ANTONIO LÓPEZ. El Arte del buen hacer.

No ha sido nunca este espacio un lugar de críticas de Arte a determinados artistas o a sus obras. Simplemente es un lugar en dónde hablamos sobre diferentes disciplinas, intercambiamos opiniones y disfrutamos con lo que cada uno dice sentir cuando se encuentra ante una obra de arte.

He traído hasta aquí muchos artistas que no eran conocidos en demasía, pero que precisamente por ese motivo, y viendo que eran de interés, tuve especial cuidado en dar a conocer.

LA GRAN VÍA

Sin embargo el que hoy nos visita no necesita presentación y por supuesto, si hasta ahora no he dedicado estos Encuentros a una crítica de Arte, menos podría atreverme a hacerla ahora. Se trata de Antonio López y sobre él todo está dicho, todo está escrito y además creo que poco podría decir yo de un artista que hace que hasta sus membrillos desprendan aromas.

MEMBRILLERO

Es el maestro y ante él, sólo me queda dejaros los cuadros que he tenido la fortuna de admirar en su retrospectiva.

Si alguien no ha tenido la oportunidad de visitar la exposición de su obra en Madrid, aún quedan unos pocos días para hacerlo en el Bellas Artes de Bilbao y si no llegáis a tiempo, seguir detrás de ella allá dónde vaya porque nadie que ame el arte puede perder esta cita.

No me considero competente para hablar sobre la obra de Antonio López, además como arriba menciono, todo se ha dicho y por personas especializadas y estudiosas de ella. Pero si puedo comentaros lo que me ha transmitido este recorrido por la exposición.

Dejé para las fechas finales mi visita al Museo de Bellas Artes de Bilbao con la esperanza de que la afluencia de visitantes fuera menor y pudiera disfrutar con más intimidad del recorrido, pero claro está que era una quimera. Hasta estos últimos días las colas siguen siendo la norma para acceder al museo.

TERRAZA DE LUCIO

No sé como se ha distribuido la obra del Maestro en otros lugares, pero en el Bellas Artes, esta distribución parece “acoger” al visitante e impulsarle hacia el recorrido de una manera fluida y cómoda que todavía hace más placentera la muestra. Ésta comienza por su obra primera, seguida de los retratos de familia, ventanas e interiores, dibujos y sus paisajes urbanos de gran formato. Finaliza el recorrido con los bellos y delicados cuadros de flores. Sus últimas creaciones.

La primera sorpresa fue la obra primera de López. Puede ser que por no ser tan conocida para mí como los cuadros de gran formato de paisaje urbano.

MUJERES MIRANDO LOS AVIONES

Entre estas primeras obras destaco “Mujeres mirando los Aviones”, un lienzo en el cual se encuentra desde rasgos metafísicos con gran influencia de De Chirico, un punto de surrealismo y hasta toques cubistas. La potencia de la figura femenina central, nos dirige hacia ella, pero no por ello nos oculta otros detalles como los pequeños aviones que la mujer mira como asustada.

CABEZA GRIEGA TRAJE AZUL

También entre estos primeros cuadros, encontramos “Cabeza griega con traje azul”. Un precioso estudio de luces y sombras que parece ser un homenaje a los clásicos. Un bello retrato de su esposa “Josefina Leyendo”, una prueba de lo que iba a suponer el retrato para el pintor.

JOSEFINA LEYENDO

Todas estas primeras obras ya nos muestran al artista en todo su esplendor, y sólo era el principio.

Entre los retratos, destaco el lienzo de sus padres.

LOS PADRES

Y en las escenas cotidianas “La Cena”, todo un estudio, nos presenta la mesa familiar que como explica su hija, estuvo tiempo y tiempo “preparada” para el trabajo. Contaba en su relato que a veces sentía ganas de romper el huevo que ya estaría vacío. Sin duda ese yogur se encontraba ya endurecido, pero en el cuadro del artista se nos presenta fresco y preparado para comer.

LA CENA

Entre los cuadros en los que aparece su lugar de origen, Tomelloso, se encuentra el de la Calle Santa Rita de la localidad. Según nos explican, poco después de realizarlo se casaría y partiría definitivamente a Madrid. Este lienzo de mediano formato, además de su perfecta composición, irradia luz y trasmite un sosiego que sin duda tendría Tomelloso en la época en que el artista habitaba allí.

CALLE SANTA RITA

No puedo decir qué temática de la obra de Antonio López es preferente para mí, pero tengo que reconocer que los paisajes urbanos de Madrid me atrapan y me fascinan.

ATOCHA

Impresiona contemplar lienzos pintados con la “luz”. Y es que su paleta parece no ser de colores sino de luces.

MADRID DESDE CAPITÁN HAYA

Y la luz de Madrid brilla esplendorosa en todos sus cuadros. Son cuadros urbanos que tienen alma.

MADRID-TORRES BLANCAS

Sus interiores cotidianos como las alacenas de la vivienda rayan la perfección, una perfección que según nos dicen los expertos Antonio López nunca buscó. En el que aquí aparece arriba a la izquierda el busto de la esposa que se alza por encima de todo aquello que representa la casa y la familia.

LA ALACENA

Otra temática, las ventanas, con esos interiores-exteriores en horas diferentes, presentando las luces de la tarde o la noche en todo su misterio.

VENTANA

Imposible no detenernos delante de ellas e introducirnos en nuestro propio interior.

VENTANA A LA TARDE

¿Qué tendrán las ventanas y esos espacios interiores-exteriores que tantos artistas vuelven a ellos una y otra vez? (Hopper, Dalí y tantos otros).

VENTANA DE NOCHE

Entre la obra escultórica, “Hombre y Mujer” detiene al visitante. Sobre todo la figura masculina que siendo totalmente atemporal irradia tal fuerza que casi empequeñece la figura femenina.

HOMBRE Y MUJER

En general, la impresión de la exposición es la de grandiosidad y totalidad. Algo así como decir: “aquí está todo lo que un gran artista puede hacer”. Y sin embargo nos deja un resquicio de luz que dice que no, que no está terminado. Porque al igual que muchos artistas, Antonio López vuelve y vuelve sobre la obra.

La serie de la nueva Gran Vía nos dice que hay mucha obra por delante al igual que la delicadeza y belleza de esas últimas flores.

Y somos afortunados, porque en el trabajo de este artista se plasma el buen hacer del oficio, la paciencia, la lentitud y el amor por el Arte. Todo eso es lo que a mí me han transmitido los cuadros contemplados, pero como anteriormente decía, no se trata de una crítica a la exposición, ni siquiera un resumen de la obra del artista, sino simplemente de una recomendación. Si amáis el Arte es obligatoria la visita. Estos “Encuentros” son muy limitados para semejante obra y la red también. Hay que visitarla, contemplarla y sumergirnos en ella.

Pocos serán los que no queden fascinados por esta retrospectiva. Incluso aquellos que dicen no tener inclinación por el realismo, no podrán dejar de caer rendidos a los pies del buen hacer de un artista que ama su oficio.

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Fotografía:

La Red. Archivo propio. Catálogo de exposiciones.

ARTE espacio urbano, naturaleza ARTE y más...

Como resultado de los últimos artículos, más de un visitante a estos Encuentros me ha escrito sobre el tema del Arte en la calle, del Arte en espacios cerrados e incluso de la privacidad o no privacidad del Arte. Esta entrada no tiene ningún fin concreto sino el de, si es posible, crear debate, recibir opiniones y crear un foro de discusión. Como sabéis los que os acercáis hasta estos Encuentros, en cualquier tema, y también en Arte, toda opinión es digna de ser escuchada y debatida, de toda opinión diferente a la propia nos podemos enriquecer, y además teniendo como núcleo principal el Arte, ya se sabe que “sobre gustos…..nada está escrito”.

MAMÁ de BOURGEOIS en el GUGGENHEIM de Bilbao

Y después de esta pequeña introducción voy a comenzar la Entrada reflexionando sobre el Arte en el espacio Urbano, para continuar llevando el Arte al encuentro de la Naturaleza y terminar haciendo una pequeña reflexión, sobre la privacidad o no privacidad del mismo y lo que ello supone para el propietario, el ciudadano y para el propio artista.

Cuando pienso en el Arte y el espacio urbano, viene a mi retina inmediatamente dos disciplinas, la Arquitectura y la Escultura. Sobre la primera poco o nada voy a escribir porque no me considero suficientemente preparada para crear aquí un debate sobre ella, como mucho, podré dar una modesta opinión.

Por proximidad, me detendré en la que casi se podría llamar una revolución del espacio industrial que tuvo lugar en mi país, concretamente en Bilbao.

EL Museo GUGGENHEIM de Bilbao y su entorno

Todos los que hemos conocido Bilbao antes de la intervención urbanística que nos ha traído el Guggenheim y todo lo que le rodea, recordamos un Bilbao gris, y no sólo por el clima. La ciudad no tenía gran atractivo, es cierto, pero no hay duda de que aquellos espacios industriales, muchos o casi la totalidad abandonados, eran en potencia espacios que podían hacer resurgir la ciudad y llevarla a primera página de publicaciones de arquitectura, urbanismo, arte y por supuesto a toda aquella publicación de turismo que oferta todo lo anterior ,más nuestros verdes paisajes y hasta el clima, que para muchos también tiene su atractivo.

Pero claro está que saber ver ese potencial y sobre todo hacer que el Arte se instale en ese espacio, necesita de muchas manos además de la inversión económica. Con dinero se pueden hacer muchas cosas, pero son las manos del artista las que saben crear con ese potencial económico.

No voy a detenerme en la intervención urbanística como he dicho. Os remito a un libro que, centrado en el tema de urbanismo y las mega-construcciones, es de fácil y amena lectura y que en su día recomendé aquí mismo (blog 24.08.11) Se trata de “Arquitectura milagrosa” de Llátzer Moix.

Escultura de VICENTE LARREA en el Euskalduna de Bilbao

Sin salir de ese entorno voy a continuar en un paisaje urbano aunque cambiando de disciplina. Me detengo en la escultura, un arte que en mi opinión es idóneo para que sea relacionado con el espacio urbano. El artista aquí, además de mostrar su creatividad en la propia disciplina, debe, o debería tener suficiente capacidad para saber integrar su obra en ese espacio. No es tan fácil como parece, porque no sólo se trata del trabajo del artista, está también la disposición de aquel que ha adquirido la obra, en general instituciones públicas, para llevar a buen término la ubicación e instalación de la creación del artista tal como el la ha concebido. Y en este tema me adelantaría al tercer punto que también quiero comentar en esta entrada. La privacidad o no privacidad de la obra y las responsabilidades del que adquiere la obra. Pero vayamos por partes.

En cuanto a lo que aporta la obra en un espacio público, mi opinión es firme en algo que considero fundamental. Una obra de Arte, una escultura, aporta riqueza y belleza al espacio. Creo que es Cultura. Porque instalar Arte en la calle es educar y cultivar a la ciudadanía. Más bien diría que es un lujo poder disponer de Arte urbano.

Por otro lado, considero que hay obras de determinados artistas que tienen su lugar idóneo es el espacio urbano. Me explico. Son obras que en general se han ejecutado con el fin de ser instaladas en la calle, pero también en ocasiones, se tratan de obras que no habiendo sido creadas con esa finalidad, al ser ubicadas en un espacio urbano, han ganado en calidad y han engrandecido y enriquecido el entorno.

FIGURA RECOSTADA de HENRY MOORE

En este tipo de Escultura o Instalación incluiría a los dos últimos artistas que presenté en este blog, el pasado 14.10.11 y 5.11.1. pero también os remito a otros artistas escultores que pasaron por estos Encuentros como Henry Moore. (15.11.09), Barbara. Hepworth (18.10.09) el vasco Jorge Oteiza (26.10.09) cuya obra, toda una demostración de investigación vanguardista y creativa, nos sorprende con piezas que van desde la más pura demostración pedagógica, pasando por esculturas ubicadas en interior, hasta las grandes esculturas que nos atraen y maravillan en rincones del País Vasco, por no decir sus vanguardistas esculturas de temática religiosa, tan controvertidas en su día, que nos reciben en el Santuario de Aranzazu.

APOSTOLES de JORGE OTEIZA

Otro escultor cuya obra aparece en lugares urbanos y que también se ha ubicado en la naturaleza es la Anthony Caro (este blog 31.10.10) Curiosamente, una de las instalaciones más impactantes de Caro se ubica en interior. Me refiero al “El Juicio Final”. El Bellas Artes de Bilbao acogió esta maravillosa instalación que impresiona y que no dudo en decir que tiene su lugar idóneo en el interior de un museo. Su juego de luces y sombras es imprescindible para apreciar la obra en su totalidad.

El Juicio Final de A.CARO en su instalación en Venecia

Y entre muchos artistas, cuya creatividad nos han regalado multitud de obras para el disfrute de todos los ciudadanos no puedo dejar de detenerme en una mujer que nos demuestra el abanico de posibilidades que tiene una instalación. Por lúdica, alegre, y fascinante dejo el ejemplo de la obra de Niki de Saint Phalle. (este blog 14.02.10). Si precisamente he dejado a Saint Phalle para el final es precisamente porque creo que su obra se puede ubicar con toda facilidad tanto en un espacio al cien por cien urbano como en medio de la naturaleza.

Asombra que su obra, aún hoy en día, después de tantos años de la desaparición de su autora, se vea totalmente actual, y asombra también que unas creaciones tan vanguardistas se integren en medio de la naturaleza de una manera que no sólo no arremete contra ella, sino que le da vistosidad y colorido. Yo diría que se complementan.

Un ejemplo vivo de la obra de Saint Phalle en entorno urbano es sin duda su instalación en el espacio exterior del Centro Pompidou en París. No podría existir mejor lugar para sus divertidas esculturas. En cuanto a una integración cercana a la naturaleza no se me ocurre mejor ejemplo que las nanas ubicadas en el exterior del Museo de Arte de Estocolmo. Me diréis que también se trata de un espacio urbano, pero no es del todo cierto.

Nanas de NIKE DE SAINT PHALLE en Estocolmo

El entorno del Museo de Arte de la capital sueca es una bella zona boscosa que en otoño, cuando tuve la suerte de visitarlo, estaba ya cubierto de tonos casi invernales. La naturaleza, por otra parte presencia constante en esta capital, predomina en este lugar. Y allí entre tonos oscuros que anunciaban el invierno se alzaban las nanas bellas y coloristas de esta mujer que como apunto más arriba creó una obra atemporal. Hoy día es vanguardia.

Deteniéndome un poco más en el tema Arte-Naturaleza quisiera también dejar mi opinión. Hoy en día hay bastantes posturas encontradas sobre la intervención del artista en la naturaleza. Yo soy totalmente partidaria de que el Arte se integre, se incorpore y se acople a ella. Un artista habrá conseguido una obra perfecta en la medida en que ésta se convierta, de un modo u otro, en parte de la naturaleza sin que ésta se vea agredida. Veo totalmente innecesario “retocar”, “pintar”, “insertar” cualquier obra en nuestro entorno natural.

Árboles pintados en el bosque de Oma de AGUSTÍN IBARROLA

En mi opinión la integración debe hacerse a modo de incorporación. Algo muy difícil, pero que considero que debe de estar presente siempre que queramos que Arte y Naturaleza estén en armonía. Ensamblar sin atacar, incorporar sin agredir. Difícil sin duda, igual menos espectacular, pero también más respetuoso.

Y finalmente unas líneas para tratar un tema también bastante controvertido. El de la privacidad o no del Arte y sobre todo la responsabilidad que adquiere el comprador, sobre todo si se trata de una Entidad Pública ,respecto a la obra que adquiere.

Lo primero tenemos que distinguir si se tratan de adquisiciones privadas o llevadas a cabo por entidades públicas.

Obra de BARBARA HERPWORTH en el museo de la artista

No hay duda de que si la adquisición es privada todo queda entre comprador y vendedor. Los problemas pueden estar, y hemos tenido ocasión de comprobarlo, cuando la compra de la obra está a cargo de una entidad pública, digamos ayuntamiento, gobierno autonómico, estatal o similar.

En esos casos deberíamos de saber a quien corresponde la responsabilidad de cuidar de la obra. Hemos tenido muchos casos recientes que llegaron a juicio porque el artista demandaba el buen uso de su obra de arte. Es de justicia, en mi opinión, que aunque una obra haya sido vendida y el artista haya recibido el importe que le corresponde, que su obra, aquello que salió de sus manos sea respetada. Debería de existir un código que protegiese las obras de arte. Y no sólo eso. Si el artista crea una obra para una determinada ubicación debería también ser respetada. No podemos convertir el arte en algo tan mercantil como para que en el momento que se haya solventado la venta esa obra no sea respetada, porque no se respeta tampoco al individuo que la ha creado. Esa es mi opinión. Y hoy es el día que cuando paseo por las calles y veo una escultura atacada, mal cuidada o abandonada, creo que están atacando nuestro patrimonio y nuestra cultura. Es necesario educar en el respeto.

Escultura agredida de AGUSTÍN IBARROLA

El día 28.10.11 en el diario El País Isabel Landa dedicaba a este tema un artículo del que os dejo el párrafo de introducción:

“Las esculturas son una de las creaciones artísticas más vulnerables en las plazas, paseos, parajes naturales y exposiciones al aire libre de pueblos y ciudades. El paso del tiempo no solo deja huella en el hierro, la madera o el mármol, la mano del hombre también provoca desperfectos, la mayoría de la veces intencionadamente”

.

En cuanto a la privacidad de los grandes museos o lugares en dónde se ubican las obras de determinados artistas, supongo que a estas alturas no hay mucha duda. Si son propiedad del Estado o de una determinada Comunidad, estos tienen la obligación de mantenerlas y además de mostrarlas como bien cultural de forma gratuita a sus ciudadanos. Si se tratan de colecciones privadas, serán sus dueños los que las mantengan o en su defecto Fundaciones creadas a tal fin por mecenas del Arte.

Escultura de Eduardo Txillida en el museo TXILLIDA LEKU

Son muchos temas a tratar, pero estaría encantada de que se abriera más de un debate a partir de esta entrada.

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

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Fuentes utilizadas: archivo propio. Diario El País de fecha de referencia.

Para la fotografía: Archivo propio y la red.

RICHARD SERRA Y BRANCUSI, ENCUENTRO EN BILBAO

No va a ser el tema de esta Entrada esta maravillosa exposición que nos ofrece el Museo Guggenheim de Bilbao. El tema de hoy se centra en la figura del escultor Richard Serra. Si el título de la entrada hace mención a ambos escultores es precisamente porque ambas obras se han encontrado en este Museo y ello me ha dado opción a recordar la Entrada que en su día (este blog 7 noviembre de 2009) dediqué al escultor rumano.

Escultura de Richard Serra

Pero en la Entrada de hoy, me voy a centrar en la más cercana en el tiempo de Richard Serra.

Al hablar de Brancusi hacía mención a cómo el escultor fue derivando desde una obra influenciada por Rodin, hasta lograr su propio estilo que finalizaría en una escultura abstracta marcadamente ovoide y que es su factura inconfundible.

Con Richard Serra viajamos en el tiempo hasta avanzar a mediados del siglo y vamos a ver también su evolución.

Obra en interior de formato más pequeño

Ambos escultores son dos grandes de nuestro siglo. Podríamos decir que cada uno de ellos son dos maestros de referencia en el al arte de la escultura, separados por los años y que han venido a encontrarse en esta exposición que ya ha visitado otros museos europeos.

Ambas obras, tanto la de Brancusi como la de Serra se pueden admirar en la naturaleza, pero en mi opinión, yo percibo una clara diferencia. Si la obra de Brancusi se admira desde “fuera”, la de Serra nos incita a penetrar en ella. En la entrada dedicada a la obra de Jorge Oteiza, (este blog 12.10.2009) hice una afirmación similar cuando hablaba de la obra del escultor vasco. Y es que, y siempre en mi opinión, esa obra carente de peana, ubicada en espacios abiertos, se nos hace cercana, y nos “invita” a verla desde dentro.

"MOSTRANDO EL CAMINO"

Es una manera de aproximar la escultura al público que pienso que es muy importante para que el arte llegue a todos. Pasear por una ciudad en la que sus artistas han depositado su obra y ésta queda a “pie de calle” es un lujo que debería de estar al alcance de todos. Es una forma de educar.

Pero volvamos a Richard Serra, un escultor ya conocido para nosotros puesto que el Museo Guggemheim, además de haberle dedicado exposición, tiene obra propia permanente.

Serra nació en EEUU en 1938 y estudió en varias universidades americanas entre ellas Yale, pero es un artista muy vinculado a España en dónde ha realizado mucha de su obra.

De padre mallorquín y madre rusa, Serra estudio primero literatura, pero cuando vivía en la costa oeste americana trabajaba en una acería, algo que sin duda influiría en su obra artística.

Obra en caucho

En un principio en su obra nos encontramos con una serie de instalaciones o montajes a base de neón y caucho, pero posiblemente la obra más conocida es aquella realizada con materiales industriales como el acero y hormigón. Unos materiales de los que se vale para realizar una escultura de corte sencillo y a la vez espectacular. Las esculturas de Serra llevan un cierto tono de óxido al principio de su ubicación, pero llega un momento que este color se mantiene estable.

Instalación en el Guggenheim vista desde arriba

En nuestro país, y refiriéndome al Guggenheim de Bilbao, encontramos, entre otras, una gigantesca escultura denominada Snake (serpiente). Se trata de tres hojas de acero con trayectorias curvas y que fue instalada en el museo de forma permanente.

También de forma permanente se encuentran en la sala más grande del museo otras siete esculturas. El propio escultor dijo de toda esta serie que era la creación más grande de su carrera.

El artista instalando la obra en el Guggenheim

Aunque la relación entre el artista y España es muy estrecha y grata, no siempre ha sido así. El Centro de Arte Reina Sofía en 2006 anunció la “pérdida” de una de sus esculturas. Se trataba de una pieza de 36 toneladas. El artista duplicó gratuitamente la pieza que desde 2009 forma parte de la colección permanente de dicho museo.

Obra en el Reina Sofía

Podríamos decir sin miedo a equivocarnos que la fama del artista ha ido creciendo a la par que el tamaño de sus obras que pronto tuvieron que salir al exterior por sus dimensiones.

En Berlín 1986

Son muchos los lugares del mundo en dónde la obra de Serra puede ser admirada. En el año 2000 instalaba en San Francisco el “Charlie Brown”, una escultura de 60 pies de altura. En 2005 y de nuevo en San Francisco, instalaba dos láminas de acero en un espacio abierto de la Universidad de California.

CHARLIE BROWN

Una de sus obras más famosas, un enorme arco de una altura de 4 metros y 36 metros de largo que en 1981 se le encargó para la Federal Plaza de Nueva York, dio más de un problema al artista. Con esa altura y esa longitud, su grosor era mínimo, de centímetros, lo que hacía que los que tenían que atravesar el lugar se encontrasen con una pared de metal que dificultaba la marcha y se pidió un cambio de ubicación. Pero Serra concibe su trabajo en función del lugar al que va destinado y se negó a ello. A pesar de que la opinión ciudadana votó por su retirada Serra exigió que se destruyese. El artista dijo que se debía de dejar en ese lugar o en ninguno. Finalmente fue convertida en chatarra en 1989 y el mundo de la cultura se estremeció abriéndose un gran debate sobre quién debe decidir dónde situar las obras de arte, sobre quién debe de recaer la decisión, si sobre los políticos, sobre la ciudadanía o sobre el artista. Richard Serra encendió aún más la polémica al añadir que el arte no es democrático y que no es para el pueblo.

RICHARD SERRA en SAN FRANCISCO

No obstante su obra, por mucho que el artista opine de esa manera, es una obra cercana al espectador que además invita a éste a introducirse en ella, a tocarla y a disfrutarla. La prueba es que las ciudades desean tener las obras de Serra en sus calles.

ESTACION DE METRO. LONDRES

Nosotros, por suerte, la tenemos muy cerca y además estos días junto a la de otro artista imprescindible en la escultura. Brancusi y Serra nos esperan en un espacio idóneo para admirar a dos grandes de nuestro siglo.

El artista y su obra

Richard Serra obtuvo el Principie de Asturias en 2010.

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Fuentes consultadas:

La Sculture 1 et 2 . Varios autores (Ed.Taschen)

Arte del siglo XX. Varios autores (Ed. Taschen)

La red en Wikipedia.

Para la fotografía: las mismas

ANISH KAPOOR. Hablemos de instalaciones.

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Los que visitan estos Encuentros saben que no me he prodigado demasiado en un tema tan actual como es el de las instalaciones. Entre las excepciones, casi todas ellas de escultores que dedicaron parte de su vida profesional a la instalación, voy a referirme a dos artistas. Una, la francesa Niki de Saint Phalle (este blog el 14.2.10). Saint Phalle, aunque no se dedicó al cien por cien a las instalaciones, sí tiene muchas de sus “nanas” formando parte de más de una instalación en el paisaje urbano, y la otra, la artista Louise Bourgeois que nos visitó el 6.6.2010. Precisamente el artista que hoy os presento, al igual que Bourgeois, tiene obra en el bilbaino Museo Guggenheim. Se trata de Anish Kapoor, un artista que ha visto su obra rápidamente catapultada a la fama.

Si Bourgeois nos dejaba uno de sus magníficos arácnidos en la puerta del Guggenheim, Kapoor nos dejó “El gran Árbol y el ojo”.

Al igual que su obra es multidisciplinar en cuanto a materiales y formas, podríamos decir que Kapoor es una persona multicultural y no solamente por su apertura de miras y su talante de ciudadano del mundo, sino por reunir en su propia persona un bagaje de diversas culturas.

Nacido en Bombay en 1954, vivió sus primeros años en India. Su padre era hindú, su madre judía-irakí y su abuelo rabino en una sinagoga. Toda la familia se trasladó a Mónaco y Anish posteriormente marcharía a Londres para estudiar Arte y dedicarse a la escultura. Realizó sus estudios en el “Hornsey Collage of Art” y en el Chelsea School of Art & Design”.

Así que no es de extrañar su deseo de que no se le encasille en una determinada nacionalidad.

Si hablamos de su obra, no sería justo clasificarla como simple escultura, como minimalista, o en cualquier clasificación que la encaje en un determinado estilo. Su obra es tan multidisciplinar, como multicultural es el artista.

White-Sand-Red Millet many flowers 1982

Sus primeras obras nos traen con sus pigmentos de colores el recuerdo de su lugar de nacimiento, aquel en dónde pasó los primeros años de vida. También se corresponden a estas obras primerizas una mayor simplicidad de formas.

1971

A partir de los años 90 comenzó a experimentar con más materiales. Investiga las resinas, los metales y también cambia los volúmenes que van adquiriendo enormes proporciones. No obstante no perdería ni la sencillez de la forma, ni su espíritu multicultural.

Memory 2008

En ese año de 1990, en la Bienal de Venecia recibiría el premio Duemila y en el 91 el Premio Turner, pero podríamos decir que desde los años 80 la carrera de Kapoor ha sido la de un meteoro y con trayectoria internacional.

Obra expuesta en la Real Academia de las Artes de Londres

En breve tiempo su obra se ha exhibido por todo el mundo y aclamada allí en donde está expuesta. Receptores de su obra han sido, entre otros muchos lugares, la Tate Galley y la Hayward de Londres, el Kunsthalle de Basilia, el Deutshe Guggenheim de Berlín. También su obra ha llegado a Japón y a EEUU.

Arquitectura textil

Sus instalaciones espectaculares están diseminadas por el mundo y allí en dónde se colocan no dejan a nadie indiferente. Son muchos los lugares que se disputan tener una obra del artista.

Sky Mirror

Posiblemente algo que atrae poderosamente la atención de aquel que se encuentra ante una instalación de Kapoor es esa conjunción de grandiosidad y sencillez.

Images

Y es que es difícil que deje indiferente una obra de tales dimensiones lograda a base de unas líneas sencillas, simplemente de una gran curva y un intenso color. Toda su obra invita a la reflexión y como tantas veces he repetido en este mismo blog, delante de obras de estas características, se entiende que “menos es más”.

Curve (acero inoxidable)

Llama la atención que, precisamente él que no quería ser considerado de un lugar determinado, que buscaba ser un ciudadano del mundo y mostrar al mundo su propia mezcla multicultural, haya conseguido ser único e inconfundible. Sus obras no dan lugar a dudas, ahí en dónde se encuentra asentada una instalación de Kapoor, a nadie le llevará a equívoco la mano de su creador.

Entre nosotros tampoco podía faltar su presencia y además de El Reina Sofia de Madrid, el Guggenheim de Bilbao fue receptor de su obra y posteriormente de una instalación.

El gran árbol y el ojo

En verano de 2011 el museo adquirió “El gran árbol y el ojo”. Este octubre se ha comenzado la reinstalación en el emplazamiento elegido después de haber sido sometida a un tratamiento para que soportara la ubicación en el exterior.

La obra adquirida había sido instalada en ese mismo lugar hace un año cuando el Museo realizó la retrospectiva del artista. Consta de 80 bolas de acero inoxidable y el equipo del artista decidió desmontar la obra para aplicar un tratamiento al mástil que sujeta las esferas para que pueda soportar las inclemencias de nuestro clima, justo al lado de la ría bilbaína. El tratamiento aplicado ha resultado satisfactorio y se espera que quede totalmente instalada a final del mes en el que escribo.

Esta obra tuvo un coste de 3.500.000 euros.

Esferas Leviatán. Gran Palais Paris

Creo que quedaran pocos lugares en el mundo en el que las creaciones de Anish Kapoor no brillen con su sencillez y pureza atrayendo hacia ellas miradas universales. Creadores como Anish Kapoor hacen más bello el mundo que nos rodea.

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Fuentes consultadas:

La Sculpture, de la Renaissance au XX Siècle. ( Ed.Taschen)

Arte del Siglo XX. (Edit.Taschen)

Historia del Arte E.H.Gombrich (Ed.Debate)

En la red Wikipedia

Para la fotografía:

Las mismas, archivo propio y la red.