ESCUELAS REVOLUCIONARIAS. LA BAUHAUS

EDIFICIO DE LA BAUHAUS

Es difícil explicar en pocas palabras lo que significó La Bauhaus para las Artes Plásticas, la Artesanía, el Diseño o para diferentes disciplinas como la Arquitectura, en una palabra, para el Arte.

CARTEL 50 ANIVERSARIO DE LA BAUHAUS

En su corta vida, unos 15 años, todo aquello que aglutinó La Bauhaus y su propio espíritu sigue atrayendo a todo el que se interesa por el Arte, por la Historia o por la Arquitectura, incluso para cualquiera que no esté ligado a un trabajo de este tipo, tanto la Escuela como los que la integraron, constituyen una fuente de interés.

GROPIUS HAUSE

La Bauhaus que en alemán significa “Casa de la Construcción” o “Casa de la Arquitectura” fue fundada por Walter Gropius, arquitecto descendiente de una familia de arquitectos, en 1919 en Weimar, después de la primera guerra mundial y fue la unión de la Escuela de Artesanía y la Escuela Superior de Artes Plásticas.

Gropius tenía por objetivo unificar las actividades eliminando las diferencias entre Artistas y Artesanos.

MUERTE Y FUEGO de PAUL KLEE

Su popularidad se debe sin duda a los prestigiosos nombres ligados a ella, comenzando por su propio fundador Walter Gropius, por Oskar Schlemmer, el conocido arquitecto Mies van der Rohe, o pintores de la talla de Paul Klee o Kandinsky, pero sobre todo a su filosofía que sirvió para que, en ese momento y en años posteriores, todos los movimientos de vanguardia giraran en torno a ella.

EN EL OVALO CLARO de KANDINSKY

El espacio físico también se puede denominar revolucionario. Un conjunto de estudios, talleres de máquinas, oficinas administrativas y casas para profesores en un grupo de cubos entrelazados y con relación entre ellos. Muchos de los talleres eran estructuras abiertas con paredes de cristal.

ESCALERAS DE LA BAUHAUS de OSKAR SCHLEMMER

En cuanto se supo de su existencia la afluencia de matrículas fue enorme. Sus enseñanzas abarcaban desde el diseño gráfico al de interiores, la cerámica, el vidrio, el teatro o la arquitectura.

Pronto su fama comenzó a superar fronteras, no sólo por su influencia en el Arte contemporáneo, sino también gracias a su famoso curso preliminar y al concepto pedagógico que consistía en alternar enseñanza teórica y práctica en los talleres. Aglutinó diversas posturas poco académicas e implantó la enseñanza de las mismas de modo poco convencional.

ACUARELA de LYONEL FEININGER

Gropius, siendo el afamado arquitecto, sostenía que el artista y el Arquitecto deben ser también artesanos. En sus primeros años la enseñanza estaba constituida por un curso de unos meses dedicado a prácticas de taller con diferentes materiales: madera, metal, barro, vidrio, tejidos y con nociones de modelado y dibujo. Los estudiantes debían de encontrar qué material les resultaba más atrayente y con cual se encontraban en mejores condiciones para trabajar.

CERAMICA de OTTO LINDING

Pero los conservadores tacharon a la escuela de “socialista” y se generaron protestas en su contra. Con la situación política de crisis que reinaba en el país, Gropius se vio obligado a cerrar la Escuela.

Pero poco después de su clausura se volvía a abrir en Dessau. Los propios alumnos y Gropius diseñaron el edificio.

En esta sede se llevaron a cabo diferentes fiestas que tenían como objetivo crear una relación de la propia Escuela con los ciudadanos.

En esas fechas fue otro arquitecto alemán Hannes Meyer el que se hizo cargo de la dirección. Este nuevo director dio a la escuela un giro más realista. Pero pronto fue sustituido por su ideología marxista.

En 1930 el famosísimo arquitecto Ludwing Miës van der Rohe toma el mando de la escuela a petición del propio alcalde de Dessau. Antiguos profesores se volvieron a acercar a la escuela que tomó una orientación de Universidad.

SILLA diseñada por MIES VAN DER ROHE

En 1932 los nazis llegan a Dessau y la institución no recibe financiación trasladándose a Berlín hasta su clausura por los nazis en 1933. Su cierre se justificó porque se consideró que una institución privada socialista e internacionalista.

Miës van der Rohe, profesores y alumnos perseguidos por el régimen huyeron del país y se instalaron en EEUU. En ese país Gropius fue profesor en Harvard, otros profesores también se establecieron en la docencia y Van der Rohe desarrollo su influyente arquitectura.

CASA proyectada por MIES VAN DER ROHE

La Bauhaus sentó las bases de la arquitectura moderna y del diseño de interiores y para ello se valió de sus publicaciones en las que mostraba: sillas, camas, lámparas y tejidos.

TAPIZ de ANNIE ALBERS

Los catálogos se vendieron en las industrias, se utilizó una nueva tipografía. Como en todo, en diseño gráfico fue revolucionaria.

Estuvo influenciada por diferentes corrientes como el constructivismo ruso, el expresionismo y el neoplasticismo. Carente de ornamentación en los diseños incluso en las fachadas y con gran armonía entre medios artísticos y técnicas de trabajo.

GOBELINOS de GUNTA STÖLZL

Además de los ya citados, fueron innumerables los artistas que en un momento u otro pasaron por La Bauhaus, como Lyonel Feininger, Oskar Schlemmer, la tejedora Gunta Stölz, la también tejedora Anni Albers y muchos más.

La Bauhaus influyó en muchos otros artistas como sucedió con el arquitecto y pintor Le Corbusier

La Escuela cerró pero todas sus enseñanzas siguieron en pie. En una palabra La Bauhaus sirvió para reflejar el espíritu del Arte en una época.

COMPONENTES DE LA BAUHAUS EN EL 50 ANIVERSARIO

Hoy en día aún sigue considerándose el núcleo de la vanguardia de primeros de siglo XX.

WALTER GROPIUS fundador de LA BAUHAUS

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Fuentes consultadas:

Arquitectura del siglo XX (Taschen)

Arte del Siglo XX (Taschen)

La Historia del Arte . E.H.Gombrich.

y recomiendo encarecidamente a todo aquel interesado en La Bauhaus la siguiente publicación:

BAUHAUS. Edición de Jeannine Fiedler y Peter Feierabend de KÖNEMANN

Para la fotografías : las mismas

SONIA DELAUNAY. Reina del Art-Deco.

Si Lempicka (entrada anterior de este blog), fue para algunos un “Icono del Art-deco”, Sonia Delaunay es merecedora, sin duda, del título de “Reina" del mismo.

COMPOSICION

Durante mucho tiempo la figura de Sonia Delaunay (Sonia Terk de soltera) estuvo relegada a un segundo plano, quizás porque siempre estuvo a la sombra de su marido y quizás también porque desarrolló un intenso trabajo como diseñadora en el campo de la moda y de la publicidad, lo que la encasilló como tal.

A Robert Delaunay se le había reservado el papel de creador original dejando a Sonia como artífice de las aplicaciones a la moda, la publicidad, etc.

Esto fue cambiando sobre todo con los reconocimientos que le vinieron desde diferentes centros de arte de todo el mundo, como la exposición de sus obras que llevó a cabo el Centro Pompidou, exposición que la convirtió en la primera mujer que veía su obra en este Centro estando aún con vida. También tuvimos ocasión de admirarla en el Museo Thyssen Bornemisza.

LAS TRES MUJERES

Pero este reconocimiento le llegó a Delaunay después de la muerte de su esposo. ¿Qué hizo que se dieran estas circunstancias?

En más de una ocasión hemos hablado de la obra de las mujeres-artistas y de su lugar en la vida junto a otro artista. De su “estar a la sombra” del esposo o compañero en algunas ocasiones, o de ser la mano que ejecutaba la obra en otras, llevándose la fama el artista-hombre.

En el caso de Sonia Delaunay hubo un poco de todo eso y también posiblemente su elección de vida.

En una pequeña biografía leí las siguientes palabras de Sonia:

“He tenido tres vidas. Una para Robert, otra para mi hijo y mi nieto, y una más corta para mi. No me arrepiento de no haberme ocupado más de mi misma. No he tenido tiempo de ello”

De origen ruso, sus padres, la confían a un pariente de fortuna, el coleccionista de arte de San Petersburgo Henry Terk de quién tomaría el nombre y que le daría una extensa educación. En 1905 después de un periodo de estudios en Karlsruhe, se instala en París en dónde se inscribe en la academia La Palette y opta por una carrera artística casándose con su amigo, el coleccionista y marchante Wilhelm Uhde cuya galería había presentado un año antes una exposición con Gaugin, Matisse y representantes del Expresionismo, exposición que había sido acogida con gran éxito. En la galería conoció a Robert Delaunay. Se divorcia y se casan en 1910.

VILLA DE PARIS

Seguirían treinta años de un “matrimonio creativo”, con proyectos en común, de intercambios y mutuas influencias. Juntos crearían en 1939 un gran mural para la exposición Universal de París.

CONTRASTES DE COLOR 1912

Es el momento en que la luz y el color liberados de la referencia figurativa eran el centro del debate estético entre los componentes de la vanguardia parisina. Ella creaba objetos cotidianos como pantallas, claraboyas o cortinas llenos de luz y con Robert, desarrollaba una nueva pintura abstracta, con contrastes simultáneos, composiciones luminosas y dinámicas con superficies geométricas.

Inspirada en la formas del cubismo y en los colores de Paul Gaugin y de Van Goh aplicaba los principios de esa pintura a objetos como vestidos o tapices.

ICARUZ (TAPIZ)

Sus sorprendentes creaciones realizadas con la ayuda de diversos materiales de colores contrastados y de formas geométricas fueron acogidas con entusiasmo por personajes tan famosos como el crítico y poeta Guillaume Apollinaire.

COMPOSICION

Es Sonia, posiblemente la que va a aportar la mayor parte de la creatividad en la pareja, pero lo hace permaneciendo a la sombra de Robert. Esto tuvo grandes consecuencias, hasta el punto de que en muchos textos de arte se menciona el nombre de Robert Delaunay y se ignora el de Sonia. 

 DETALLE DE LA COLCHA REALIZADA PARA SU HIJO

En 1909, y aun teniendo gran éxito como pintora, Sonia comienza a trabajar en el campo de las artes aplicadas. Realiza su primer trabajo abstracto en 1911 para el nacimiento de su hijo Charles. Se trata de un trabajo textil de Patchwork, combinando trazos cubistas y referencias al folclore ruso. Paralelamente presenta su pintura abstracta.

OBRA EXPUESTA en el CENTRO POMPIDOU

En 1917 la Revolución rusa le priva del fruto de sus rentas y decide comercializar sus producciones en el campo de las artes aplicadas. Crea vestidos para los Ballets Rusos, pero también trabaja el diseño industrial como una colección de tejidos para una empresa de Lyon.

COMPOSICION

En la década de 1920 Delaunay se dedicó al diseño de ropa y a sus telas pintadas a mano con colores brillantes que revolucionaron el diseño textil, abriendo en 1925 con el creador de moda Jacques Heim la boutique “Simultané”. Coco Chanel o Greta Garbo forman parte de su clientela.

Pero esa aventura terminará con la crisis de principios de los años 30 que le obliga a cerrar la boutique. En ese momento Sonia se compromete de nuevo con el arte abstracto y se hace miembro del grupo “Abstracción- Creación”.

ACUARELA Y LAPIZ 1917

Sin embargo, sus primeras retrospectivas, que suelen ser consideradas como reconocimiento artístico, datan de los años 50. Según sus biógrafos, este hecho está ligado a lo mucho que se ha querido separar siempre Bellas Artes y Artes Aplicadas. Para el total reconocimiento a su obra, tendrían que pasar casi 20 años de su muerte.

LAS CUATRO ESTACIONES

Fue a finales de los 90 cuando los grandes modistos citan sus diseños y los numerosos museos organizan exposiciones con su obra, una obra que abarca desde pinturas (óleos, acuarelas, guaches), telas, encuadernaciones y multitud de diseños de ropa y vestuarios para teatro, así como sus telas pintadas a mano con bellos colores.

 RETRATO DE LA ARTISTA REALIZADO EN 1908

En 1975 fue condecorada con la Legión de Honor.

SONIA

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Fuentes consultadas:

Archivo propio

Femmes Artistes du XXe et XXI e siécle.

Arte del siglo XX .Varios autores (Taschen)

Fotografias: las mismas.

TAMARA DE LEMPICKA. Un frío glamour.

Si algo es difícil al realizar una obra de arte, es que esa obra muestre su “alma”. Una obra de arte puede ser perfecta, técnicamente hablando, pero carecer de “alma”. Cuando esto sucede, la obra es fría, perfecta pero gélida. Podrá ser elegante, glamourosa, pero no conmoverá, por lo menos a mí así me sucede. Puedo encontrarme delante de la perfección, pero si esa obra no me mueve y no me transmite calidez, no me interesa demasiado.

La obra de Lempicka, personalmente, me resulta fría, aunque reconozco que dominó la técnica y más aún, fue lo suficientemente inteligente como para crear un estilo inconfundible, perfecta expresión del art-deco y fiel representante del mundo de riqueza y de glamour de dónde ella procedía y en donde más a gusto se sentía.

UNA MUCHACHA DE VERDE 1927

Tamara de Lempicka, nacida como Tamara Gorska en 1898 en una familia de la alta burguesía de Varsovia, para los 25 años ya tenía la firme voluntad de no aburrirse en la vida. Y una premisa que iba a ser fundamental para su obra, y que decía así:

“Mi objetivo, no copiar nunca. Crear un nuevo estilo, claro, de colores luminosos y perseguir la elegancia”.

Casada con Tadeusz de Limpicki, durante la revolución rusa huyeron a Copenhague, vía Finlandia y se instalan finalmente en París. Es allí donde da a luz a su única hija, Kizette, y es allí también dónde decide ser pintora.

Estudia cerca de Maurice Denis y André Lhote. El primero había formado parte del grupo de los “nabis”, al que también perteneció Gaugin. Es él el que le enseña a simplificar los colores y las formas para delinear claramente el sujeto. De él aprende también a formar esa paleta tan característica de su pintura. André Lhote, le enseña como se puede asociar el carácter decorativo y las experiencias vanguardistas de un Branque o de Juan Gris. Lo que posiblemente no pudo aprender, puesto que eso no se aprende sino que va innato en una artista, fue a transmitir calidez con sus pinceles, a pesar de dominar con maestría una paleta viva y colorista.

Lo que va a distinguir a Tamara de Lempicka de los otros pintores Art-deco de moda, es la elección de sus sujetos. Pintaba a sus amigos y a los amigos de estos, trabajando sobre los planos y los reflejos de luz. Se convierte en la retratista distante cuyo lenguaje privilegiaba los colores, esos que tan bien manejaba.

Algunas de sus obras poseen una cualidad de caricatura que ilustran la época de manera muy acertada. Fija con fuerza en el lienzo las poses seductoras de sus modelos. Su glamour y sus cuadros eran helados. Ella decía:

“ Un cuadro debe de ser claro y limpio”. He sido la primera mujer en pintar limpiamente”.

En los años 20 hizo conocer el fenómeno de la mujer pintora como una estrella con glamour.

KIZETTE EN EL BALCON

El cuadro de su hija “Kizette en el balcón” en 1927, le supone su primera distinción importante. Ha conseguido el éxito que esperaba. Ese mismo año se divorcia de Tadeusz Lempicki. Realiza el retrato de Raoul Kuffner, barón húgaro, gran coleccionista de arte con el que se casa en 1933. A principios de los años 30 es más célebre que nunca, y los museos comienzan a comprar sus obras. En 1938, ante la subida del fascismo, empuja a su marido a vender una gran parte de sus bienes y en 1939 la gran dama del Art-deco abandona Europa con el barón, emigrando a EEUU. En Hollywood, la baronesa del pincel se convierte en la pintora preferida de las estrellas.

Fue la retratista de cientos de familias americanas. Pintaba jóvenes sensuales y su apartamento-taller, que hizo decorar con estilo Art-deco, fue el teatro donde ella ponía en escena su vida y donde ella creaba su arte. Ningún detalle se dejaba al azar y sus iniciales adornaban hasta los sillones. Su ropa, sus fiestas nocturnas, su vida mundana eran legendarias.

Amaba el mundo del arte tanto como la alta sociedad. A Tamara no le interesaba más que las gentes que ella llamaba las mejores: los ricos, los poderosos, los bien situados. Todo lo que era burguesía o mediocre, lo evitaba. Ganó una fortuna gracias a sus creaciones, fortuna que invirtió en vestidos extravagantes, innumerables sombreros, fiestas y coches de lujo en los que le gustaba retratarse como vemos en el famoso Autorretrato en el Bugatti, que se ha convertido en uno de sus cuadros más célebres.

AUTORRETRATO EN BUGATTI VERDE 1925

Se convirtió, en el prototipo de la mujer moderna que había conquistado su independencia personal, como si fuera un precedente del moderno feminismo. Sin embargo, su vida era más bien la de una burguesa caprichosa, una. mujer contradictoria, amante del gran mundo, con una gran aversión al comunismo, medio polaca y medio rusa, apasionada por la modernidad, por los rascacielos y los coches.

Algunos de los cuadros de Tamara de Lempicka le otorgan el título de pintora "icono del art-deco".

Pese a muchos cuadros carentes de interés, algunos de sus retratos y de sus desnudos siguen atrayéndonos, tal vez porque son reflejo de una pintura fuerte, atrevida y diferente. Los personajes retratados parecen estar en ausencia total, y desvinculados del espectador. Son algo así como figuras frías y distantes que se dejan admirar.

Hoy en día todavía sus autorretratos se reproducen en los manuales escolares o en postales.

El 18 de marzo de 1980, Tamara de Lempicka muere en Cuernavaca (México). Su hija Kizette, complaciendo el sueño de su madre, tira sus cenizas en el cráter del Popocatépetl

TAMARA

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Fuentes consultadas:

Femmes ARtistes du XXe. Et XXIe.Siécle (Ed.Uta Grosenick)

Arte del Siglo XX Varios Autores (Ed. Taschen)

Archivo propio.

Fotografías: las mismas