EL ARTE TRAMPOSO, ARTISTAS DE LA ILUSIÓN

Hoy nos vamos de arte “fantástico”. Fantástico por lo que tiene de grandioso en sí, por lo mucho de ilusión que nos transmite y por ser una técnica fantástica para acercarse al ciudadano de a pie puesto que es, en gran parte, un arte urbano. Hasta su propia denominación evoca mucho de lo que digo. El Trampantojo o “Trompe l’oeil” que como su nombre nos indica, evoca un “engaño” o una “trampa” para el ojo.

NO OS DEJEIS ENGAÑAR (LYON)

Aunque se define como una técnica pictórica que intenta engañar la visión o crear una ilusión, lo cierto es que se precisa un dominio total de la perspectiva para, jugando con efectos ópticos, lograr una pintura tan realista. Es efectivamente una bella y perfecta ilusión. Podríamos decir que esta técnica que ha existido en todos los tiempos, sería algo así como pintar en 3D.

REPRESENTACIÓN DEL INTERIOR DE UNA BODEGA DE ERIC GROHE

En general suelen ser pinturas murales que representan muebles o puertas, bóvedas o simplemente fachadas (falsas) de un edificio. Cualquier representación sobre una superficie que nos provoca “engaño” o “ilusión óptica”.

LIBRERÍA, UN CLASICO EN LA TÉCNICA DEL TRAMPANTOJO

Aunque hoy en día las vemos por las calles, en las aceras, o en ocasiones sobre un soporte que oculta algún edificio en construcción, la técnica del “Trompe l’oeil” se remonta a tiempos antiguos, como todo lo que al arte se refiere. La “ilusión” creada por un artista no tiene edad. Los griegos nos dejaron testimonio de ello, los romanos la aplicaron en sus frescos y las bóvedas de la época barroca son prueba de ello. También, como no podía ser de otra manera, el renacimiento italiano está lleno de ejemplos sobre todo elaborados sobre estuco y representando columnas o bóvedas.

EL ARTISTA AVI ORSTEIN EN PLENO TRABAJO CREATIVO

Uno de los lugares en que podemos encontrar infinidad de representaciones con esta técnica practicada en otra época se encuentra en la República Checa. Concretamente en Ceský Krumlov, su castillo que es de estilo gótico temprano, fue reconstruido con estilo renacentista y decorado con pinturas con esta técnica. Impresionante la Sala de Máscaras que tiene numerosas representaciones de la Comedia del Arte Italiana realizadas con esta técnica y a la que está permitido el acceso en pequeños grupos para no dañar la obra.

SALA DEL CASTILO DE ARRIBA. CESKY KRUMLOV

Ejemplos más cercanos en el tiempo y en la geografía los tenemos en las propias pinturas de Velazquez como en Las Meninas y en innumerables pinturas de artistas que hacían “asomar” a sus personajes a través de sus lienzos, por no hablar de los bodegones o naturalezas muertas.

LIENZO DE PERE BORREL DEL CASO (1874)

Aunque en general esta técnica se asocia a la pintura y dentro de ella a representaciones de edificios, columnas o similares, en ocasiones se puede hacer referencia, si hablamos de manera más amplia, a la escultura realista. No aplicaríamos aquí, como es lógico, el término “trampantojo”, pero si hablaríamos de “ilusionismo”. Un artista plástico que nos ha transportado a un mundo de ilusión a través de, contradictoriamente, un hiperrealismo ha sido Ron Mueck. Este artista procede del mundo de los efectos especiales y sus esculturas nos han dejado sin habla en más de una ocasión.

ESCULTURA HIPERREALISTA DE MUECK

Pero tal como se ha estudiado desde tiempo inmemorial, diríamos que el “Trampantojo” o “Trompe l’oeil” es una técnica pictórica que jugando con efectos ópticos y con la perspectiva, ofrece de ésta una imagen ilusoria o falsa.

MURO EN BLANCO PREPARADO PARA SU TRANSFORMACIÓN POR ERIC GROHE

MURO DESPUES DEL TRABAJO DEL ARTISTA ERIC GROHE

Acercándonos en el tiempo, como arriba mencionaba, nuestras urbes son soportes de amplios ejemplos del Trampantojo. Por un lado tenemos innumerables pintores anónimos que “armados” de tizas, ceras y demás pinturas, nos arrastran a la ilusión de cambiar nuestros pavimentos y paredes. Y están estos artistas del 3D que ya han encontrado la fama como, entre otros, Avi Ornstein, Eric Grohe o Julian Beever, algunas de cuyas obras os he traído hasta aquí.

BELLO MURAL DE LYON REPRESENTANDO UNO DE SUS RINCONES

En cuanto a ciudades os he dejado varios testimonios de la ciudad francesa de Lyon en dónde este Arte ha pasado a figurar en sus guías turísticas como imprescindible al visitar la ciudad gala, algo por otra parte difícil de eludir puesto que está bien presente en sus calles.

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de archivos anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Fuentes Consultadas:

Le trompe l’oeil. Miriam Milman.

La peinture en trompe l’oeil. Helene Floret.

La peinture en trompe l’oeil: Henri Cadiou.

Para la fotografía:

Guía Lyon.

Guía Top 10 Praga

Archivo propio

La red.

EL ARTE, imprescindible en la educación.

En entradas anteriores hemos leído sobre la importancia de la actividad artística a la hora de educar. Hoy voy a puntualizar aún más en este tema dedicando la entrada al Arte a la hora de educar, o lo que es lo mismo, al Arte como parte imprescindible en la Educación.

REALIZANDO UN MOSAICO

He evitado llamar al Arte asignatura porque considero que es algo más. Una asignatura nos da la idea de algo que tenemos que “estudiar” que evaluar y que superar. Nada más lejos de lo que yo entiendo por el arte en la educación. En mi opinión, el Arte en la enseñanza debería ser algo así como la introducción de todas las herramientas posibles para que haya un proceso creativo.

Toda actividad artística va a despertar en el alumno capacidades y habilidades, en muchas ocasiones ignoradas, y nos va a servir precisamente para que el alumno sea capaz de saber discernir que tipo de práctica artística le interesa y en una última instancia a un alumno al que el tema artístico no le agrada, le va a dejar claro qué camino no tomar.

NIÑOS PINTANDO UN MURAL

No podemos olvidar que aunque hay muchas razones que demuestran que el Arte es bueno para la educación, puede haber personas que sientan rechazo total hacia todo tipo de actividad artística. Forzar sería más contraproducente que otra cosa.

Así que vamos a dirigir la mirada a las razones que nos inclinan a afirmar los beneficios de introducir el Arte en la educación, tanto como actividad práctica, como teórica, razones que nos demostrarán lo mucho de enriquecedor que tiene en la vida de cualquiera, ya sea adulto o como alumno que se está formando, el estar en contacto con cualquier actividad artística.

TALLER DE CERÁMICA de CLAUDIA FLOEGEL MÜLLER (ARGENTINA)

Hay numerosos estudios y escritos que constatan todo lo mencionado. Muchos de esos beneficios lo hemos visto en niños a los que hemos impartido una actividad, y en los que hemos descubierto habilidades que ni ellos mismos o su familia intuían que poseían e incluso en nosotros mismos, si nos detenemos a mirarnos, podemos encontrar una sensibilidad hacia el mundo artístico que posiblemente sea fruto de una semilla sembrada en nuestros años escolares. ¡Qué magnífico es encontrar entre los profesores a alguien que, aún no siendo su especialidad, se siente atraído por el arte y por la expresión artística y lo transmite! Es un tesoro, en estos días en qué la importancia de la enseñanza va por otros caminos y todo este tema queda relegado a un segundo plano a la hora de recibir atención en presupuestos, horas lectivas etc., tener un docente sensibilizado hacia el arte en la enseñanza y es algo a mimar y cuidar.

NIÑOS EN UN TALLER DE MÚSICA DE LA ORQUESTA DE EUSKADI

Estas personas son las que ayudan a poner en la educación pilares fuertes y a la vez sensibles que perdurarán a lo largo de la vida. Porque el arte predispone al individuo, entre otras cosas, a percibir el mundo que nos rodea con una sensibilidad especial.

Dicen los expertos que los niños son receptivos por naturaleza y que absorben como esponjas, así que nada mejor que comenzar a introducir una actividad artística y una enseñanza del arte desde pequeños.

La actividad artística estimula la percepción visual con todo lo que ello conlleva.

Mejora la coordinación y también la autoestima del niño.

Es importante que la actividad se desarrolle de manera libre, sin frenos ni cortapisas, sea cual fuera la actividad que se practique. Lo mismo las artes plásticas como barro (este blog 22 enero 2012.), escultura, manualidades como el arte floral (este blog 5 febrero 2012) o similares, o bien actividades como teatro, música etc.

EN CLASE DE TROMPETA

Que el programa sea abierto y libre va a proporcionar un mundo en el que todo es posible.

Va a haber una opción a compartir y a intercambiar diferentes actividades. Una actividad como el teatro nos dará opción a incluir en la puesta en escena la música, pero también la elaboración del vestuario, del decorado, en una palabra va a ser una actividad multidisciplinar en lo que al arte se refiere.

REPRESENTACIÓN INFANTIL NAVIDEÑA. COLEGIO VIRGEN MILAGROSA de OVIEDO

A mayor libertad, mayor posibilidad de que las facultades se desarrollen y el niño sea creativo puesto que él mismo buscará sin frenos diferentes maneras de expresarse. Esos descubrimientos serán todo un mundo lleno de posibilidades para ejercer esa creatividad.

No olvidemos que si logramos que el niño relacione Arte con escuela o con enseñanza, vamos a conseguir que relacione el aprendizaje con algo lúdico y que ello permanezca a lo largo de su vida. Aprender como algo divertido ofrecerá al alumno una nueva perspectiva del aprendizaje en el que se sentirá motivado hacia la búsqueda de nuevos conocimientos.

Además de dejar actuar en libertad el proceso debería de ser paulatino y constante. Diario más bien.

Todos los días un poquito de actividad artística en una u otra medida. No solo de manera práctica, es decir con talleres. Algo muy importante, casi diría que imprescindible debería ser la “teoría”. Las visitas a museos es una buena opción.

NIÑOS EN EL MUSEO DEL PRADO DE MADRID

Hoy en día ya no sucede como antes en que decir museo era sinónimo de aburrimiento y seriedad. Todos, o casi todos los museos nacionales y del mundo, tienen actividades enfocadas a niños de diferentes edades bien preparadas por profesionales.

En muchos centros escolares hay voluntarios entre los mismos padres que son entusiastas del arte y se prestan a estas salidas lúdico-formativas.

GRUPO DE NIÑOS A LA ENTRADA DEL BELLAS ARTES DE BILBAO

Y lo más importante. Durante muchos años se han ido abriendo museos de todo tipo. Tenemos Museos de la Ciencia, Museos del Tren, Museos del Traje y prácticamente museos de todo tipo. Hoy en día podemos decir con orgullo que nuestros museos ofrecen las mismas actividades para los pequeños que cualquier museo del mundo.

TALLER EN UN MUSEO DE CHICAGO

Nada mejor que comenzar cuando de los más pequeños se trata con un museo en el que pueda combinar enseñanza y juego. Para ello recomendaría el museo de las ciencias, algo que en casi todas las capitales podemos encontrar. Es una buena introducción en el aprendizaje por medio de una visita cultural.

ACTIVIDADES INFANTILES EN UN MUSEO

Es algo así como abrir el camino a próximas visitas lúdico-culturales. No olvidemos que el arte es valioso en cualquier etapa de la vida.

TALLER del IAACC PABLO SERRANO de ZARAGOZA

Esta modesta entrada es sólo un comienzo para animar a que el Arte sea parte imprescindible en los programas de educación. Os animo a que aportéis ideas para enriquecer todo aquellos que sirva para activar la creatividad de nuestros niños. Yo misma espero elaborar más entradas en las que podamos discutir sobre las diferentes maneras de hablar de Arte a los niños, o más específicas aún, cómo hacerlo en las diferentes edades del aprendizaje. Espero que ésta haya servido como una pequeña introducción.

El Arte no sólo educa y cultiva, también nutre el alma.

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de archivos anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

FUENTES CONSULTADAS:

RAZONES POR LAS QUE EL ARTE ES BUENO PARA EL NIÑO: MOCHA:The Museum of Children’s Art de Oakland. (Traducción de Norbertha Torres)

El ARTE Y EL NIÑO. José María Ortiz Parra. (Edit.Santillana).

PARA LA FOTOGRAFÍA:

La red: Blog de mi colega ceramista Claudia Floegel, y diversas fotos de reportajes en museos españoles

EL ARTE FLORAL EN LA EDUCACION

Continuando con la entrada anterior que tuvo un tono totalmente didáctico, en la de hoy voy a hablar sobre una actividad que además de dar opción a desarrollar nuestra creatividad va a proporcionarnos mucho más, nos va a llevar, si es que elaboramos el proceso completo, a estar en contacto con la naturaleza y a saber “mirar creativamente”.

COMPOSICION FLORAL

Bien es cierto que hoy en día se puede comprar flor prensada para decorar, pero si ejecutamos los pasos en su totalidad, nos veremos obligados a salir al campo en busca del material, es decir en busca de la flor, de llevar a cabo el proceso de prensado y finalmente, con ese material, a crear más de un objetos de los que hablaremos aquí. En una palabra, va a resultar mucho más gratificante y sobre todo, con la llegada del buen tiempo la actividad se convertirá en una lección de botánica y en un goce de la naturaleza que nos rodea. Todo ello nos abrirá los ojos a un mundo de creación.

NATURALEZA

Aunque es en la elaboración de cuadros el empleo más conocido de la flor prensada, hay muchas posibilidades en el campo de la decoración. Si dejamos paso a nuestra imaginación podemos decorar multitud de objetos de madera, cristal, cartón, las composiciones para cuadros, los propios marcos e incluso velas con un resultado que nos sorprenderá.

Ante todo hay que tener claro algunas pautas en el proceso de recolección del material.

Primero: nunca recoger la flor cuando ésta esté húmeda, bien por agua de lluvia o el simple rocío. Podría echar por tierra el proceso final. El mejor momento es la primera hora de la tarde y la estación, al final de primavera o principios de verano cuando la naturaleza luce sus mejores colores. Nunca recoger flores dañadas, cortadas o picadas. No nos van a servir para nada.

PENSAMIENTO

Segundo: elegir flor simple, es decir mejor de pétalos finos y con “botón” más bien plano, aunque también podemos deshojar la flor para luego, pétalo a pétalo, crear una composición. Para esto último nos van a venir muy bien las rosas.

Yo tengo preferencia por el pensamiento. Proporciona infinidad de posibilidades a la hora de la decoración, los hay de multitud de colores que se prestan a buenas combinaciones y apenas dan problemas a la hora del prensado. Pero si nos encontramos con unas margaritas que se nos hacen irresistibles os doy unas pautas para prensarlas un poco más adelante, cuando me refiero al proceso de prensar.

Tercero: respetaremos la naturaleza y no recogeremos todas las flores de una misma especie. Será suficiente con llevar unas cuantas de aquellas que hemos elegido y no cortarlas nunca de raíz. No nos va a servir para nada y debemos dejar que la planta siga creciendo.

La recolección la podemos hacer llevando una bolsa de plástico con esa finalidad, siempre que nos planteemos sacar las flores lo más rápidamente posible.

PREPARANDO ROSA PARA PRENSA EN LIBRO

En cuanto a la manera de prensar podemos hacerlo de la manera más simple. ¿Quién no ha secado pétalos dentro de un libro? Pero este método lo vamos a dejar para una urgencia. Por ejemplo para cuando nos encontremos en medio de un paseo campestre y no sepamos dónde guardar un ejemplar que no hemos podido resistir recoger en ese momento. Nada mejor, si llevamos a mano un libro o agenda, meterlo entre sus hojas.

PRENSA

Para prensar bien las flores, es mejor utilizar unas PRENSAS sencillas que nosotros mismos nos podemos fabricar. La manera más simple es que nos corten dos cuadrados de contrachapado que van a ser las “tapas” de nuestra prensa. En cada esquina colocaremos una “palomilla” que servirán de cierre y para apretar los papeles secantes que van a contener las flores. Estos papeles secantes se pueden encontrar en papelerías.

TRABAJO CON FLORES

Una vez con la recolección en casa, colocaremos las flores sobre los papeles secantes que habremos cortado del tamaño de la prensa. Se puede dejar un poco de tallo, pero en el caso de flores de gran tamaño, como por ejemplo la rosa, yo os aconsejo que separéis todos los pétalos y luego los utilicéis para composiciones. Es importante que sobre el secante guarden separación entre ellas. Colocaremos encima otro papel secante y otra capa de flores, otra de papel secante y así hasta terminar con la otra pieza de contrachapado que hace las veces de tapa. Apretamos bien las “palomillas” y las dejamos un tiempo que puede oscilar entre 10-15 días en función del tipo de flor.

DISPUESTA PARA LA PRENSA

En el caso que mencionaba anteriormente de flor más gruesa o de “botón” voluminoso, procederemos así: una vez cortado el tallo, apretar fuertemente el “botón” contra el secante, siempre con la flor hacia abajo, colocar el otro secante encima y pasar por encima la plancha templada, todo ello antes de cerrar bien la prensa. También se puede cortar con una cuchilla el “botón”, en el caso de alguna flor que por su tamaño lo requiera, y secar las dos mitades por separado.

CAMPO DE MARGARITAS

En ocasiones, yo abro la prensa y compruebo si el secante no está excesivamente húmedo. Si es así, lo cambio, cierro la prensa de nuevo y dejo que continúe el proceso de secado.

Para manipular las flores, sobre todo cuando ya se ha iniciado el proceso de secado, lo mejor es utilizar unas pinzas para evitar tocarlas con los dedos. Se vuelven sumamente delicadas y es fácil que se rasguen.

Una vez terminado el proceso, y en el caso de que no las utilicemos en su totalidad, lo mejor es “almacenarlas” en una gran caja de cartón. También se puede utilizar una gran carpeta y dentro de ella hacer separaciones con papel de seda

En cuanto a “retocarlas” o no, eso es un tema más de gustos que de otra cosa. Muchos prefieren resaltar los colores aplicando alguna pintura líquida ya preparada.

DIFERENTES COMPOSICIONES

Si se hace así, lo mejor es colocar la pintura en muy pequeña cantidad sobre el pincel. También se puede utilizar acuarela, pero no podemos olvidar que la flor seca NO ADMITE EL AGUA, por lo cual hay que añadir un poco de detergente al agua donde se moje el pincel o incluso añadir directamente unas gotas de detergente sobre el mismo pincel.

Otra posibilidad es rociarlas con alguna pintura en aerosol y posteriormente un poco de laca también en aerosol que va a “sujetar” el color o utilizar anilinas al agua. En ambos casos pulverizando sobre un papel secante.

COMPOSICIÓN CON COLOR NATURAL

Esto para aquellos que quieran mantener las flores con colores. A mi particularmente me encanta ver el color, o la falta de color, que adquieren con el tiempo. Esa palidez que van adquiriendo los colores me parece muy atractiva. Como he dicho es cuestión de gustos.

En cuanto a las composiciones, también se trata de gustos, evidentemente. Hay quien va a querer hacer unas composiciones complicadas y recargadas y quién se va a limitar a combinar un par de flores sobre un bello fondo. No olvidemos que a la hora de componer cuadros, carpetas de cartón, un álbum o similar, podemos jugar con los colores de fondo que pueden ser cartulinas pero también otros soportes como láminas de corcho o madera.

MARCO DE CARTÓN PARA FOTOS

En todos los casos, a la hora de decorar el cuadro o el objeto, tomaremos la flor ya seca con una pinza, le pondremos una gota de cola suave y la depositaremos sobre el soporte elegido.

Respecto a objetos a decorar además de elaboración de cuadros, carpetas o similares, os dejo un par de ideas.

Una buena idea es decorar CAJAS DE MADERA. Actuaremos como lo hemos hecho para los cuadros, pegando las flores sobre la caja, estuche o similar. Una vez que se haya secado la cola y veamos que no hay peligro de que se desprendan las flores, aplicamos una fina capa de barniz transparente que las va a proteger y además hará que resalte el color.

Otra idea es la de decorar VELAS.

Vamos a necesitar algunos materiales como los siguientes:

Parafina en perlas blanca traslucida, para no tapar las flores.

Velas terminadas de diversas formas y colores

Las flores y hojas secas prensadas

Una espátula de metal

Un cazo para baño María.

VELAS DECORADAS CON FLORES

Calentamos la espátula metálica. Ponemos las hojas o flores sobre la vela y aplicamos sobre ellas la espátula El calor hace que la cera se derrita lo suficiente como para fijar las flores a la vela

Fundimos la parafina al baño María y bañamos un instante la vela en la cera sujetándola por la mecha. Podemos sumergirla un par de veces hasta tener una fina capa de cera que protegerá las flores.

Tenemos que calcular suficiente parafina como para cubrir la vela entera al sumergirla. Lo ideal es utilizar latas de conservas estrechas y altas y así no usaremos grandes cantidades de parafina, ya que si le aplicamos demasiada cantidad, la cera al ser opaca, nos taparía las flores.

Lo más práctico es sujetar la vela por la mecha e introducirla en la lata.

Dejamos que se enfríe y ya tenemos nuestra vela.

Todo esto en cuanto a técnica y a unas ideas básicas. El resto CREATIVIDAD. Esa creatividad que todos llevamos dentro y que no nos damos cuenta de ello hasta que la trabajamos.

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de archivos anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

FUENTES CONSULTADAS:

“El arte de prensar flores”, Penny Black. Editorial Acanto.

“Como decorar con Flores Secas”, Malcolm Hillier. Editorial Raíces.

PARA FOTOGRAFÍA: Los mismos, la red, y archivo propio

ARTE: El barro, formación, creatividad y hasta terapia.

Hoy en día se habla mucho de la aplicación del arte, o de las técnicas artísticas, como terapia. En realidad no es nada nuevo. Puede ser que sí lo sea como formación, pero desde todos los tiempos el arte, o las técnicas artísticas, han sido además de un medio de vida y parte de nuestra cultura, una buena herramienta en el trabajo de ayuda en más de un problema.

LA CULTURA DEL BARRO

El amplio abanico de disciplinas de que disponemos nos da muchas posibilidades de ayuda en más de un conflicto, tanto en terapias para trastornos simples, hasta casos más profundos.

No voy a hacer aquí más que una alusión campo amplio y sobre todo con muchas posibilidades en la medida en que lo trabajemos. No es mi especialidad, aunque sí diré que en mi corta experiencia impartiendo talleres aprendí algo que considero imprescindible. No sirve cualquier disciplina para cualquier persona. Me explico: considero que no deberíamos aplicar una disciplina sin dar opción al individuo a que elija aquella que más le convine. Por mucho que para nosotros una técnica sea la más adecuada para determinados problemas, tiene que ser el individuo el que la elija libremente. Es más, en ocasiones hay personas que no son conscientes del potencial creativo que tienen para una determinada técnica y la rechazan. No hay que forzar. Sería caer en un terrible error.

De igual manera opino que en el campo de la formación tenemos que actuar de la misma forma.Todo el mundo del arte y de la creatividad tiene que ser parte de una formación flexible. Forzar a un niño o a cualquiera a trabajar una técnica que rechaza no hará otra cosa que crear en él un bloqueo para la creatividad potencial que el sujeto tiene.

Me centraré en la formación con niños y sobre todo en la creación con barro puesto que es el tema que he trabajado durante años.

NIÑOS MODELANDO EN UN TALLER INFANTIL

Me diréis por qué el barro y no otro material. Primero, por el hecho de ser, como arriba menciono, el material con el que impartí durante años talleres para niños. Segundo porque creo que es uno de los materiales más primitivos y puros de cuantos se nos ofrecen para trabajar. También diré, que aunque mi trabajo personal fue fundamentalmente con torno eléctrico, en los talleres infantiles veo primordial el trabajo a mano. Enseñar las técnicas primitivas desde la base y hacerles entender la simplicidad y a la vez grandiosidad del trabajo con barro.

El hacer comprender a un niño que modela con elementos naturales las posibilidades que tiene a la hora de crear es un concepto muy interesante. Que sea consciente de la importancia de los elementos Tierra, agua, aire y fuego, en el caso de llevar a cabo todo el proceso, es importante y muy enriquecedor. Hacer que los niños entiendan que aunque existen cientos de materiales para modelar y hacer florecer su creatividad, lo puede hacer de la misma manera con algo tan sencillo como la tierra, es fomentar una unión del niño con la naturaleza, algo que debería ser primordial en este mundo de hoy en que la tecnología nos está apartando del trabajo manual y sobre todo está atrofiando de algún modo la creatividad.

PIEZA MODELADA EN UN TALLER INFANTIL

En el trabajo que llevé a cabo con niños tuve buena cuenta de hacerles comprender la riqueza de un material como la tierra que en combinación con los otros elementos es un todo para crear. Incluso a nivel de decoración podemos tomar como base los pigmentos naturales como así hacían los pueblos primitivos. Con una simple explicación y dejando rienda suelta a su imaginación solo necesitan una pequeña guía para que la creatividad se desborde.

Y una guía importante para mi fue una pequeña joya del siempre genial ceramista argentino Jorge Fernández Chiti. Su pequeño manual “Cerámica para niños”, en mi opinión nunca pasará de moda. Muchos de los apuntes que aquí encontraréis pertenecen a este pequeño libro, lo mismo que algunas ilustraciones.

NIÑA BOLIVIANA CON SU CUENCO RECIÉN MODELADO

Con los pequeños lo ideal sería que ellos mismos tuvieran ocasión de recoger el barro y depurarlo para su posterior modelado. Hoy en día no es factible, ni por espacio, ni tiempo, así que lo más práctico es que cuando nos encontramos delante de una barra de barro crudo que nos venden ya preparado para el modelado, expliquemos de dónde viene y sobre todo qué es. Ahí entran esas buenas enseñanzas de Chiti cuando escribe para los pequeños aquello de que “el barro es un mineral que al amasarse con agua se vuelve plástico”. Nadie lo expresaría mejor, sobre todo si lo hacemos delante de un buen trozo de barro que vamos modelando a la vez que hablamos. Ver que ese trozo de barro va tomando la forma que queremos se convierte para los pequeños en un juego, pero sobre todo se convierte en algo que les deja abierta la puerta a crear.

En la medida que veamos que hay algunos alumnos que se resisten a crear, está en nuestra mano “ayudarles” con algunas pequeñas ideas. Nada mejor que hacer dibujos de animales que les anime a realizarlos con sus manos. No podemos olvidar que hoy en día hay muchos niños que apenas han creado con las manos. En el mejor de los casos nos encontraremos aquellos que han utilizado materiales como plastilina. Por desgracia el barro en nuestras escuelas no es algo imprescindible.

MÁSCARA SIN ESMALTAR

En niños algo más mayores un trabajo que da rienda a su creatividad y que es sumamente gratificante es el de las máscaras. Todo alumno puede realizar su propio molde con escayola para luego trabajar sobre ella una máscara en barro.

Es uno de los trabajos que mejor permite, no solo al modelado, sino jugar con la decoración. Dejándolas en sus formas y decoraciones más primitivas hasta llenándolas de colorido.

MÁSCARAS ESMALTADAS

En la enseñanza de las diferentes técnicas no vamos a olvidar las planchas. Sobre ellas un mundo de creatividad se va a abrir a los niños. Sobre ellas van a incorporar sus historias. Además la posibilidad de crear murales colectivos ofrecerá la opción de que el trabajo sea menos individual y más de equipo. Si la edad de los niños lo permite una buena opción es la de crear un mural a base de azulejos. Un trabajo en conjunto que puede perdurar.

TRABAJO DE PLACAS EN EL TALLER INFANTIL

Tenemos más de una opción a la hora de cocer. La que llamaríamos más clásica, es decir cocer en un horno eléctrico cuya atmósfera limpia va a permitir que las piezas de barro salga preparadas para la decoración, o recurrir a un sistema primitivo que yo personalmente considero muy enriquecedor, la creación de un horno de aserrín.

La primera nos resulta imprescindible si queremos como resultados un mural como el mencionado, o piezas que queremos que además de su por su forma o modelado resalten por su decoración o colores. El horno eléctrico es el que nos proporcionará la atmósfera más limpia y es una herramienta práctica puesto que lo podemos colocar en cualquier lugar que tenga una fuente de ventilación.

PREPARANDO EL BIDÓN-HORNO

En el caso de que vayamos a crear un horno de aserrín, lo primordial va a ser tener un espacio idóneo. Es decir al aire libre. Nos será suficiente con un bidón que se haya desechado al que haremos varios agujeros que servirán de “tiro” para la cocción se mantenga durante horas. Comenzamos a “cargar” el horno de la siguiente manera: pondremos serrín e iremos “enterrando” las piezas que estarán totalmente secas, en su interior. Intercalaremos puñados de papel, serrín y las piezas y colocaremos una tapa. Vamos a prender esos papeles y con los “tiros” medianamente abiertos la combustión será lenta pero permanente durante prácticamente toda la noche.

LA APERTURA DEL BIDÓN-HORNO

Al día siguiente encontraremos las piezas cocidas, aunque eso sí, con grandes partes de su superficie ennegrecida como consecuencia de haber estado semienterradas en el material de combustión. No son piezas que podamos colorear pero nos habrán mostrado la forma más primitiva del proceso de cocción. Aquel del que se valían nuestros antepasados para endurecer el barro y hacer que este fuera factible de utilización doméstica.

Dos opciones tenemos pues una vez que las piezas se hayan cocido. O bien quedan tal cual en ese tono rojo que nos ofrece el barro de baja temperatura, o las decoramos o las vidriamos.

Para ello también tenemos diferentes opciones. Se puede utilizar un esmalte en frío para cerámica que nos evitará una nueva cocción y que para alumnos pequeños es una opción muy práctica, o bien seguimos hasta el final el proceso cerámico, es decir aplicamos un esmalte cerámico denominado vidriado por los ceramistas y que requiere otra cocción para que el esmalte funda. Esta es una buena opción para aquellos más interesados en profundizar en la cerámica hasta sus últimas consecuencias.

FIGURA NAZCA RICAMENTE DECORADA

En cualquiera de los casos de lo que se trata es que en la formación de nuestros alumnos el barro sea una parte esencial de la asignatura de Plástica. Hay muchas técnicas para fomentar la creatividad pero en mi opinión la del modelado de barro es primordial y posiblemente una de las más interesantes para comenzar. Con un material modelable y con una mente abierta la creatividad tiene el campo abierto.

MUÑECO DE CERÁMICA NAZCA

Pero no sólo es la creatividad lo que vamos a fomentar con estos talleres. Si digo que considero parte imprescindible de la formación al trabajo con el barro es porque también enseñamos historia. Es un campo abierto y sin fronteras en el que teniendo como medio un elemento natural, podemos mostrar a los pequeños cómo trabajaban con ellos los diferentes pueblos de la tierra.

PIEZA DE TERRACOTA (NIGERIA)

Es más que interesante el que ellos vean con sus ojos que el trabajo que se realizaba de una forma en un continente, se realizaba de forma similar en la otra punta de la tierra. O las diferentes evoluciones que ha seguido la técnica del barro en función del entorno y los medios. Todo un campo abierto para la pedagogía.

Os dejo como resumen a esta pequeña entrada didáctica unos párrafos que aparecen en el libro mencionado de Jorge Fernández Chiti. Es un texto con el que estoy completamente de acuerdo y que, incluso antes de conocerlo, lo había aplicado en mis talleres infantiles.

En su contraportada nos dice:

“La educación consiste en proporcionar al alumno los medios culturales que necesita o pide, pero sin compulsión. Educar no es domesticar”.

“Todo sistema educativo verdaderamente humanizador, que integre la personalidad y destierre la agresión debe basarse, sin más, en la enseñanza artística, relegando los aspectos del aprendizaje racionalista a un plano secundario. Así sucedió con las grandes culturas integradas del pasado: la china, griega, indígena americana, arte africano y primitivo. Ellos no tenían electricidad ni energía nuclear, pero eran felices”.

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Fuentes consultadas:

Cerámica para niños. Jorge Fernández Chiti (Edit.Condorhuasi).

Cerámica popular española. Llorens Artigas, Corredor Matheos, Català Roca.(Ed.Blume)

Para la fotografía: los mismos y fotografías de talleres propios.