Alfons Mucha es sin duda un referente cuando miramos hacia el Art Nouveau (entrada anterior de este Blog) Dibujante, cartelista, decorador, diseñador y pintor, Mucha nació en 1860 en una pequeña ciudad de Moravia, Imperio Austriaco (actual República Checa) muy cercana a Brno.
Desde niño tuvo inclinación por el dibujo y pronto pudo trabajar en Moravia en empleos que requerían una pintura decorativa. Estuvo en Viena realizando trabajos para una compañía de diseños decorativos de teatro y completó una formación que pronto pondría en práctica al regresar a Moravia y comenzar a trabajar por su cuenta realizando decorados y retratos.
LADY DAISY
El conde Kart Khuen, después de un encargo de unos murales para uno de sus castillos quedó tan satisfecho que le apadrinó para que entrase a formarse en la Academia de Bellas Artes de Munich.
La famosa Academia Julián parisina fue otro de los lugares en donde el artista se formaría. Ya por esa época, en París, realizaba ilustraciones para revistas y hacía trabajos publicitarios.
SAVONNERIE DE BAGNOLET
Un trabajo para la actriz Sara Bernhardt, a la que iba a estar muy unido, le lanzaría a la fama. Se trataba del cartel anunciador de la obra Gismonda que apareció en las paredes parisinas y que fue una auténtica revolución.
GISMONDA
Bernhardt le ofreció un contrato para seis años. Sus carteles, en los que aparecía la actriz, llevaron la fama de ésta por toda Europa y Alfons Mucha realizaría además trabajos de escenografía y vestuario en el Théâtre de la Renaissance. Fue el principio del triunfo.
CARTEL PARA MEDEA 1898
Sus diseños presentan unas líneas sinuosas, numerosos arabescos, flores de largos tallos y mujeres con larga melena y ataviadas con túnicas de muchos pliegues. Mucha produjo gran cantidad de pinturas, pósteres, ilustraciones, diseños para joyería, alfombras, empapelados y decorados teatrales con un estilo, como podemos observar, muy en la línea del Art Nouveau que fue muy imitado, aunque el intentaba distanciarse de esa denominación. Su opinión era que el arte debía de transmitir un mensaje y se sentía profundamente frustrado por la fama que consiguió de un arte que era más bien comercial.
POETRY
Estos diseños con los que Mucha adornaba a las mujeres y que reproducían todo tipo de detalles, llamaron la atención del joyero Georges Fouquet que realizaría una colección de joyas basada en ellos y que presentaría en la Exposición de París de 1900. Fue una colección en la que prevalecía la influencia bizantina y oriental. También decoró la Joyería de Fouquet. Alfons Mucha visitaría en numerosas ocasiones Estados Unidos.
DE LA SERIE LAS JOYAS: “ESMERALDA”, “RUBÍ”, “TOPAZ”
En su obra pictórica podemos apreciar dos estilos: uno, de influencia prerrafaelista (este blog 7 de enero 2011) y otro, el que aparece en sus carteles, que como ya hemos mencionado era marcadamente Art Nouveau. No obstante, tanto en uno como en otro, aparecen las mujeres ataviadas como diosas y con abundantes adornos, con caras angelicales, siempre rodeadas de motivos florales y alegres. Se podría decir que creó “una mujer Mucha”.
ENSUEÑO DE LA TARDE
Realizó diversas “series” denominadas de diferente manera como: “Las 4 estaciones”, o la serie de “Las Joyas” (algunas de las cuales apreciamos más arriba), o “Las Horas del Día”, etc.
LAS CUATRO ESTACIONES: PRIMAVERA,VERANO,OTOÑO,INVIERNO
"Las cuatro estaciones", que fueron empleadas como paneles para decoración, fue una de sus obras más conocidas. Podemos apreciar con claridad los cambios de las estaciones, la diferencia de tonalidad, los distintos momentos del campo en cada época y todo ello con sus diseños característicos, tanto en lo referente a la naturaleza como a la figura de la mujer. Mujeres bellas, con ropa etérea, rodeadas de una naturaleza que ayuda a equilibrar la composición, todo minuciosamente representado.
VIDRIERA EN LA CATEDRAL DE SAN VITO
No podía faltar en su obra la vidriera. La que vemos aquí se encuentra en la Catedral de San Vito de Praga.
Gran cantidad de obra que creó para calendarios todavía hoy en día la podemos admirar decorando cajas, carteles y sobre diferentes soportes.
Alfons Mucha dedicaría muchos años de su vida a lo que el consideró su obra maestra: La epopeya del pueblo eslavo. Se trataba de unos veinte cuadros de gran formato que más tarde iba a presentar en Praga. Mucha había soñado con completar esta serie, la épica eslava, desde su juventud. Las pinturas, que describen la historia de los pueblos eslavos, serían donadas a la ciudad de Praga en 1928.
Cuando los alemanes invadieron la antigua Checoslovaquia, Mucha fue arrestado. Nunca pudo recuperarse de esos momentos, ni superar ver su país invadido. Moriría en Praga en 1939.
MUSEO KAUNIC. PRAGA
El Museo Mucha, primer museo del mundo consagrado vida y obra de Alfons Mucha, está situado en el palacio de estilo barroco Kaunic, en el centro histórico de Praga.
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Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.
Fuentes consultadas:
El simbolismo. Michale Gibson (Edit. Taschen)
19th-century art.de la Nacional Gallery de Praga
Historia visual del Arte. Claude Frontisi. (Edit.Larousse)
Al final del siglo XIX, para ser más exactos durante la última década, se desarrolló en Europa una tendencia modernista que se manifestó en todas las artes tanto en la arquitectura, como en diseño de interiores, sobre todo en todo lo referente a mobiliario, textiles y demás utensilios de uso habitual, en el diseño gráfico, joyería y también en escultura y pintura.
MUEBLE-GABINETE
Como ha sucedido en muchas ocasiones a lo largo de la Historia del Arte, este estilo fue fruto de la carencia de inspiración o creatividad del momento. Por poner un ejemplo diremos que en joyería, que fue una de las artes que acusó el cambio, se seguía utilizando un diseño “isabelino” y sobre todo, un estilo que era uniforme e inamovible en toda Europa.
JOYA DISEÑO ART NOUVEAU
También, como en casi todos los estilos o movimientos, diferentes influencias iban a contribuir a su nacimiento. El Neogótico, el Historicismo o el Simbolismo (en este blog 25/12/10 y más). Sin embargo es el Arts and Crafts Movement de William Morris, el que es considerado crucial y precursor para la formación de la personalidad de este movimiento.
Literalmente su nombre significa “Arte Nuevo” y como la denominación indica, designa con ello un estilo innovador y complejo. Se dio, como ya hemos dicho, en todas las artes y en diseño pero podríamos decir que fueron las artes decorativas las que más acusaron la revolución que nacía como una consecuencia de la industrialización y la tecnología que habían dominado las últimas décadas del siglo XIX.
Después de diferentes experiencias inglesas, en 1890 surge en Bruselas lo que se iba a conocer como un nuevo estilo: el Modern Style que nos habla de su origen inglés. Y sería a partir de la Exposición de París de 1900 cuando se extendería con éxito a nivel internacional.
TIRADOR de puerta en CASA HORTA(BRUSELAS)
Ningún sector del arte ni de la vida cotidiana permaneció indiferente en esa época ante la aparición del cine, de los productos de la era industrial, o ante la mecánica. Si el cine reflejó esa revolución tecnológica, el Art Nouveau quiso “embellecer” esos procesos. Si tecnología y arte había estado separados hasta ese momento, el Art Nouveau se propuso cambiar esa situación y reconciliar arte y técnica y se podría decir que el momento llegó en esa fecha de 1900.
Nuevas teorías y nuevas estéticas iban a ser las bases del cambio. Lo mítico, lo fantástico, la influencia de civilizaciones orientales, la simetría a la hora de componer objetos de decoración que cada vez eran más atrayentes, una decoración naturalista de abundantes motivos de flores y animales que no eran meros adornos en los objetos, sino el medio para dar la forma. La función y el uso se convierten así en un placer estético.
BROCHE CON DISEÑO ART NOUVEAU DE RENÉ LALIQUE
Mirando un poco la historia, diremos que los movimientos artísticos que se habían dado con anterioridad en cada lugar del mundo iban a influir también de diferente manera e intensidad, en las distintas artes del nuevo movimiento.
Vemos por ejemplo que el neo-rococó influyó mucho en el movimiento, sobre todo en lo referente a la reproducción de la naturaleza en todo el arte mobiliario, o el neo barroco con sus relieves y sus efectos de luz y sombras, en las formas de la escultura.
El renacimiento celta que se dio en Escandinavia, Gran Bretaña y en Irlanda, se vería reflejado en la orfebrería y sobre todo en la Ilustración.
DISEÑO de RENÉ LALIQUE
Lo cierto es que si nos remontamos mucho y miramos hacia un William Blake y los prerrafaelistas (este blog día 7/12/10) posiblemente en ellos encontraríamos un primitivo Art Nouveau.
También la presencia del arte japonés que irrumpió en Europa iba a dejar su impronta.
DETALLE FACHADA HOTEL SOLVAY en BRUSELAS
El Art Nouveau tuvo un gran exponente en la arquitectura. Su desarrollo se dio principalmente entre 1890 y 1900 en Europa. En Latinoamérica se desarrolló más tardíamente (hacia 1920 aprox.).
Tanto la arquitectura como la decoración de los edificios se verían fuertemente marcadas con este estilo en la estructura y en la ornamentación. La decoración naturalista (flores, hojas, huesos, animales) se sobrepone a los elementos funcionales.
INTERIOR MUSEO VICTOR HORTA. BRUSELAS
También la ambientación y la decoración de los interiores cambian. Son más claras y sencillas y hay una cierta continuidad entre el estilo de dentro y fuera de los espacios. Las fachadas toman un gran valor decorativo y los azulejos, el vidrio y el hierro forman parte ellas.
DETALLE ESCALERAS en CASA HORTA (BRUSELAS)
Y todo esto sucedía en todos los países. El Art Nouveau estaba presente en las formas, en las construcciones, en la decoración y hasta en el espíritu de todo el mundo. Pero como ya hemos mencionado, en cada lugar se desarrolló de diferente manera, o se dio más importancia a determinadas expresiones artísticas.
Por ejemplo, Bélgica tuvo su mayor representante en la figura de Víctor Horta que a finales del XIX, concretamente hacia 1890 definió el nuevo estilo. Su diseño de muebles y de edificios es la total representación de lo que se entiende por Art Nouveau . En su obra muestra una total sintonía entre decoración y edificio. Sus decorados son motivos vegetales ondulantes y formas abstractas.
EDIFICIO ESTILO ART NOUVEAU EN BRUSELAS
Una de sus casas, la famosa Casa Tassel ubicada en Bruselas, es considerada como la primera obra moderna completa. En ella Horta introdujo el hierro en la vivienda como material de construcción pero también como ornamento, tanto en el jardín como para soporte de la escalera, en las barandillas y en los balcones. También los muebles se ven orlados de una decoración de motivos serpenteantes y entrelazados.
CASA HORTA. Diseño de Víctor Horta (BRUSELAS)
Este ejemplo del Art Nouveau quedó para la posteridad, no como muchas otras obras suyas que fueron destruidas. Su ayudante Jean Delhaye salvo todo lo que pudo y lo reunió en la residencia de Horta que pasó a ser Museo permanente con su ornamento y mobiliario.
Francia también desarrolló esta tendencia, teniendo sus principales artistas en Guimard, Gaillard y de Feure. Al primero, Héctor Gaumard, debemos las preciosas estaciones del metro parisino.
Entrada METRO PARISINO
En Alemania, es en Munich y en Darmstadt dónde el movimiento, que toma el nombre Jugendstil, se desarrolló con más fuerza. Obrist será conocido por sus muebles y sus tejidos bordados y Endell por las decoraciones en los edificios. En Darmstadt se dio un gran grupo de pintores y escultores que trabajaron en todas las artes.
En Austria el movimiento modernista toma el nombre de Secesión. Su fundador es un conocido nuestro que visitó en la anterior entrada (13/2/11) este Blog, el pintor G.Klimt que junto a los arquitectos Hoffmann y Olbrich lo fundado en 1897.
Curiosamente en Inglaterra, origen del estilo Art Nouveau, nunca llegó al desarrollo que consiguió en el continente. Posiblemente, el llamado grupo de Glasgow que lideró Mackintsho, fue quien llevó a practicar el estilo de la manera más pura.
DETALLE TEJADO CASA BATLLÓ
En España el Modernismo español se identifica con el movimiento catalán, cuya figura más importante y representativa es el genial arquitecto y diseñador Antonio Gaudí. Este artista completo fue todo un exponente de creatividad y fantasía.
Su extraordinaria arquitectura se puede considerar única en el mundo. Sus edificios privados y sus construcciones públicas, como el famoso parque Güell, una de las obras cumbre de Gaudí, han hecho famoso el nombre de Barcelona en todo el mundo.
CASA BATLLÓ
En los balcones de la fachada de la Casa Batlló encontramos esa ornamentación de la que hemos hablado con calaveras humanas y con columnas en los balcones que semejan articulaciones óseas. La ornamentación es decoración pero también estructura, algo esencial en el Arte Moderno.
DETALLE DEL SALÓN DESDE EL INTERIOR
Los edificios, los muebles, la herrería, la cerámica, en fin, todo aquello que salió de sus manos, fueron ejemplo y motivo de estudio para los muchos artistas que se miraron en la obra de Gaudí para desarrollar la suya propia. Se puede decir que grandes artistas de talento sucedieron al maestro.
Al contrario de lo que sucedió con la obra de Víctor Horta, la monumental obra de Gaudí y de los que le siguieron, permanece intacta para goce de los que apreciamos el arte. Podríamos decir que Barcelona es un Museo que contiene la obra del gran Maestro.
CASA BATLLÓ
También en Italia se difundió el estilo Liberty. Fue exactamente después de la Exposición de París de 1900 y se afirmaría más tarde en 1902 en la Exposición de Arte Decorativo Moderno de Turín.
Su figura más destacada sería Ernesto Quarti muy influenciado por el Art Nouveau francés y por el austriaco. Trabajó la marquetería con nácar, plata y carey.
Pero todos aquellos que actuaron bajo el pensamiento o la filosofía del Art Nouveau y lo llevaron a la práctica, en general actuaron para satisfacción de un público que buscaba algo diferente o especial. Es decir estuvieron un poco a merced del “capricho” y las tendencias de ese público.
TULIPA ESTILO LIBERTY
Sin embargo, siendo un estilo que intervino en todos los campos imaginables como hemos visto, en la arquitectura, en la cerámica, el mueble, en el campo textil, el vidrio, el hierro, en una palabra, siendo un movimiento que abría la puerta a una auténtica revolución, fue un movimiento efímero, posiblemente por lo que apuntaba de su necesidad de ese público y de su opinión e influencia para subsistir y pasó a la historia más como algo utópico que como un movimiento artístico consolidado.
No obstante esa utopía quedo plasmada para siempre por todo el mundo para disfrute de todos nosotros.
DETALLE EDIFICIO ESTILO ART NOUVEAU EN BUENOS AIRES (ARGENTINA)
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El simbolismo en los países escandinavos presentó una imagen más austera y seria que en el resto de los países, con la excepción de la obra del artista que hoy nos visita.
AUTORRETRATO
Akseli Gallen Kallela, nació en Pori (Finlandia) en 1865. Fue pintor, artesano y como muchos simbolistas un magnífico ilustrador.
Su estilo fue variando con el tiempo, comenzando con el realismo académico en sus primeros tiempos, para pasar por el naturalismo, el simbolismo y en su ecléctica y rica carrera artística llegar hasta el expresionismo.
ASTRA
Pero si en algo hay que detenerse al estudiar la vida y obra de este completo artista es en su trabajo de ilustrador que le llevó a ilustrar el Canto Kalevala, el gran episodio épico finés. Este episodio también sirvió al músico finés Sibelius, gran amigo del pintor, para inspirarse en la composición musical basada en ese Canto.
Porque hay algo más que no podemos eludir al escribir sobre Gallen Kallela: su profundo nacionalismo. Defendió la nacionalidad finlandesa, y perteneciendo a la minoría de habla sueca, llegó a cambiar su nombre para hacerlo fonéticamente más finés, algo bastante usual entre los activistas nacionalistas.
LA DEFENSA DE SAMPO
El hecho de haber trabajado en profundidad investigando sobre el Kalevala y su ardor nacionalista han sido considerados como muy importantes para el surgimiento de un sentimiento nacional en ese país. Sin duda fue, junto al músico Sibelius, el más conocido de los artistas fineses.
Su padre se opuso al deseo de Gallen Kallela de ser artista y sólo a la muerte de su progenitor en 1879 comenzaría a recibir clases de dibujo en la Sociedad Finlandesa de Arte. En 1884 marchó a París dónde entró en contacto con artistas y escritores. De la época parisina es su “Desenmascarada” ,una pintura en la que nos presenta una modelo parisina que se encuentra sentada sobre un tejido finlandés y tapices y alfombras tradicionales del siglo XVIII. Un decorado finés para una modelo muy francesa.
DESENMASCARADA
También pintó retratos de la alta sociedad finesa y sobre todo brilló en los retratos a su familia. Un ejemplo que nos da muestra de la brillantez de su arte es el retrato que hizo a su hermanastra Anna. Anna volvería a ejercer de “modelo” en varias de sus obras.
LA PEQUEÑA ANNA 1897
En 1890 al contraer matrimonio recorre en su luna de miel la Karelia Oriental en dónde tuvo ocasión de impregnarse de las leyendas y tradiciones que en esa zona se conservaban muy puras. Fue la oportunidad para comenzar a recopilar material para sus ilustraciones del Kalevala. Su estilo ya estaba inclinándose sensiblemente hacia el simbolismo.
Trabajó intensamente en el rescate de las leyendas de la mitología finlandesa que podemos encontrar en sus lienzos con la temática del “Sampo” que es un molino que reproduce, además de grano y sal, oro.
LA FORJA DE SAMPO 1893
En el "Tríptico de Ayno" se puede apreciar esta investigación de la historia y de la mitología cargada no sólo de un sentido nacionalista, sino de romanticismo y sin duda del simbolismo que mencionamos. De esa época datan también muchas obras de paisajes.
TRIPTICO DE AYNO
En esa época también comenzó a aplicar el Art Nouveau en diseños y pinturas. Un ejemplo son los frescos del vestíbulo del Museo Nacional de Historia de Helsinki que representan pasajes del Kalevala con trazos fuertes y colores vivos.
En 1894 marcha a Berlín para supervisar con el noruego Edvard Munch una exhibición conjunta y en 1895 recibe un telegrama en el que le notifican la muerte de su hija a causa de la difteria. Esta desgracia iba a marcar un antes y después en la vida y en la obra del artista. Si las pinturas anteriores a este suceso estaban cargadas de romanticismo, las posteriores se llenaron de agresividad.
LA MADRE DE LEMMINKAINEN
Entre ellas se encuentran “La Defensa del Sampo”, “La venganza de Joujahainen” o “La madre de Lemminkainen”. Son obras de fuerte carga y de rabia contenida como el fresco de su autorretrato que vemos aquí.
AUTORRETRATO AL FRESCO
En la Exposición Universal de París de1900 Gallen Kallela es el encargado de pintar los frescos para el Pabellón Finlandés. Sus ideas nacionalistas y su espíritu anti-ruso es bien manifiesto en sus pinturas. Una de las serpientes del fresco denominado “Ilmarinen” (nombre del héroe del Kalevala) lleva en su cabeza la corona de los Romanov y también se muestra el proceso de extraer víboras del campo en clara alusión a la independencia de Finlandia. Este fresco le proporcionó la medalla de oro de la Exposición Universal y más tarde la Legión de Honor francesa.
También pintó los frescos del Mausoleo de Joselius en Pori (su tierra natal). Posteriormente se dedicó largo tiempo a trabajar temas procedentes de la naturaleza.
Fue un hombre inquieto. Con su familia viajó a Nairobi, aunque no llegó a establecerse allí, regresando a Finlandia al poco tiempo. En su tierra, en las cercanías de Helsinki , diseñó y construyó su casa-estudio a donde se trasladó a vivir con toda la familia.
PERDIDA EN EL BOSQUE 1886
En 1918, Gallen Kalella y su hijo toman parte de la guerra civil finlandesa que se saldó con la victoria del bando dónde lucharon ambos. La hegemonía rusa había terminado aunque marcó una gran grieta en la sociedad finesa.
Gallen Kallela con su hijo, también pintor, diseñaron los uniformes para el nuevo estado independiente y pintaron las banderas y condecoraciones oficiales.
Pero este hombre inquieto todavía iba a continuar su viaje. Se desplazó a EEUU y entre 1923-1924 vivió en Chicago y posteriormente, en 1926, en Nuevo México, estudiando el arte y la cultura de los indios americanos.
EL INDIO OHUTAA
En el año 1922 se publicó una nueva edición de Kalevala con ilustraciones del pintor y en 1925 comienza a realizar nuevas ilustraciones para lo que el denominó “El gran Kalevala” que quedaría inconcluso ya que el pintor falleció a causa de una neumonía en año 1931 en Estocolmo.
Los últimos años de su vida los dedicó a experimentar con su propio estilo mientras exponía conjuntamente con el “Die Brücke-El Puente” (varias referencias en este blog) el grupo expresionista alemán del que formaba parte desde 1907.
En 1961 la casa-estudio que había construido se convirtió en el Museo Gallen Kallela, un lugar de referencia si se quiere conocer la obra y las investigaciones de este inquieto y completo artista. Os dejo la dirección del museo Gallen Kallela por el que podemos realizar una “visita virtual”. http://www.gallen-kallela.fi/english.html
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Fuentes consultadas:
Arte finlandés a través de los siglos (varios autores).
Nacido en Niza en 1883, Gustav Adolf Mossa, iba a tener en su padre, Alexis Mossa, ilustrador, pintor y creador de numerosos carteles para el carnaval de Niza, una de las más fuertes influencias para dedicarse a la pintura.
La inclinación hacia el arte comenzó en su temprana edad. Dice su biografía que con nueve años realizó una pintura tomando como modelo la fotografía de su progenitor.
Pertenece Gustav Adolf Mossa a ese grupo de pintores como Gustave Moreau, Edgar Maxence y algunos más que se inspiraron en el Quattrocento y en los Pre-Rafaelistas para realizar su obra.
LA DAMA Y EL JOKEY
En Mossa, además, observamos una gran influencia del Art Nouveau debido, en parte, a su formación en la Escuela Decorativa de Arte de Niza hasta el año 1900 en dónde tuvo contacto con este estilo que hacia 1890 surgiría en Europa y que, aunque conocido como Art Nouveau, tomó diferentes nombres en los distintos países europeos en los que se desarrolló y del que hablaremos en este Taller de Encuentros en futuras entradas.
EVA PANDORA
Mossa, al igual que otros simbolistas, también se inclinó hacia la literatura escribiendo obras de teatro y diversos poemas.
EL PRINCIPE DE LA ESTUPIDEZ
Su padre, además de ser de gran influencia a la hora de elegir el arte como oficio, encendió en él un interés por los paisajes de los alrededores de su Niza natal y le introdujo en el arte de la acuarela. Todo ello hizo que fuera adquiriendo una técnica fina y precisa. El primer cuadro que se podría considerar simbolista, “Salomé”, lo pintó hacia 1901.
SALOMÉ
También sería con su padre con quien viajaría a Italia. Un viaje por Padua, Mantua y Venecia que le pondría en contacto con todos los movimientos artísticos del momento.
MARIA MAGDALENA
Entre los años 1904 a 1911 gozó de un periodo muy fructífero. De esa fecha datan sus pinturas simbolistas pero también las acuarelas de paisajes, las escenas de carnaval y también mucha de su producción literaria.
PIERROT
En 1913 expone en Niza y en París toda una serie de obras inspiradas en Robert Schumann.
En toda la obra de Gustav Adolf Mossa hay múltiples referencias a los símbolos, los mitos y las fábulas.
DAVID Y BETHSABEE
Mossa trabajó en el simbolismo durante muchos años. Posteriormente descubriría el “primitivo flamenco” que haría que abandonase esa tendencia pictórica. Sus obras consideradas simbolistas fueron abundantes sobre todo en un periodo determinado, pero la mayoría se conocieron después de su muerte.
AUTORRETRATO
Gustav Adolf Mossa murió en la ciudad que le vio nacer, Niza, en 1971 dejando una obra que nos acerca mucho a ese Art Nouveau que bebió, entre otras, de las fuentes del simbolismo.
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Fuente consultadas:
El simbolismo. Michael Gibson (Edit. Taschen)
Historia Visual del Arte. Claude Fontisi (Edit. Larousse)
Este es un espacio para compartir, disfrutar y difundir el arte en la medida de lo posible.Si queréis enviar alguna sugerencia o poneros en contacto conmigo, podéis hacerlo escribiendo debajo de la entrada correspondiente o bien en la siguiente dirección:
tallerdeencuentro@gmail.com
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