HENRY MOORE. Arte sin aristas.

La primera vez que admiré una obra de Moore quedé impresionada ante una grandiosidad tan suave. Nunca había percibido la redondez tan monumental, o la monumentalidad tan redonda. Siempre me habían resultado difíciles de visualizar estas dos características juntas y las tenia “ensambladas” allí delante, en la realidad, no en una fotografía. Fue hace muchos años en una exposición en Buenos Aires. Desde entonces cuando veo obras de Moore, aun estando sobre papel, las veo mucho más reales y grandiosas todavía.

EL ARTE EN LA NATURALEZA

Henry Moore (Reino Unido 1898-1986) comenzó sus estudios artísticos después de la Primera Guerra mundial. En 1919 ingresó en el Royal Collage de Art con una beca. Su interés por la escultura arcaica le llevó a frecuentar el British Museum y a viajar por Italia, Francia y España. Fue profesor entre 1925 y 1932 en el Royal Collage y entre 1932 y 1939 en la Escuela de Arte de Chelsie.

En esa época ya tenía estudio propio y lo más importante, ya se había forjado un estilo que le iba a caracterizar. Rechazaba la búsqueda de la belleza al estilo clásico o del Renacimiento y buscaba más expresar una energía interior. Entre sus temas preferentes: las figuras recostadas y la maternidad a los que fue añadiendo grupos familiares, combinando la figura humana con formas abstractas. Esa figura humana es contundente en su obra. Y en lo referente a los materiales, no se puso límites. Trabajó madera, piedra, bronce, cemento y terracota.

MUJER RECLINADA

Su obra está muy influenciada por las culturas americanas (estudió escultura mexicana y el arte de las tribus primitivas) pero también por el Egipto antiguo. En toda ella se ve el “arte de lo primitivo. En opinión de sus estudiosos la influencia de las culturas sumeria, egipcia, precolombina, africana y oceánica es intensa y evidente.

En sus primeras obras, hasta 1930, se subraya el bloque sólido y la técnica de la talla directa. (dios tolteca de la lluvia en 1929). Sería después de esta fecha cuando comienza una nueva evolución. En 1930 realiza una “Figura reclinada” que ha perdido su frontalidad masiva y ofrece vistas desde distintos ángulos y permite la aparición de cavidades y ya en 1934, Moore “excava” cavidades en los materiales.

A partir de 1940, cavidades y masas muestran prácticamente la misma importancia, complementándose en forma y espacio.

MUJER RECLINADA

Moore no fue muy conocido fuera de su país hasta mediados de siglo cuando el Premio Internacional de Escultura de la Bienal de Venecia, recibido en 1948, lo proyectó a nivel internacional. En lo sucesivo recibiría innumerables encargos. Su obra al ser expuesta en muchos espacios públicos, le “obligó” a aumentar el tamaño de sus esculturas.

REY Y REINA

Fue elegido miembro del consejo de la Tate Gallery y el Museo de Arte Moderno celebró la primera gran retrospectiva en 1946.

En la década de 1970 viajó a Canadá e Italia y en 1974 abrió el Henry Moore Sculpture Center en Ohio.

HENRY MOORE en CHICAGO.

Sus obras pueden ser admiradas en el edificio de la UNESCO en París, o en el Centro de Arte de Lincoln en Nueva York, así como en muchos espacios públicos y museos de todo el mundo. El museo de “Bellas Artes de Ontario”, ubicado Toronto, posee una de las mas grandes colecciones de esculturas de este artista.

OBRA en el MUSEO BELLAS ARTES de ONTARIO

Henry Moore fue referente para muchos escultores y podemos ver su influencia en la obra de algunos de ellos como en la de su compatriota Barbara Hepworth (entrada en este blog día 18 de octubre).

Hoy, 6 de noviembre de 2015,  llega a mi buzón privado, la nunca demasiado alabada revista “hoyesarte” (en la columna de la derecha del Blog tenéis el link) que nos comunica la grata noticia de la “visita” de la obra de Henry Moore a Pamplona.

La Obra Social "la Caixa"y la Fundación Caja Navarra, en colaboración con la Henry Moore Fondation y el Ayuntamiento de Pamplona, presentan seis esculturas monumentales del maestro inglés en el Paseo de Sarasate del 03 noviembre 2015 al 10 de enero 2016

Museo al aire libre

…”En 2006 vio la luz el programa Arte en la calle, desde entonces se ha acercado al público las creaciones de artistas contemporáneos como Manolo Valdés o Igor Mitoraj, así como referentes de la modernidad como Auguste Rodin.
Las obras interactúan con el entorno, por afinidad o por contraste, y provocan un gran impacto en las personas que las descubren por primera vez. Con este espíritu, las exposiciones cumplen una función social: son una herramienta de conocimiento y de integración al alcance de todos.

 

La única visita de Moore a España fue en el verano de 1934, en ocasión de unas vacaciones en motocicleta con su esposa Irina y sus amigos Raymond y Edna (Gin) Coxon. Entraron en el país desde Francia, llegaron a Pamplona y tomaron la carretera de la costa en dirección a las cuevas de Altamira, que Moore describió como la “Real Academia de la Pintura Rupestre”. Después visitaron Madrid, Toledo y Vic. Aunque Moore nunca más regresó a España, el país y su arte tuvieron un significado muy especial para él durante toda su vida.

Al igual que muchos artistas de su generación, Moore contempló horrorizado los sucesos que ocurrieron en España poco después de su visita. Nunca antes en toda su trayectoria artística había hablado tanto sobre política, y su compromiso con la difícil situación que estaban atravesando los españoles se reforzó tras la visita que realizó al estudio de Pablo Picasso en París en 1937, donde tuvo la oportunidad de contemplar los avances del Guernica. Dos años después, Moore hizo su primera litografía, Prisionero español, con la intención de venderla para ayudar a los prisioneros de guerra republicanos retenidos en los campos de refugiados de Francia.

En 1981 se organizaron importantes exposiciones de la obra de Moore en la Fundación Miró de Barcelona y en el Palacio de Velázquez de Madrid, y en el año 2006, en CaixaForum Barcelona. La reina doña Sofía visitó a Moore en su casa de Perry Green (Inglaterra) en 1983….”

Las fotografías que he añadido a la información enviada por "hoyesarte" se corresponde con algunas de las esculturas ya instaladas en la capital navarra.

Una buena razón para visitar esta hermosa ciudad tan llena de historia.


Y otra buena noticia que nos llega en estas fechas veraniegas de 2016.

La Capitalidad Europea de la Cultura 2016, otorgada a Donostia-San Sebastián, y en la que ya estamos inmersos, nos da la oportunidad de admirar en el Paseo de la Zurriola de la capital, las obras de Henry Moore. Un entorno de excepción para la obra excepcional de este artista. 

Me agrada en extremo el poder dar esta noticia, no sólo por ser Donostia una ciudad en la que la obra de un artista como Moore tiene un lugar idóneo para ser expuesta, también porque los que seguís estos Encuentros sabéis de la gran defensa que he hecho siempre de situar el Arte en la Calle (este blog 23.11.2011), lugar en el que debe de estar para educar y para poder ser compartido por todos los ciudadanos.

 

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Fuentes consultadas:

Archivo propio.

Arte del Siglo XX. (Ruhrberg.Schneckenburger.Fricke.Honnef)

Historia del Arte (E.H.Gombrich)

Fotografía: Archivo propio y la misma red.

CONSTANTIN BRANCUSI, una mirada diferente sobre su obra.

Nació Brancusi en una aldea de Rumanía en 1876. De padres labradores. Se dice que su padre le maltrataba y sólo tuvo relación con su madre y con su hermana. El artista siempre dijo que su padre le pegaba porque había deseado “una hija”. A los 11 años logró escapar de casa, algo que ya había intentado en otras ocasiones. Con este comienzo podemos decir que casi es imprescindible un estudio de la obra del genial artista desde una mirada Psicológica. Bien es cierto que no somos expertos en el tema, pero sin lugar a dudas, el conocimiento de la infancia de Brancusi va a hacer que nuestra mirada se dirija a ella en más de una ocasión cuando observamos su obra.

De niño, trabajando en tareas pastoriles, aprendió el arte de la talla, arte muy popular en su país, un arte que siguió perfeccionando mientras se pagaba las clases con un trabajo de sirviente en una tienda.

Brancusi estudio en la Escuela de Bellas Artes de Bucarest y en la Ecole de Beaux-Arts de París y en 1903 realizó su primer encargo: un busto del general rumano Carol Davila. Trabajó un tiempo con Rodin en 1907 y las obras de esa época muestran clara influencia de este escultor, pero poco tiempo después ya se ve en él su propio estilo geométrico que le llevó hacia una abstracción en la que predominaría la forma ovoide.

"RECIÉN NACIDO"

No se alineó el escultor a ninguna tendencia artística, sólo se preocupaba por buscar la forma primaria del objeto y de plasmarla plásticamente transmitiendo, no solo su forma exterior, sino su esencia misma y sería él, Brancusi, el que iba a influir en otros muchos escultores

No obstante, aún en su abstracción, su obra va a llevar siempre intrínseca las raíces de sus orígenes rumanos. La influencia del folklore o los antiguos mitos se van a ver reflejados en ella en más de una ocasión.

"DONAIRE"

Su trabajo comenzó a ganar reconocimiento a partir de 1912 cuando el Salón Oficial de Bucarest le otorgó el primer premio de escultura y cuando participó en el Salón de los independientes en París. En 1913, presentó su obra de vanguardia en Nueva York, Chicago y Boston.

"COLUMNA SIN FIN"

En 1914 inició una serie de esculturas en madera en las que se ve la influencia de ese arte popular del que hablábamos: “El hijo pródigo”, la “Columna sin fin” o el “Pájaro”.

"PAJARO"

Sus “Aves” podrían interpretarse como imágenes propias y además de aves de gran tamaño, realizó “Gallos” y “Pajaritos”. Tanto unos como otros eran abstractos, pequeños y se van haciendo más grandes. El último “Gallo” realizado en 1949 alcanza 76,5 m de altura. Es una imagen fálica de alguien que asciende hacia el cielo.

"EL BESO"

“El Beso” es una de las más conocidas esculturas de este artista. En esta escultura, la figura masculina se parece al propio artista. Años más tarde Brancusi dibujaría un “Beso” en sus tarjetas de visita indicando que se había convertido en su emblema personal. Reelaboró el tema del Beso en muchas ocasiones y a medida que lo desarrollaba, las figuras abrazadas se fueron fundiendo en un bloque rectangular.

Nos hace recordar que la idea que tenía Miguel Ángel de una escultura: extraer la forma que parece encerrada en el bloque de mármol y dar vida y movimiento a sus figuras conservando al mismo tiempo el perfil simple de la piedra.

A partir de 1924 se puede decir que su reputación como uno de los grandes artistas de su siglo quedó establecida

Se le concedió el honor de participar en importantes exposiciones por todo el mundo. En 1955 se presentó una retrospectiva de toda su obra en el Museo Guggenheim de Nueva York.

En 1952, Brancusi obtuvo la nacionalidad francesa y donó su taller con un contenido de casi cien esculturas al Museo de Arte Moderno de París. Murió en esta ciudad en marzo de 1957.

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

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Fuentes consultadas:

Historia del Arte (E.H.Gombrich)

Arte y psicoanálisis (Laurie Schneider Adam)

Archivo propio.

Fotografía: archivo propio y la misma red

JORGE OTEIZA y SÁENZ DE OIZA, la unión de dos artistas

Pionero de la escultura abstracta, Jorge Oteiza (Orio, 1908- Donostia 2003) pasará a la Historia del Arte de este siglo por sus logros escultóricos y por sus reflexiones teóricas en torno al espacio.

Nació en el seno de una familia acomodada. En 1927 se trasladó a Madrid con la idea de estudiar arquitectura, pero por razones burocráticas se matriculó finalmente en medicina, carrera que abandonó al tercer año para apuntarse en la Escuela de Artes y Oficios. No obstante, la asignatura de Bioquímica despertó su interés por la escultura y por la experimentación de lo que el definió como “biología del espacio”. Fue también en Madrid donde se acentuó, desde posiciones sociales y de izquierdas, su conciencia de identidad vasca.

"LA OLA" 1996 - Plaza dels Angels. Barcelona

En 1935 viajó a Sudamérica, iniciando un largo periplo que le llevaría por Argentina, Chile, Colombia y Perú. En los casi quince años que estuvo en tierras americanas Oteiza no dejó terreno por explorar: profesor en la Escuela Nacional de Cerámica de Buenos Aires, participó en Santiago de Chile en la creación del teatro político experimental, tomó parte en movimientos de vanguardia como el cubismo y el constructivismo, estudió con devoción la escultura megalítica de las culturas amerindias y además, conoció a la que fue el gran amor de su vida, Itziar Carreño, con la que se casó en 1938.

En la década de los cuarenta comienza a introducir oquedades en sus esculturas. Esas exploraciones sobre el hueco y el volumen en la línea del gran escultor británico Henry Moore, serían las semillas que servirían para sus posteriores producciones.

En 1948 regresa de América y su energía vital encauzó el debate y la renovación del Arte Vasco. Es autor de numerosos textos y ensayos que influirían en generaciones posteriores de escultores, entre ellos Néstor Basterretxea. Los escritos de Oteiza plantean cuestiones básicas del Arte y la Escultura del Siglo XX.

"HOMENAJE A MALLARMÉ"

De fuerte personalidad y polémico en sus críticas, dirigidas sobre todo contra el encasillamiento del poder cultural institucional, su carácter no ayudó a la promoción de su obra.

Su obra se aproxima a lo primitivo en el sentido religioso y moral, combinando lo arcaico con lo vanguardista. En ella emplea tanto la piedra como el hierro. Aunque evolucionó hacía lo abstracto tempranamente, sus primeros trabajos fueron de tipo figurativo. El cuadrado y la esfera son para Oteiza las figuras básicas de su reflexión sobre la relación entre espacio y volumen.

"VARIANTE OVOIDE, DESOCUPACIÓN DE LA ESFERA"

A mediados de los 50 alcanza su madurez artística y entre 1958-59 finaliza su obra escultórica con sus conocidas “Cajas y Esferas Vacías”, recibiendo en 1957 el Premio Internacional de Escultura de la Bienal de Sao Paolo.

La escultura que le valió ese premio “Construcción Vacía” (encabeza la entrada de hoy) fue colocada por el Ayuntamiento de San Sebastián unos años antes de morir el genial artista, en el Paseo Nuevo de la capital donostiarra. Como anécdota mencionar que en el otro extremo de la Bahía, en la lejanía, se encuentra otra obra emblemática, “El peine del viento”, del escultor Eduardo Txillida. Cada una en una esquina, parecen mirarse y hacen de broches a la bella bahía de Donostia.

Autor de numerosas obras, realizó entre 1947-1971 las polémicas esculturas para la Basílica de Nuestra Señora de Aránzazu.

" BASILICA DE NUESTRA SEÑORA DE ARÁNZAZU"

El Santuario de Aranzazu, se encuentra en el municipio de Oñate, en Gipuzkoa y en él se venera a la patrona de esta provincia. La ubicación del Santuario es excepcional. A los pies de las campas de Urbia, en medio de barrancos, montes rocosos y pequeños ríos que van a perderse en el fondo del valle, a 700 metros de altitud y colgado sobre el valle.

Se comenzó a construir en 1950, se abrió a la liturgia en 1955 y se consagró en 1969. La Basílica destaca por la conjunción del Arte del Siglo XX y la religiosidad.

Se construyó sobre la antigua iglesia que había sido levantada en el Siglo XIX, después de ser destruida por un incendio en 1834. Bajo la actual construcción, la antigua basílica actualmente convertida en una cripta, recoge una vanguardista obra pictórica.

El atrevimiento de los diseños de los artistas que intervinieron en su construcción llevó a la paralización de la misma durante casi 15 años. Fue la apertura que supuso el Concilio Vaticano II la que permitió que se pudiera llevar a buen fin la obra.

El Proyecto es de los Arquitectos Sáenz de Oiza y Luís Loarga y junto a ellos intervinieron, Jorge Oteiza para la fachada principal, el pintor Lucio Muñoz para decorar el Ábside, el escultor Eduardo Txillida para las puertas, Fray Javier María de Eulate para las vidrieras y Néstor Basterretxea para la decoración de la cripta.

"LOS APÓSTOLES"

A nivel de la calzada queda el friso de los Apóstoles de Oteiza. Catorce figuras de piedra que al igual que las dos que forman parte de la representación central, pesan entre cuatro y cinco toneladas.

La obra de la Basílica ha recibido el reconocimiento internacional y obtenido numerosos premios importantes. En 1963 el Colegio Vasco-Navarro de Arquitectos le concedió el Premio Juan Manuel Aizpurua.

En este gran proyecto Jorge Oteiza conoció al arquitecto que más adelante llevaría a cabo un edificio soñado por el artista, el Museo Oteiza, proyectado por el que ya sería su amigo, Sáenz de Oiza.

Francisco Javier Sáenz de Oiza - Cáseda (Navarra) 1918-Madrid 2000

Licenciado por la Escuela de Arquitectura de Madrid, en 1946 recibe el “Premio Aníbal Álvarez” al mejor expediente académico y ese mismo año gana el Premio Nacional de Arquitectura. En 1947 viaja para ampliar sus estudios a EEUU con la Beca de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

En 1949 vuelve a España y trabaja en la Escuela de Arquitectura de Madrid en dónde logra una cátedra. Entre 1981-1986 es director de la Escuela. Después de su jubilación continuaría como profesor emérito de la misma.

Fue Maestro de arquitectos, en la Universidad y en su Estudio, por donde pasaron arquitectos como Rafael Moneo entre otros.

"MUSEO OTEIZA" Alzuza (Navarra)

El Museo Oteiza, está situado en el entorno rural de la localidad navarra de Alzuza, a 9 kilómetros de Pamplona.

Sáenz de Oiza proyectó un gran cubo de hormigón rojizo, integrando en él la vivienda ocupada por Jorge Oteiza durante dos décadas. Hasta su domicilio en esta localidad navarra, trasladó el artista su biblioteca personal, sus manuscritos, las esculturas y maquetas creadas a lo largo de su extensa trayectoria artística, así como el “Laboratorio de Tizas” una de las aportaciones que se encuentran en el Museo.

"CAJA METAFISICA"

El Museo se centra en la difusión de la Obra de Oteiza y el singular edificio se creó, además de para albergar la obra, para acoger las investigaciones experimentales de Oteiza y la significación metafísica y espiritual de su creación.

Su ejecución representa el reencuentro definitivo del legado de Jorge Oteiza con el testimonio último de Sáenz de Oiza, dos autores fundamentales en la evolución de la escultura y la arquitectura contemporánea, amigos y colaboradores.

Jorge Oteiza fue también autor de ensayos, poemas, y un volumen con textos y aguafuertes donde reflexionó sobre el arte. Entre los numerosos premios que recibió el escultor se encuentra el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. 1988 se le otorgó

Falleció a la edad de 94 años.

A fecha de hoy, 15 de octubre de 2011, nos llega la noticia del premio otorgado al Proyecto Pedagógico del Museo Oteiza de Alzuza.

"En la II Convocatoria Internacional del Premio Iberoamericano de Educación y Museos, promovido por Ibermuseos, se le ha concedido a este Museo el segundo premio".

Este premio es una iniciativa de cooperación de países iberoamericanos.

Y aquí os adjunto una web muy interesante que me ha enviado un visitante de nuestros Encuentros gran amante del Arte y de la obra de Oteiza.

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http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=vjhgJOJfDYg&noredirect=1

Hoy subo a esta antigua Entrada una fotografía tomada en estos días en los que sufrimos una terrible tempestad en el País Vasco. Estamos a febrero de 2014 y las crónicas hablan de la peor tempestad que hemos sufrido desde hace más de 60 años. Pues bien, la fotografía me ha impactado poderosamente porque hoy como nunca he relacionado el carácter de Jorge, su fuerte personalidad, con su obra. Después del impacto sufrido por el mar y las inclemencias, después de haber oído que multitud de obras de arte que se encuentra en el litoral han desaparecido, la obra de este genial artista se deja ver orgullosa y en pie en un Paseo Nuevo arrasado por las olas. Se trata de Construcción Vacía la escultura que encabeza esta Entrada.

 Fotografía de El Diario Vasco (febrero 2014) Construcción Vacia frente al mar

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Fuentes consultadas:

Oteiza. Laboratorio experimental. Fundación Museo Oteiza (Editor: Fundación Museo)
Oteiza. Exposición. (Edit.: Kubo-Kutxaespacio)
Sáenz de Oiza. Escritos y conversaciones. (Fundación Caja Arquitectos. Barcelona)

Oiza-Oteiza: babes lerroa = línea de defensa de Alzuza (Colegio Arquitectos de Cataluña)

Fotografías: archivo propio y la misma red.

BARBARA HEPWORTH 1903-1975. La mujer en la escultura moderna

"ABSTRACCIÓN"

“La escultura debe buscar con la intensidad de la pasión, el principio que sostiene la organización de la masa y de la tensión, el sentido del gesto y la estructura del ritmo”

Hepworth nació en Yorkshire, Inglaterra y falleció en 1975 en Cornualles.

Tanto ella como Henry Moore, se encuentran entre los escultores británicos cuyas obras han abierto la vía del arte en los años de la Post-guerra.

Entre los años 1921 a 1924 estudia en el Colegio Real de Arte de Londres, posteriormente hace largas visitas a Florencia, Carrara y Roma.

En un principio Hepworth realizaba unas esculturas figurativas en piedra, representaciones humanas o animales, influenciada por la obra de Brancusi que ella exponía a menudo con su primer marido, John Skeaping.

En 1931 encuentra al pintor Ben Nicholson con el que se casará más tarde. Los dos elaboran un arte de abstracción total y mantienen una estrecha relación con artistas parisienses como Braque, Brancusi y Mondrian. De esa época data una obra de la artista “Three Forms” (1935) testimonio de su pasión por las formas múltiples.

"THREE FORMS"

De 1936 a 1939, Hepworth y Nicholson son el centro de un círculo de artistas modernos de Hampstead, en Londres del que también forman parte Henry Moore, Naum Gabo y Piet Mondrian.

Cuando la segunda guerra mundial estalla en Europa, los dos se retiran a Saint Ives, un pueblecito de pescadores en Cornoualles, lugar en donde desde siempre se habían instalado artistas atraídos por los precios modestos de los alquileres, la belleza del paisaje y la calidad de la luz. Hepworth se enamora del paisaje de Cornoualles y Saint Ives se convierte en su lugar de residencia para el resto de sus días. Como por adaptación a sus alrededores su obra cambia igualmente. Hepworth comienza a interesarse en los monolitos que se encuentran por todo Cornoualles. De igual manera, deja entrar en su obra el drama de la mar, y del paisaje. Esto hace que su obra tenga una apariencia menos austera que la del periodo londinense.

MADERA (1954)

Hepworth, cuya primera pasión fue el trabajo en madera, ha trabajado con materiales tan diversos como la teca y muchas otras maderas. También hizo algunas tentativas con el metal, pero esperará a los años 50 para sacar todo el potencial a este material. A partir de mitad de los años 50 crea formas con la ayuda de finas placas de metal. Después de 1956 trabaja el bronce.

FORMAS

En 1950 representó a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia. Una distinción excepcional para cualquier artista.

Su trabajo más importante para un espacio público es Single Form (1963) que fue inaugurado delante del edificio principal de las Naciones Unidas en N.York a la memoria de Dag Hammrskjöld, primer secretario general de la ONU.

De vuelta a Saint Ives Hepworth vuelve nuevamente hacia el trabajo en madera. Su obra “Pierced Monolith with Colour”, quedará en su jardín de Saint Ives hasta su muerte.

"PIERCED MOLOLITH WITH COLOUR"

La artista mantenía una relación muy especial con los materiales empleados en sus obras. Ella realizaba personalmente sus maquetas en madera, y no dejaba a sus ayudantes la fundición en bronce. Es por esto que su obra no es tan extensa. Su objetivo en su vida, según ella misma confesó era “crear tantas buenas esculturas como fuera posible antes de morir”.

"MADERA"

Hepworth, que se realizó plenamente con su obra escultórica, tenía una pasión no menor por su familia. Tuvo cuatro hijos. Un chico con su primer marido John Skeaping y con Ben Nicholson un chico y dos chicas.

El lugar central que ocupaban sus hijos en su vida aparece claramente en su autobiografía publicada en 1970. Al lado de las ilustraciones de sus obras, de las fotografías de los paisajes de Cornoualles, de las gentes y de los lugares que le inspiraron, se encuentran numerosas fotografías de sus niños. Su biografía ilustrada muestra como su vida personal y su arte estaban íntimamente unidos.

Tanto ella como Henry Moore eran originarios del Norte de Inglaterra. Independientemente de su atracción hacia Cornualles, permaneció fiel a sus raíces.

Murió en 1975 súbitamente, victima de un fuego que se declaró en su estudio de Saint Ives, en donde ella había vivido casi 30 años.

LA OBRA INTEGRADA EN LA NATURALEZA

Hepworth fue nombrada dama del imperio británico en 1965 y recibió numerosas distinciones honoríficas y títulos académicos. Fue miembro del comité de exposición de la Tate Gallery .

Hoy en día su taller está transformado en un museo bajo la tutela de la Tate Gallery.

Sus obras están presentes en todos los grandes museos del mundo como la mencionada Tate Gallery, La Nacional Gallery of Modern Art d’Edimbourg, o la Art Gallery of Ontario (Canadá) entre otros.

El nombre de Barbara Hepworth se encuentra entre los más grandes escultores británicos.

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Fuentes consultadas:

Archivo propio.

Arte del Siglo XX. Ruhrberg.Scheneckenburger. Fricke. Honnef (Taschen)

Women Artistes du XXe et XXIe siécle. (Ed. Uta Grosenick)

Fotografría:

Archivo propio y la misma red.

CÂNDIDO PORTINARI, el mural en Brasil

"MORRO"

Si al hablar de muralismo dirigimos nuestra mirada hacia Brasil un nombre resalta con luz propia, el de Cândido Portinari (Brasil 1903- Río de Janeiro 1962)

De familia pobre, Portinari quedó impactado desde pequeño por los pies de los campesinos a los cuales describía como “pies deformes que pueden contar una historia, semejantes a los mapas con montes, valles, ríos y caminos”. Estas imágenes marcarían su obra en la que contaría al mundo la realidad del trabajador del campo.

"LABRADOR DE CAFÉ"

A los 15 años, para mejorar su formación, se trasladó a Río de Janeiro. No aprobó el examen de acceso en la Escuela Nacional de Bellas Artes y decidió matricularse en el Liceo de Artes y Oficios. Finalmente pasó a Bellas Artes, dónde completó sus estudios.

En 1935, su cuadro “Café” recibe mención honorífica en la Exposición Internacional de Arte Moderno del Instituto Carnegie, en Nueva York. Este hecho le abre una conquista de espacio en el continente y en el mundo que culminaría con un momento especial en 1940 cuando Portinari fue el primer artista sudamericano en tener una exposición individual en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, con la exposición “Portinari of Brasil”.

"CAFÉ 1935"

Este óleo plasma la vida durísima de los trabajadores del café en las plantaciones. Pintado de manera muy dramática, representa a un grupo de hombres y mujeres que cargan con sacos de grano de café. Un capataz agresivo les vigila. Las hileras de los árboles y la repetición de los trabajadores alineados junto a ellos transmiten una sensación de agobio y opresión. Llama la atención la corpulencia con que se han representado a los trabajadores como queriendo hacer hincapié en la dureza del trabajo. Los trabajadores que están descalzos muestran unos grandes pies, esos que desde pequeño le habían impresionado.

Portinari viajó a Europa y se estableció en París después de recorrer España, Italia e Inglaterra.

Si en el comienzo de su carrera recibió una fuerte influencia del pintor, escultor y grabador sueco Anders Zom y del pintor español Ignacio Zuluaga, posteriormente, en alguno de sus retratos manifestó la influencia de Modigliani y al igual que otros pintores y artistas de Latinoamérica recibió la influencia de las primeras vanguardias del siglo XX. Sin duda, una de las más fuertes fue la de Pablo Picasso cuya obra conoció muy bien y cuya obra “Guernica” le marcó fuertemente.

"A IRA DA MAS"

Regresó a Brasil con un gran deseo de pintar la realidad de su pueblo con un nuevo lenguaje pictórico.

Muchos de los encargos que realizó en esa etapa fueron hechos por el dictador Getulio Vargas, lo que no le impidió retratar de manera dramática la realidad humana y social del país. Portinari mostró siempre en su pintura la tragedia de los pueblos y las gentes menos favorecidas. Es constante en su obra la presencia del obrero, del campesino, del niño, de la mujer y también la de la preocupación por la religión.

Nunca se limitó al arte por el arte. “Mi arma es la pintura” dijo en una ocasión y la utilizó como lenguaje para expresar su postura ante la vida, las injusticias sociales y a favor de la paz, explicando el fundamento de su arte: “Los pintores que desean hacer un arte social y aman la belleza de la pintura en si misma, son los que no olvidan que están en este mundo lleno de injusticias para formar filas al lado del pueblo”.

"CRIANZA MORTA"

Fue un gran pintor. Su fuerza, como la de la mayoría de los pintores latinoamericanos, sobre todo los muralistas, es enorme y de gran impacto. Sus series, como la de los Niños de Brodowski que retratan la niñez de su pueblo, transmiten gran emoción. Al igual que muchos pintores de Latinoamérica llevó a sus lienzos a los seres anónimos de su pueblo.

Pero Portinari también pintó a las damas bonaerenses del Buenos Aires de 1947, ciudad de intensa vida cultural y nocturna donde Portinari hizo amigos para toda la vida como Rafael Alberti, Nicolás Guillén o Giuseppe Eugenio Luraghi poeta y crítico que más tarde publicaría varios libros sobre su vida y obra.

"A SENHORA AIMÉE"

Hay una hermosa anécdota de aquella época. Se dice que una noche, en un bar de Buenos Aíres, el poeta cubano Nicolás Guillén, compañero de ideas y tertulias literarias escribió en una servilleta el poema “Un son para Portinari”. Años después, un exiliado, el chileno Horacio Salinas, director del conjunto musical “Inti Illimani”, lo musicalizó y lo incluyó en el repertorio de su grupo. La argentina Mercedes Sosa, recientemente fallecida, lo cantó por toda América Latina. Preciosa anécdota que nos muestra la creatividad de los artistas de los cuatro países latinos.

Pero si una técnica podía mostrar el arte y creatividad de Portinari en todo su esplendor sin duda era la técnica del muralismo y las paredes de la Fundación Hispánica iban a ser el lugar propicio.

Cuatro son los murales de Cândido Portinari que adornan el vestíbulo de la Sala Hispánica de Lecturas.

Portinari los pintó ayudado por su hermano Luiz. Él mismo puso como condición que las figuras y objetos fuera representativos no sólo de un periodo, sino de todas las etapas sucesivas a la llegada de los portugueses y españoles a América.

"DESCUBRIMIENTO DE LA TIERRA"

En la primera pared decidió describir el primer acontecimiento, el descubrimiento, pero sin especificar si eran los portugueses bajo Cabral o los españoles bajo Colón.

Esta pintura, “El descubrimiento de la Tierra”, no está dominada por los capitanes, almirantes, o los frailes de la conquista, sino por los marineros que tripulaban la flota. Es el mural con la composición más barroca de la serie. Dividido verticalmente por las cuerdas de los aparejos y escaleras del barco. Las diagonales de las bordas y la turbulenta masa de agua se juntan con las figuras poderosas de los hombres. El viento de la conquista parece soplar en la pintura y su efecto está resaltado por los colores azul, gris y blanco, las tonalidades del mar.

"ENTRADA EN EL BOSQUE"

A continuación describió el gran tema de la colonización, la conquista de los bosques y la dominación de las tierras. El acto de penetración que gradualmente tuvo lugar en toda la América hispánica desde Patagonia hasta Río Grande y lo hizo con “Entrada en el Bosque”, de composición cuadrada y con dos figuras dominando la escena en el lado derecho. De figuras más estáticas y sólidas que en el primero, pero igualmente se ve la insistencia en las cosas básicas y la meticulosa representación de las manos y brazos de los exploradores.

"EDUCACION DE LOS INDIOS"

En el tercer mural representó los principios culturales a través de enseñanza a los indios por los miembros de las órdenes religiosas. La “Educación de los Indios” fue desarrollado de forma triangular y aunque el tema es internacional, tiene un claro matiz brasileño. Es un asentamiento costero del siglo XVI. Una aldea en la que los jesuitas trabajaron pacíficamente para instruir a los indios Tupi. El pintor agrupó las figuras haciendo resaltar la confianza de los indios hacia sus maestros.

"LA MINERIA DEL ORO"

Para el mural final reservó el tema del trabajo y escogió la minería, el aspecto más sobresaliente de la economía de Brasil y otras partes de Centro América y América del Sur en la época colonial. En “La minería del Oro” cambió su primera idea de muchos personajes en un tortuoso río por la de un solo bote con un grupo de figuras. El pintor introdujo un modelo frenético a través de la mano del trabajador levantada agarrando y gesticulando. Impresionista en el color, en el cabello de los mineros, en los destellos del oro y de los peces, es una pintura que marca la evolución más avanzada del estilo del mural del pintor en un camino hacia la disolución del color y la forma.

En las figuras de los murales Portinari representó las tres razas de las Américas: la india, la negra y la blanca.

En lo referente a la técnica, los murales podían pintarse sobre lienzo en las paredes, o directamente sobre las paredes con yeso mojado (la auténtica técnica del fresco), o con yeso seco al temple. Portinari dominaba las tres, pero eligió la tercera porque prometía mejor mezcla de monumentalidad con colorido luminoso, porque le parecía el más efectivo para el pequeño espacio y porque le permitía a él mayor libertad de experimentación.

Cândido Portinari recibió, entre otros honores, la Legión de Honor de Francia, el Guggenheim’s Nacional Award y la Medalla al Pintor del Año por el Internacional Fine Art Council. En ocasiones se le apodó como el “Miguel Ángel brasileño”.

Su obra se encuentra en numerosos museos del mundo, como la que encabeza esta entrada, “Morro” que cuelga en el MOMA de Nueva York.

"AUTORRETRATO"

Portinari estuvo afiliado al Partido Comunista de Brasil del que nunca se desligó. Se presentó como candidato por este partido a Diputado Federal en 1934 y a Senador en 1946. No tuvo éxito en política y fue derrotado en ambas ocasiones.

El gran artista murió a raíz de un envenenamiento producido por las pinturas que utilizaba en sus obras. La muerte le sobrevino a consecuencia de una intoxicación plúmbica en 1962.

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Fuentes consultadas:

Archivo propio.

Arte latinoamericano siglo XX. .Eduard Lucie-Smith (Destino)

Arte de Latinoamérica en el siglo XX (Sullivan)

Fotografía: archivo propio y la misma red.