jueves, 20 de enero de 2011

Pierre Cécile PUVIS DE CHAVANNES, Simbolista francés.






Pierre Cécile Puvis de Chavannes, nacido en Lyon en 1824, está considerado como el más clásico de los simbolistas.


En la Historia del Arte, coincide con los impresionistas, al igual que sucedió con los demás pintores considerados cercanos al simbolismo.




LA PALOMA



Después de su paso por la Escuela Politécnica, marchó a Italia y decidió dedicarse a la pintura tomando como maestros a Delacroix y Thomas Couture en cuyos Talleres se formó y cuya obra estudió en profundidad.




ALEGORÍA DE LA VIDA



Tuvo un reconocido éxito con su obra que era bastante peculiar, ya que aunque era el óleo sobre lienzo la técnica que utilizaba, su finalidad era el mural en el que lucía como un fresco.



MAGDALENA



Se valía para ello de grandes lienzos que después de pintar al óleo encolaba en los muros y paredes. Esas obras que decoraron paredes en EEUU y en Europa, fueron las que más éxito le acarrearon, atrayendo hacia él tanto elogios como críticas negativas, sobre todo por parte de los impresionistas que en esos momentos luchaban por sobresalir, mientras que Chavannes, con suS buenas relaciones en las altas esferas y con esas ricas decoraciones, gozaba ya de gran prestigio. También es cierto que los pintores más progresistas como Gauguin o Picasso admiraban la obra de Puvis de Chavannes por su color atrevido y sus temas cargados de fantasía.




EL SUEÑO



Los temas, no obstante, eran los clásicos de los simbolistas, inspirados en la mitología, la religión, la historia y la literatura. Sin ser especialmente religioso, sus obras tienen mucho de espiritual y también se plasma en ellas un carácter visionario, como de provenir del más allá.



LAS JÓVENES Y LA MUERTE



Tuvo gran influencia en su obra el tiempo que pasó en Italia que hizo que comprendiese la gran importancia del oficio de pintor y de la pintura decorativa.




JÓVENES EN LA ORILLA DEL MAR




No se conoce a la persona que le dio el trabajo que sería el descubrimiento de su auténtica vocación: la pintura monumental. Al parecer ésta surgió cuando le eligieron para pintar los frescos de la escalera del museo de Amiens.

También fue peculiar en su obra el trato que dio a la perspectiva y a los planos, atreviéndose con distorsiones, tanto en ellos como en las propias figuras.




LA TOILETTE




Una de las mayores críticas que recibió se refería a la falta de formación técnica. Se le criticó su técnica plana, carente de volumen y se decía de él que era incapaz de dibujar con precisión. Pero Puvis de Chavannes dedicó su vida al arte, formándose en Italia y en diferentes talleres y creando un estilo propio y bien definido. También encontramos dentro de su obra numerosos dibujos y trabajos que confirman que se formó intensamente como artista.




MUJER TENDIDA SOBRE LADO IZQUIERDO. Dibujo




Entre sus muchas obras podemos mencionar una Esperanza que se conserva en el Walters Art Gallery de Baltimore y que fue realizada en 1870.



LA ESPERANZA. Museo Walters Art Gallery de Baltimore




El Museo Orsay de París posee una obra similar en versión más reducida, también realizada entre 1871 y 1872.

En ella el pintor representa la esperanza en una joven desnuda, sentada sobre una tela blanca. Como fondo aparece un paisaje yermo con una arquitectura en ruinas y cruces propias de cementerio que evocan tristeza, muerte y conflictos, pero hay rasgos en el lienzo que dan pie a la esperanza como es el ramo de olivo que sostiene la joven y que nos da la imagen de la paz, o la luz que proviene de las colinas que indican el nuevo día. También las flores que aparecen en el lugar en que se encuentra sentada la joven dan sensación de renacimiento. Al carecer de datos precisos se podría decir que es una pintura atemporal con carácter de símbolo universal.




LA ESPERANZA. Museo Orsay de París




En otra de sus obras más conocidas: “El pobre pescador” también se puede apreciar su tendencia a la pintura monumental, con falta de relieve y con un color bastante apagado. Esta obra al parecer fue una de las más criticadas por los jóvenes pintores del momento y también la más defendida por Gauguin o por Odilon Redon, otro de los simbolistas que nos visitó en estos "Encuentros" el día 25 de diciembre de 2010.




EL POBRE PESCADOR



Durante la última parte de su vida, aunque no tuvo discípulos o escuela propia, su palabra en Arte era ley. El Gobierno recurría a él para grandes obras, como la decoración del hemiciclo de la nueva Sorbona.




BOSQUE SAGRADO AMADO POR LAS ARTES Y LAS MUSAS




Ciudades como París, Lyon, Burdeos o algunas de EEUU siguieron el camino que había comenzado la ciudad de Amiens. Cuando la ciudad de Boston quiso decorar la escalera de su biblioteca fue Puvis de Chavannes el elegido.




VERANO



La pintura decorativa logró con él tener un lugar en las artes y el maestro convertirse en un artista laureado. Cada una de sus obras, que ya estaban presentes por toda Francia, como “Bosque sagrado amado por las artes y las musas” conservado en el museo de Bellas Artes de Lyon, o “Invierno” y “Verano” para el Hotel de la Villa, o “Santa Genoveva vigilando sobre París”, una hierática e impresionante figura vestida con hábitos que vigila la noche parisina, no hacían más que otorgarle mayor reputación.




SANTA GENOVEVA VIGILANDO PARÍS




Después de la muerte en 1894 del pintor Meissonir, Puvis de Chavannes fue elegido unánimemente para la presidencia de la Sociedad de Artistas Franceses. Ya se había ganado un respeto como artista y pensador.



RETRATO DEL AUTOR


Puvis de Chavannes murió en París en 1898. Sobrevivió tan solo unos meses a la que fue su esposa, la princesa Marie Cantacuzene, cuyos rasgos se reproducen en la Santa Genoveva vigilante de su famosa obra.


NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.




Fuentes consultadas:

El simbolismo. Michael Gibson (Edit.Taschen)

Historia visual del Arte. (Edit.Larouss)

La red.

Para las fotografías : las mismas

viernes, 7 de enero de 2011

DANTE GABRIEL ROSSETTI. El prerrafaelista que anunció el simbolismo





LA PIA DE TOLOMEI

Si una de las características del simbolismo fue ir más allá de captar el objeto en sí, ahondar en los valores espirituales y mezclar en ocasiones religión y mitología de una manera que la belleza estuviera presente, aun introduciéndose en el mundo de las sombras, todo ello lo cumplieron los que fueron precursores de este movimiento como los prerrafaelistas, y sin duda fue Dante Gabriel Rossetti uno de sus principales representantes.



LA GHIRLANDATA



Fundador, junto a otros, de la hermandad o sociedad prerrafaelista, grupo que permaneció junto apenas un lustro pero que tuvo enorme influencia en movimientos posteriores, Dante Gabriel Rossetti fue uno de esos jóvenes de apenas veinte años, todos ellos artistas, bien escritores o poetas, bien pintores o escultores, a los que unía un rechazo al arte “oficial”.



LADY LILITH


Gabriel Rossetti nació en Londres en 1828 y fue además de un gran ilustrador y pintor, traductor y poeta y un estudioso de Dante cuyo nombre, aunque figuraba como propio en tercer lugar, anteponía como primero por sus resonancias literarias.



ENCUENTRO DE DANTE Y BEATRIZ EN EL PARAÍSO



Desde muy joven tuvo, como sus hermanos, una gran inquietud literaria, pero aquí nos vamos a ocupar de su faceta de pintor.

Junto a esa inclinación por la literatura el joven Rossetti deseaba pintar y sobre todo estaba profundamente interesado en la pintura medieval italiana.



PAOLO Y FRANCESCA DE REMINI


Su obra llevó camino paralelo a la literatura. Junto al poeta Hunt desarrolló la filosofía de los prerrafaelistas, aunque Rossetti tenía especial interés en la parte medieval del movimiento. Gran traductor, publicaba traducciones de Dante y de poetas medievales y su pintura también iba en busca del estilo de los renacentistas italianos.



SANTA LILIAS



Hacia 1849 pinta su primer gran lienzo inspirado en los antiguos pintores italianos, “La infancia de la Virgen” al que seguiría una exaltación de la pureza de María representada en la Anunciación.

Ya en estas pinturas destaca el cabello de tonos rojizos que vamos a admirar constantemente en el simbolismo como seña de sensualidad. Poco a poco se irán añadiendo elementos como el lirio blanco y otros característicos del simbolismo.



VENUS VERTICORDIA



Su pintura es sobre todo fuertemente mística y se puede decir que en su mayoría fueron figuras mitológicas de gran carga simbólica. Los textos de Dante serían una fuente de inspiración para sus obras. La muerte de su esposa que se suicidó a consecuencia del hijo que nació muerto, hizo que cayera en una fuerte depresión y acrecentó su tendencia a un estilo visionario y marcadamente medieval.



EL SUEÑO DE DANTE A LA MUERTE DE SU AMADA



Enterró toda su obra poética en la tumba de su esposa, a la que idealizó en la figura de la Beatriz de Dante que sería el tema principal de muchos de sus lienzos: “El sueño de Dante a la muerte de su amada” (1856) o“Beata Beatriz” (1863) ambas marcadamente simbolistas.



BEATA BEATRIZ


En “Beata Beatriz” representa a Elizabeth en una pose lánguida y sensual, con su cabello rojo y sobre sus manos se está posando una paloma roja, símbolo de espiritualidad, que porta en el pico una ramita alusiva al láudano (su esposa se suicidó al ingerir esta sustancia). A sus espaldas, una escena representa posiblemente a Dante y Virgilio. El lienzo resultante es un retrato de fuerte simbolismo.

Desde esta fecha Rossetti mantendría la misma factura en sus obras. Figuras femeninas un tanto andróginas, sensuales y muy bellas, estilizadas y rodeadas de ornamento floral.





En ocasiones idealizó a la mujer como una diosa como sucede con el mito de Proserpina o Perséfone raptada por Hades y que fue un tema recurrente en su obra ya que llegó a pintar hasta ocho versiones diferentes de este cuadro.



JANE MORRIS

La modelo era Jane Morris, esposa del artista William Morris con quién Rossetti trabajaba realizando vidrieras y de la que estaba enamorado, pero al estar Jane casada, Rossetti “creó” una situación similar a la del mito, estableciendo un paralelismo entre los episodios en los que Proserpina estaba prisionera de Hades y el tiempo en que Jane pasaba junto a su marido.


PROSERPINA


Rossetti nos dejó una Perséfone de aspecto triste y en cautiverio con un rayo de luz que llega hasta el encierro y que es el símbolo de la libertad.



Como podemos comprobar al introducirnos en su obra y vida, no hay duda de la influencia que su pintura tuvo en el movimiento simbolista de Europa.


LA CASA DE LA PRADERA


En los últimos años de su vida Rossetti cayó en un estado oscuro de inestabilidad mental y drogadicción. Su obra poética, que sus amigos consiguieron que exhumara de la tumba de su esposa, recibió muchas críticas negativas que influyeron en ese deterioro.



RETRATO DE UN JOVEN ROSSETTI


Sus últimos años los vivió retirado cual prisionero en el condado de Kent dónde murió el año 1882.

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.



Fuentes consultadas:

El simbolismo. Michael Gibson (Edit.Taschen)

Historia visual del Arte. Claude Frontisi (Edit.Larousse)

Pintura. Stepehn Farthing y J.F.Yvars (Edit.Grijalbo)

Pintores más influyentes y los artistas a los que inspiraron. David Gariff (Edit.Electa)

Fotografía.

Las mismas, archivo propio y la red.

sábado, 25 de diciembre de 2010

EL SIMBOLISMO Y SUS SEGUIDORES. ODILON REDON




La historia del Arte nos muestra como los movimientos y tendencias artísticas rara vez estaban desligados de los acontecimientos históricos, es decir, todo aquello que movía a la sociedad repercutía en la literatura, en la pintura, en la escultura, en una palabra en el Arte. Si bien es cierto que algunos movimientos tuvieron más fuerza en el mundo de las Artes Plásticas, en muchos casos los grandes acontecimientos artísticos estuvieron encadenados entre ellos y fueron también el espejo de la sociedad.


DESNUDO, BEGONIAS Y CABEZAS de ODILON REDON


En arquitectura podíamos poner como ejemplo del simbolismo alguna de las obras de Gaudi y en escultura, entre otros, a Aristide Maillol (este blog 1.1.2010), pero fue en la pintura en dónde este movimiento tuvo más fuerza.

Se podría decir que el simbolismo surgió paralelo al impresionismo. Mientras los impresionistas se preocupaban por una ruptura con el academicismo oficial, con su salida al aire libre y sus intentos de búsqueda de una pintura científica (puntillismo), los simbolistas querían divulgar una pintura con contenido poético.


OFELIA de ODILON REDON


El precedente del simbolismo se encuentra en William Blake y entre los prerrafaelistas como Rosetti que ya mostraba en su obra un marcado simbolismo. Más tarde este movimiento se fundiría con el Art Nouveau.


LA CELDA DE ORO de ODILON REDON


Es el simbolismo un movimiento de respuesta a la era industrial, a los valores materialistas y una reivindicación de la búsqueda interior. Se sirve en ocasiones de los sueños que gracias a Freud no son representativos de algo irreal sino también como medio de expresión de una realidad.

Muchas de las obras simbolistas están inspiradas en la Biblia y en la mitología y expresan magia y misterio.


NACIMIENTO DE VENUS de ODILON REDON


Para expresar todo ello se valen del color y de las líneas. En ocasiones utilizan grandes áreas de color que los acerca a los postimpresionistas. Los colores fuertes son utilizados para resaltar lo sobrenatural y otros artistas se valieron de colores pasteles y la difuminación del color para conseguir el mismo objetivo.



VIEJO ALADO CON BARBA BLANCA de ODILON REDON


El simbolismo, al igual que otros movimientos, se extendió por los diferentes países europeos y de la misma forma que hubo movimientos que influyeron en los simbolistas, estos a su vez marcaron movimientos posteriores.

Un ejemplo lo tenemos en la escuela de Pont Aven, formada por un grupo de neoimpresionistas y artistas como Gauguin y Van Goth y que está cercana a los planteamientos simbolistas.


BRETON PORT de ODILON REDON


Siendo el Simbolismo algo tan amplio, sería difícil traer hasta aquí a todos los que en un momento dado de su trayectoria artística se vieron influenciados por él, así que nos acercaremos a aquellos que fueron los más representativos o los que más fuerza tuvieron dentro del movimiento.

Hoy nos detendremos en Odilon Redon.

Este artista nacido en Burdeos (Francia) en 1840, está considerado como un postimpresionista dentro de la corriente simbolista y también como un precursor del surrealismo.



EL CICLOPE


Esta descripción en su biografía nos da idea de lo dilatada y ecléctica que es la obra de la mayoría de los artistas. En general, todo creador tiende al movimiento, a la investigación y a la búsqueda de diferentes vías para crear. Es raro encontrar un artista que a lo largo de toda su vida profesional haya sido “fiel” a un sol estilo.



ROAD TO PEYRELEBANE


La infancia de Odilon Redon iba a influenciar su carácter ya que por su débil salud vivió con un tío en la campiña francesa, concretamente en el pueblecito de Peyrelebane, dónde se fraguó su personalidad soñadora y contemplativa. La vuelta a Burdeos y la entrada en la escuela fue un duro golpe para él. Obligado por su padre, trabajó en el estudio de un arquitecto como aprendiz con el fin de pagarse la entrada en la Escuela de Bellas Artes, algo que no consiguió al suspender el examen de ingreso.

Redon se formó en escultura, grabado y litografía. Durante un largo periodo en París se dedicó solamente a la litografía y al carboncillo.


EL DÍA. Litografía


Gran admirador de Poe, su admiración por la literatura le llevaría a ilustrar libros de su amigo Baudelaire.


SILENCIO. Óleo sobre papel



También se resalta en su biografía que tuvo una relación muy estrecha con científicos como Darwin, que estudió zoología y anatomía y que todo ello se vería reflejado en su obra.


EL CUERVO. Carboncillo.


El contacto con la obra de Gustave Moreau que llegaría a ser otro de los grandes simbolistas, sin duda tuvo mucho que ver en su obra.

Sobre 1890 comenzó a utilizar el pastel y el óleo que serían su arma de trabajo hasta el final de sus días.

Así pues, su obra pueda ser dividida en dos partes. Una en “blanco y negro” y otra en “color”.


VIDRIERA


En la primera etapa transmite una melancolía con sus cuadros “negros”, posiblemente consecuencia de su vida ya que en esa época muere su hermana, un hijo y uno de sus mejores amigos, pero esa melancolía también coincide con el clima del simbolismo. Esta etapa de la “noche” se corresponde con la creación de su obra en carboncillo y litografías que encierra un mundo de tinieblas. Son de esta etapa sus series “En Sueños” o “Los Orígenes”.


OJOS CERRADOS


Era la época en que la capital parisina estaba llena del color de sus artistas. Es comprensible que su obra no fuera muy bien aceptada, ni siquiera muy conocida. Pero la publicación de unas carpetas con sus litografías le proporcionó una serie de clientes.

Hacia 1890 y hasta su muerte, el color acude a su obra. Es la época en la que nace su segundo hijo y su obra se llena de vitalidad.


OFELIA ENTRE LAS FLORES


Toda su trayectoria está dominada por el mundo de los sueños y al final de su vida por una temática mística, pero cargada de luz y en la que abundan las flores, los temas religiosos, mitológicos y la figura humana.


DRUIDESA


Ya no es un pintor de minorías y toda una nueva generación de artistas le admiran.


BEATRIZE


En 1913 el Museo de Arte Moderno de Nueva York expone parte de su obra.

En la actualidad podemos admirarla en los museos de todo el mundo como el Orsay parisino o el Bellas Artes de Burdeos, así como en diversas muestras itinerantes.


LA MIRADA


Odilon Redon mantuvo durante toda su vida una relación peculiar con la muerte que le llegó en 1916 cuando era un artista mundialmente reconocido.


AUTORRETRATO DEL ARTISTA


NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.



Fuentes consultadas:

El simbolismo .Michael Gibson (Edit.Taschen)

Historia Visual del Arte .Claude Frontisi (Edit.Larouse)

Fotografías:

Las mismas y la red.

sábado, 11 de diciembre de 2010

DARIO DE REGOYOS. Un impresionista en el País Vasco.





TRES IMÁGENES DE SAN SEBASTIÁN

Me voy a permitir hacer una “cuña” en el movimiento de artistas que nos ha acompañado últimamente para presentar a un impresionista español.



EL FARO DE SAN SEBASTIÁN 1886



Si algún movimiento pictórico tuvo fuerza, influencia y seguidores, sin duda este fue el impresionismo. Además, cuando hablamos de impresionismo, nuestra mirada se dirige sin duda hacia Francia. Pero este movimiento se divulgó por toda Europa y arrastró tras de si un sin fin de talentos que en muchas ocasiones quedaron relegados a su entorno local.


OTOÑO EN EL PAÍS VASCO 1886


No sucedió así con el pintor que hoy nos visita, aunque si voy a haceros partícipes de solo parte de su obra, es decir voy a permitirme ser localista. Traigo hasta aquí los lienzos que Darío de Regoyos pintó en sus visitas al País Vasco.



EL BOULEVARD DONOSTIARRA NEVADO 1895


Este asturiano de Ribadesella, nació en1857. Hijo de arquitecto, pronto se traslado con la familia a Madrid. En1878 entraría en la Academia de Bellas Artes de S.Fernando.



LA VILLADE TOLOSA 1887


Más tarde visitaría Bélgica y los Países Bajos compaginando estas estancias con las visitas por la geografía española hasta que en 1895 se casó y se instaló definitivamente en España aunque siguió viajando con frecuencia.



HERNANI 1895



Regoyos, al igual que muchos artistas, tocó diferentes estilos, evolucionando desde el naturalismo, pasando por el pre-simbolismo y finalmente, ya en su madurez, presentando una clara factura impresionista que en ocasiones se atreve con un puntillismo no demasiado apreciado entre sus contemporáneos españoles pero que era muy alabado en Francia y que le valió ser considerado más vanguardista y atrevido que un Zuluaga o que el mismo Sorolla.



PLAZA DE BILBAO 1892 (puntillismo)



Durante su época adolescente su familia realizaba frecuentes viajes al País Vasco, concretamente a San Sebastián, dónde su madre pasaba largas temporadas.



NOCTURNO DE LA CONCHA-PASEO DE ALDERDI –EDER 1895


Hay diversos testimonios en su correspondencia y en su biografía que nos muestran la estrecha relación entre el País Vasco y el artista.



LA CONCHA- PASEO DEALDERDI-EDER1895



Entre el año 1882 y 1888 vivió en la ciudad fronteriza de Irún. Esta dirección, así como la de Bruselas, aparecen en diversos catálogos de sus exposiciones. Fueron muchos los artistas belgas con los que mantuvo relación ya que en esa capital Darío de Regoyos se mantuvo muy activo participando en diversos círculos culturales. A todos ellos invitó a visitar nuestra tierra, una tierra que supo captar como ninguno.



MONTE LA RHUNE 1886 (Frontera entre Gipuzkoa-Navarra-Francia)


La cuenca del Bidasoa, río fronterizo entre España y Francia, es cuna de numerosos artistas que han plasmado los bellos paisajes de nuestra tierra. Regoyos lo supo hacer como si de un autóctono se tratara.



REDES – PUERTO DE SAN SEBASTIÁN (puntillismo)


Murió en Barcelona, el 29 de octubre de 1913, a consecuencia de un cáncer. No fue un artista demasiado apreciado en vida pero tras su fallecimiento se le dedicaron diversas exposiciones y homenajes que dieron muestra de su maestría al atrapar los colores de nuestros rincones con su factura impresionista.



AUTORRETRATO DEL PINTOR 1895


NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.


Fuentes consultadas:

Regoyos y el País Vasco. Fundación Social y Cultural Kutxa

Fotografías:

Las mismas.