anteriormente a esa fecha.


 CRUCIFIXIÓN 1954


La década de los treinta fue de gran estudio e inspiración para Delvaux. Visitó frecuentemente la Feria de Bruselas en donde en el Museo de curiosidades médicas se mostraban figuras de esqueletos mecanizados, un espectáculo que probablemente le proporcionó una gran base para su obra. De esa década data también la gran influencia de la obra de Magritte. 


 VIADUCTO

Delvaux nunca negó las influencias de la obra de otros pintores en la suya propia. En más de una ocasión habló de la sensación que le transmitían las calles y personas que se podían ver en la obra de De Chirico y curiosamente nunca se consideró un pintor surrealista a pesar de que estuvo integrado en el grupo de los surrealistas belgas. 

Lo cierto es que con la influencia de unos y con un intenso trabajo personal, logro un estilo propio muy cercano a ese “realismo mágico” que anteriormente menciono al que permanecería fiel durante toda su carrera profesional y que daría a su obra una factura inconfundible.

En 1982 se inauguró en San Idesbaldo (Bélgica) un museo dedicado a su obra.

En 1986, y como consecuencia de una progresiva perdida de vista fue dejando de pintar.

La obra de Delvaux se conserva en los mejores museos del mundo. En la Tate Gallery de Londres, en el de Arte Moderno de París, en el MOMA de N.York y en España, en dónde se puede visitar ahora la mencionada exposición, permanece expuesta obra de Delvaux permanentemente.
Su última gran retrospectiva se realizo en 1992 en París. 

Paul Delvaux murió a los 96 años en Bélgica.

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FUENTES UTILIZADAS: Surrealismo, Cathrin Klingsöhr-Leroy (Edit.Taschen),Historia Visual del Arte, Claude Frontisi (Edit.Larousse), Wikipedia en a Red.
PARA LA FOTOGRAFÍA: Las mismas