RAPA NUI. Custodiada por esculturas.

MOAIS EN LA PLAYA DE ANA KENA

A lo largo de estas semanas he traído hasta el blog diversos escultores que nos han dejado su obra a lo largo de los tiempos.

Hoy es el día en que creo que debemos echar la vista atrás, como hicieron muchos artistas en un momento determinado, y no sólo escultores como Giacometti ó Brancusi, sino también pintores, cuando descubrieron en el arte étnico de diferentes culturas, inspiración para sus obras.

En ocasiones, al encontrarnos con estas obras, no podemos por menos que decir que en cuestión de Arte todo está hecho. Y una de las pruebas la vamos a tener hoy aquí al admirar las esculturas más misteriosas e impresionantes que nos ha dejado una cultura aislada en el Pacífico. Me refiero a Rapa Nui.

LOS CUSTODIOS DE RAPA NUI

Cuando se habla de esta Isla, también conocida por el nombre de Isla de Pascua, automáticamente nos viene a la cabeza sus enormes esculturas, los Moai. Pero sus esculturas son la punta del iceberg de una cultura apenas conocida.

Esta isla, cuyo Parque Nacional (el 40% de la isla) fue declarado por la UNESCO en 1995 lugar de patrimonio mundial, es un monumento histórico que encierra en ella una de las culturas más fascinantes del planeta. Los habitantes de Pascua mezclan en la actualidad costumbres ancestrales con la vida cotidiana, pero siempre conservando y mimando una cultura que, sin lugar a dudas, es un patrimonio de la humanidad.

Comenzaré refiriéndome a las esculturas, puesto que de esculturas han sido las últimas entradas de este Blog, pero no podré dejar de escribir aquí sobre lo que encontré en este lugar. No sería justo, porque como digo, los Moai son posiblemente lo más llamativo de Rapa Nui, pero es parte de un todo de esta misteriosa isla.

Hacia el siglo V d.C., el que sería primer rey de la isla, Hotu Matuta, llegó a la isla procedente de Polinesia, concretamente de las Islas Marquesas, con un número de expedicionarios que creció y que llegó a formar una cultura basada en la construcción de altares-santuarios y tallas monumentales dedicadas a sus antepasados, pero no a su adoración. Los llamados Moai son las esculturas visibles de los monumentos megalíticos (Ahu).

MAPA DE RAPA NUI CON LA DISTRIBUCION DE LOS MOAIS EN LA COSTA

Sigue siendo un misterio como trasladaban semejantes moles de 10 metros de altura y 50.000 kilos de peso desde la cantera que era el lugar en donde se tallaban, hasta los diferentes Ahu (santuarios). Una teoría es que lo hacían por mar, puesto que los Ahu, en su mayoría, están cerca de una cala (Hanga en idioma Rapa Nui). Una vez allí, con un sistema de palancas y troncos se ponían en pie, siempre de espaldas al mar, salvo 8, encontrados mirando al océano y que la leyenda dice que eran los mensajeros del rey.

Sea como fuere, el trabajo de talla se llevaba en la propia cantera y en la actualidad ésta permanece con algún que otro Moai en su lugar, como se cree que quedó cuando una supuesta revolución o toma de poder dejó paso a otra cultura bien diferente a la de los creadores de estas esculturas, pero no por eso menos interesante: la de los hombres pájaros, bien presente en los restos que se encuentran en la aldea de Orongo.

MOAI EN LA CANTERA

Continuando con esta cultura que nos dejó su presencia en forma de esculturas, hay que añadir que, aunque se sitúa en el siglo V a.C. la llegada de los primeros habitantes a Rapa Nui, fue sobre el siglo X d.C. cuando ésta adquirió su punto culminante. Entre el IX y fin del XII, con el aumento de población dividida en tribus, cada una con su territorio y con sus diferentes linajes bien ubicados a lo largo de la costa, y con una estructura social consolidada y encabezada por la autoridad central, Ariki Henua (Rey Sagrado),Rapa nui estaba en su esplendor. En esta época sus esculturas alcanzan mayor tamaño y belleza.

Cuando esta cultura desapareció, supuestamente por luchas tribales, fue la del Hombre Pájaro la que ocupó su lugar. Menos conocida, o menos divulgada que la anterior, cuando recorremos la Isla, es en la aldea de Orongo en donde encontramos piedras talladas y restos de esta civilización que elegía a su rey después de una prueba que consistía en que los jóvenes de la isla se lanzasen al agua y nadasen hasta los peñascos cercanos dónde anidaban los pájaros a los que “robaban” un huevo que sujetaban en su frente para regresar hasta la costa. El primero en llegar era el elegido.

PETROGLIFOS EN ORONGO

Dando un salto a la actualidad, hay que decir que los habitantes de Rapa Nui son unos grandes artistas, especialmente con la madera. Sus tallas son espectaculares. La iglesia de Hanga Roa, capital de la isla y única aldea, nos da muestra de ello. Está presidido su altar por una talla espléndida y son varias las esculturas que se pueden admirar dentro del recinto. La cultura Rapa Nui es una mezcla de creencias en los ancestros y en Dios. La población es muy católica y practicante.

TALLA DE LA IGLESIA REALIZADA POR UN ARTISTA LOCAL

Si se quiere presenciar una expresión del arte Rapa Nui, nada mejor que acercarse a la Iglesia de Hanga Roa cualquier domingo o día festivo. Además de admirar sus esculturas en madera, nos van a ofrecer sus cantos en un idioma que han conseguido rescatar e introducirlo en la educación.

El idioma Rapa Nui, transmitido oralmente, ha encontrado finalmente lugar para resucitar en la escuela. Fueron tres los tipos de grafías que se sabe que existieron en la antigüedad y que por si solas son un arte.

La última persona capaz de descifrarlas murió no hace demasiado tiempo sin dar claves para ello, así que ha sido larga y costosa la tarea de recuperar el idioma, algo que ellos saben que es la raíz de una cultura.

MUESTRA DE LAS TRES GRAFIAS RAPA NUI

Finalmente, después de años de ignorancia por parte del gobierno chileno, se ha conseguido elaborar una gramática e implantar esta asignatura en la escuela. El resultado es que en la actualidad se habla y se escribe en rapanui, idioma por otra parte no perdido totalmente, puesto que dentro del entorno familiar, siempre ha sido utilizado.

También debemos mencionar aquí la actual arquitectura de la isla porque está muy conectada a la forma de construcción tradicional, que a su vez tiene mucho que ver con la de Polinesia.

Se construye a partir de un Muro de Piedra que define el perímetro a ocupar. La piedra aislaba del suelo, en la actualidad se utiliza cemento.

Cada módulo se entiende como una unidad aislada, tanto la vivienda como los gallineros, o el Manavai (jardín), pero todos ellos forman parte de un total. Así que en caso de requerir una unidad más, no aparecerá como un “añadido”, y la construcción por etapas permite construir de acuerdo a las necesidades.

ARQUITECTURA DE ESTILO TRADICIONAL

La antigua vivienda, Hare Paenga (Hare: casa, Paenga: piedra labrada) se denomina hoy en día “Casa Bote” ya que tiene forma de bote invertido. Las piedras labradas llevaban en su cara superior una serie de agujeros en los que se introducían postes de madera. La entrada era baja y angosta.

Son muchas las muestras artísticas de la cultura Rapa nui. El mismo arte del tatuaje es una auténtica manifestación de creatividad, por no decir todo aquel que tiene como vehículo la música y la danza, pero hay que reconocer que el arte que ha trascendido la distancia del espacio y del tiempo ha sido el de la escultura. Los gigantes antropomorfos, estáticos y monumentales que parecen contemplarnos con su mirada profunda, son los testigos de que hubo unos geniales artistas en Isla de Pascua.

UNA MISTERIOSA MIRADA

Quiero terminar esta pequeña entrada sobre Rapa Nui agradeciendo desde aquí la acogida que recibí en 2002 en el Museo de la Isla. Su biblioteca y dependencias recogen la historia de la cultura Rapa Nui de manera extensa y fue un privilegio visitar y poder informarme en ese lugar sobre esta cultura que todavía es tan desconocida. Los encargados del museo hicieron mi estancia allí sumamente enriquecedora, dándome todo tipo de facilidades para la consulta.

No podría en una simple entrada de este blog escribir sobre una historia tan extensa. Sólo quiero dejar constancia con esta aportación de que allí, en el medio del Pacífico, existe Rapa Nui como un tesoro a descubrir y recomendar a todos los interesados en su historia, el libro “Mito y Realidad de Rapanui. La cultura de la Isla de Pascua” de la editorial Andrés Bello, escrito por Ramón Campbell, y que posiblemente sea uno de los libros que mejor muestre la historia de Isla de Pascua, desde que acogió al rey Hotu Matuta hasta hoy, cuando sus días transcurren en medio del Pacífico custodiada por las bellas esculturas.

Os añado hoy, después de muchos años de mi paso por Rapa Nui, una nota en recuerdo nostálgico de una de sus fiestas más importantes

EL TAPATI EN RAPA NUI. 

A punto de terminar el mes de febrero viene a mi memoria la importancia que tiene esta fecha en Rapa Nui. No pude prolongar mi visita lo suficiente para disfrutar de uno de los meses más importantes del año para los isleños, pero pude documentarme “in situ” porque ninguno de ellos elude hablar de lo que es el gran festival cultural de la isla.

UNO DE LOS EVENTOS DEL TAPATI

Aunque pueda parecer que se trata de algo turístico, nada más lejos de esa idea. Bien es cierto que el turista es siempre bienvenido, pero la celebración de Tapati, el festival de la isla, es una fiesta cultural y como tal agrupa toda las manifestaciones que se dan en ese lugar maravilloso. Danzas, esculturas en madera, la increíble pintura sobre la piel, y como no podía ser de otra forma la competición de surf sin tabla. 

El Tapati dura dos semanas y todos los días se puede disfrutar de alguna actividad. El Haka Honu es el surf sin tabla. Los atletas esperan a cien metros de la orilla una ola de por lo menos dos metros. Surfean hasta la playa impulsándose con un movimiento de mariposa.  Sin tabla alguna.

Pero no sólo están a gusto cabalgando sobre las olas. También lo están a lomos de caballo, montando a pelo. Niños y adultos participan en la carrera de caballos, otro de los eventos del festival

Los Rapa Nui son grandes artistas y esculpen durante meses estatuas de madera que representan los míticos Moai que luego acomodarán en carros antes del desfile.

Los nativos y el turista si se anima, pintan su piel con pinturas ocres y blancas. Los artistas nativos pintan signos inspirados en la leyenda del hombre-pájara o en escritura rongo-rongo cuyo significado ya está perdido.

No podría haber festival cultura sin espectáculo vocal. El  Hanga Vare Vare, un gran espectáculo que enfrenta a 60 cantantes de cada lado. Cada grupo debe entonar dos canciones antes de dar lugar al otro grupo, y el que se equivoque pierde. Pero nadie parece equivocarse .

Momento perfecto para conocer esta cultura ancestral en todo su esplendor, aunque tengamos que arriesgarnos a encontrar una multitud en una pequeña isla que el resto del año apenas es visitada. Igual ahí está la clave para la conservación  de la cultura más misteriosa del planeta. 

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Fuentes consultadas:

Archivo propio elaborado a partir de la visita realizada a la Isla y a su Museo Antropológico P.Sebastián Englert.

Mito y Realidad de Rapa Nui. Ramón Campbell. Edit.Andrés Bello.

Fotografías: Archivo Propio.

Dirección de interés: www.museorapanui.cl

ANTHONY CARO. La abstracción con el acero.

-->

BORDE DE LA MONTAÑA

Anthony Caro, (Reino Unido 1924). Sir Anthony Caro, como figura en su biografía, se graduó en Ingeniería en Cambrigde. Antiguo alumno de Henry Moore (entrada día 15 noviembre 2009 en este blog), daría un giro radical a su obra en el año 1959. Concentrado en una escultura rotunda, particularmente de desnudos femeninos, sería el conocer la obra del escultor David Smith lo que le iba a hacer “olvidar” el camino recorrido hasta ese momento.

En 1960 abandonó totalmente la escultura tradicional en metal fundido para comenzar a construir obras abstractas cercanas al “assemblage” (ensambladuras). En esta técnica, realizada a

partir de piezas rígidas de metal, el pedestal tradicional tiende a desaparecer y el suelo ocupa su lugar. De esta forma, el espectador se “introduce” en el espacio de la obra.

DREAM CITY

Consciente de que iba a abordar un campo desconocido comienza una experimentación con los ensamblajes de acero, ensayando diferentes posibilidades.

Sus esculturas, frecuentemente, son enormes montajes de grandes planchas de metal, tuberías o piezas de acero, incluso chatarra, todo ello soldado. En ocasiones el artista permite que la escultura se oxide.

UNA MAÑANA TEMPRANO

Hacia 1967, comienza a crear sus “table sculptures”, una serie de naturalezas muertas abstractas realizadas con placas de acero y esmaltadas en tonos monocordes.

MEDIODIA

Con placas y barras de acero soldó estructuras abiertas logrando creaciones únicas que se alejan totalmente de la creación en serie.

RAILFALL

Sus obras de gran tamaño y fuerza y su labor como profesor en EEUU y en Londres han sido de gran influencia en la formación de la llamada New Generation inglesa y en los jóvenes escultores en general.

MILLBANK

En sus manos están algunos de los premios de escultura más prestigiosos, como el otorgado por la “David Bright Foundation”, el recogido en la Bienal de Venecia de 1966 o el Praemium Imperiale de la Japan Art Association en 1992.

En 2005, la Tate Britain de Londres organizó una gran retrospectiva con motivo de su 80 aniversario.

En los últimos años del siglo XX colaboró con el arquitecto Norman Foster en la construcción del Millennium Bridge de Londres.

En el País Vasco tuvimos la oportunidad de admirar una de las grandes obras de Anthony Caro, “El juicio Final”, en el Bellas Artes de Bilbao en el año 2000.

Esta obra, una gran instalación escultórica que resume muchos años de trabajo, está inspirada en el drama de la guerra de Kosovo. Caro utilizó en ella materiales como acero, cerámica, madera y hormigón, colaborando en la obra el ceramista Hans Spinner. Se compone “El Juicio Final” de 25 grupos escultóricos que se pueden admirar aislados.

En Bilbao ocupó ochocientos metros cuadrados del museo. La obra, impresionante, está llena de contenidos, históricos, políticos y éticos

EL JUICIO FINAL

El conjunto estaba dispuesto a ambos lados de un espacio central, lugar del sacrificio y de las calaveras. En su inicio el Campanario, una construcción de traviesas de madera de dónde cuelga la campana. Y al final “La puerta del Cielo” con su coro de cuatro trompetas.

En el gran montaje que realizó el Museo y que, a pesar del tiempo transcurrido, muchos de nosotros no hemos podido olvidar, nos “introducimos” más que nunca, en la obra de Caro a través de “El Juicio Final”.

Esta obra es la respuesta de Anthony Caro a los horrores de la guerra.

JUICIO FINAL

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Hoy, 24 de Octubre de 2013, nos llega la noticia del fallecimiento a los 89 años de Anthony Caro, el escultor que supo hacer del hierro un arte.

Fuentes consultadas:

Archivo propio.

Arte del Siglo XX. Escultura (Ed.Taschen)

La Sculpture. De la Renaissance au XX.siécle. (E.Taschen)

Catálogo Museo Bellas Artes de Bilbao (País Vasco).

Fotografía:

Archivo propio y la misma red.

ALEXANDER CALDER, La escultura en movimiento

Siempre he asociado escultura con solidez. Al pensar en esta disciplina siempre me ha venido a la cabeza una sensación de estabilidad, de asentamiento e incluso de fortaleza, aún cuando estuviese delante de una obra de Giacometti (este blog entrada 29 noviembre 2009 ) el escultor que fue capaz de hacer de una línea una escultura, o una escultura tan fina y etérea como una línea en el espacio.

Sin embargo, el artista que hoy visita este Taller de Encuentros rompe con todos esos esquemas. Su escultura, es una obra de ligereza, de colorido alegre, pero sobre todo es la escultura del movimiento. Y es que Alexandre Calder ha sido llamado en más de una ocasión, el escultor de los móviles. Y esa ligereza es transmitida incluso con su obra denominada “estable”.

Calder, considerado uno de los escultores más innovadores del siglo XX, nació en EEUU en 1898 de padres artistas escultores. Estudió ingeniería, título que obtuvo en 1919, pero pronto se inscribió en la Asociación de Estudiantes de Arte y en 1923 se encontraba en París. Su fama no tardó en extenderse a raíz de sus deliciosas formas en alambre, muchas de ellas retratos satíricos. En 1933 volvería a EEUU y desde esa fecha vivió un poco “a caballo” entre EEUU y Europa, concretamente entre N.York y París.

A partir de 1930 Calder comenzaría una incursión en la abstracción como consecuencia de la influencia de artistas europeos como Miró, Arp (este blog entrada 13 enero 2010) o Mondrian. Pero el experimentar con el movimiento, fue lo que le llevó a la fama, al crear dos tipos de escultura la móvil y la estable.

Los móviles son estructuras abstractas que se balancean suavemente suspendidas en el aire. Los estables son formas, también abstractas, inmóviles que sugieren formas de animales. Aunque la obra de Calder consta de escultura en madera, piedra y otros materiales, así como infinidad de dibujos y pinturas, fueron las esculturas estáticas o estables y los móviles los que le darían fama, sobre todo estos últimos.

NÉNUFARES ROJOS en el Guggenheim de Bilbao

En su primera exposición, que causó sensación, sus móviles se accionaban por un motor que el visitante ponía en funcionamiento para conseguir el movimiento. Una vez que el artista descubrió que el motor no era necesario, los creo con la más absoluta simplicidad. Se tratan de diferentes planos de distintos colores, en los que predominan el rojo, negro y blanco, convertidos en escultura gracias al movimiento.

Los estables son, como indica el nombre, justamente lo contrario. Son estáticos y en general de un solo color (el negro) y pesados. Es famoso el titulado “La fuente de Mercurio”, realizado para el pabellón español en la Exposición Internacional de París, con el que se rinde homenaje a los mineros de Almadén que resistieron al franquismo. Esta obra fue donada a la Fundación Miró en 1975.

LA FUENTE DE MERCURIO

La obra de Calder supuso la innovación de “materializar” la línea o dibujo en el espacio, rompiendo con la asociación que se tenía de “escultura-tres dimensiones”. En una palabra, creó una nueva dimensión para esta disciplina.

Calder logró algo bastante difícil en el arte abstracto, que éste consiguiese la aceptación popular. Enormes estables y móviles del artista se pueden encontrar en numerosas plazas y lugares públicos de ciudades como Bruselas, Nueva York, Chicago y muchas más. Después de la II guerra mundial fueron innumerables los encargos que recibió. Un gigantesco móvil rojo y blanco (1975) que se encuentra en la Galería de Arte de Washington fue su última gran obra.

Personalmente creo que la popularidad de Calder, se debe a que su obra es lúdica. Hay una idea generalizada, entre los que no son profesionales del arte, de que éste es aburrido. Calder logró con sus interesantes obras, que el arte llegará a todos, algo difícil de conseguir sobre todo, cuando éste se basa en la abstracción.

FLAMINGO

Cuando se admira su obra en exposiciones o museos, los logros conseguidos con sus móviles de alambre y los juegos de luz que ayudan a proyectarse sobre las paredes, son una prueba de que el Arte puede ser algo muy lejano al aburrimiento. Y lo mismo sucede con sus grandes obras que se colocan en las calles que hacen que los espacios urbanos en dónde se encuentran, se llenen de luz y colorido. Nada mejor para “educar” nuestros sentidos y conseguir que el Arte se convierta en parte de nuestras vidas.

DIBUJOS

Alexandre Calder obtuvo numerosos premios por su obra, entre ellos el premio especial de la XXVI Exposición de Arte Internacional, celebrada en Venecia en el año 1952, el primer premio de escultura de la Exposición Internacional de Escultura y Pintura de Pittsburgo en 1954. Calder también fue un gran ilustrador, realizando la ilustración de numerosos libros. Murió en Nueva York en 1976.

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Fuentes consultadas:

Archivo propio.

Escultura S.XX. (E.Taschen)

Arte Cinético.

Fotografía: Archivo propio. La misma red.

ARP, Hans (Jean). Artista versátil y vanguardista

Nacido en Strarburgo (1886), de padre alemán y madre alsaciana, tuvo nacionalidad alemana (la región estuvo bajo dominio alemán) hasta que en adquirió la francesa y comenzó a utilizar el nombre de Jean.

Desde temprana edad manifestó su inclinación artística y su amor por la poesía en la que se inició también en edad temprana y que practicaría toda la vida en las dos lenguas que dominaba, alemán y francés. También desde su juventud dio claras prueba de su poco amor a la disciplina.

A principios de siglo (1903) publicaría sus primeros poemas y también sería un año de gran creación artística, tanto pictórica como de escultura. De toda esta actividad apenas quedan pruebas. También a principios de ese siglo pasaría una larga temporada en París pero fue en la Academia dirigida por Henry van de Velde, en dónde se matriculó por orden de su padre, en dónde lograría que se admitiese su obra para la galería Bemhei-Jeune de París con Matisse y Signa. Un año más tarde estaría inscrito en la Academia Julian y frecuentando los ambientes artísticos parisinos.

Su familia estaba viviendo en Lucerna así que instalado en Suiza desarrolla gran actividad en este país fundando el “Der moderne Bund” grupo de artistas modernos. En esa época (1911) expone en la galería Der Sturm de Berlín, foco del recién nacido expresionismo germano. En las exposiciones de esa época expone junto a artistas como Klee, Matisse o Picasso que mezclan las últimas tendencias del ambiente francés y alemán. También en esas fechas conocería a Kandinsky en Munich, lo que iba a reforzar su tendencia a un arte no representativo y solitario. Fue a través de Kandinsky como conoció a Marcke y a Max Ernst y también a través de él participó en la exposición con el grupo “El Jinete Azul” (expresionistas alemanes). La Primera guerra le sorprendería en París en donde frecuentaba a Modigliani, Picasso y también a Apollinaire. Arp era ciudadano alemán en esa época, algo que complicó su situación y decidió trasladarse a Zurich donde conocería a Sophie Taeuber que sería su pareja su musa y su inseparable compañera, sentimental y en el arte hasta la muerte de la polifacética artista en 1943 a causa de un accidente infortunado.

CABEZA CON OBJETOS DESAGRADABLES 1935 (YESO)

Los Arp, junto a Tristan Tzara, Marcel Janco y Hans Richter, crean un núcleo en Zurich desde donde van a expandir el dadaísmo, el radical movimiento de vanguardia. Arp sobre todo colaboraría con Sophie, que en aquella época estaba más sumergida en la danza que en las artes plásticas, pero aún así junto a Tzara y Hülsenbeck participan en la Galería Dada de carácter provocador y en ocasiones hasta antiartístico.

El movimiento Dada se extiende a Francia y Alemania con el fin de la guerra y Arp participará en 1920 en la célebre exposición dadaísta de Colonia junto a Marx Ernst (entre otros) También en ese año conoce a Bretón y Aragón poetas que recogen el legado Dadá en París y a los que se van sumando otros conocidos como Tzara y Picabia. Es un momento de gran creatividad para Arp que colabora en revistas y en diferentes iniciativas de vanguardia, escribe poemas, realiza obra gráfica y collages. También establece lazos con la vanguardia “constructivista”.

CONCRECION HUMANA 1

La Bauhaus, en cuyo entorno está la vanguardia del momento, convoca un congreso en Winmar donde trata, entre otros, a Van Doesburg, en cuya revista De Stijl (el estilo) colaborará.

Del núcleo del Dadá parisino va a surgir en 1924 el surrealismo con Bretón a la cabeza. Arp se une al grupo y durante toda su vida se mantendrá unido a los surrealistas, aunque marcando distancia a la hora de los planteamientos más sectarios de estos. Todo ello lo hizo sin romper sus vínculos con el sector analítico y constructivo de la vanguardia.

BERGER DE NUAGES 1953

Los años de la segunda guerra mundial, en los que se mueve por el sur de Francia y por Suiza son muy duros, por el momento histórico pero sobre todo por la muerte de Sophie que le arrastra a una gran amargura. Los años de la postguerra le consagrarán como gran artista gracias a las antológicas como la de Nueva York (1958) o la de París (1962).

Arp fue una figura fundamental en el Dadaismo, pero también en la abstracción y el surrealismo.

Su condición de creador versátil y un tanto excéntrico, se vio agudizada, lo mismo que en muchos otros artistas, a consecuencia del desengaño y malestar producido por la guerra. Todo ello también sirvió para definir el movimiento Dada cuyo significado, como escribió Tristan Tzara no significa “nada”, es simplemente un estado de ánimo.

CONCRECION HUMANA 2

Su independencia y su versatilidad se manifiestan sobre todo en su participación con Sophie Taeuber y con los grupos que defienden la abstracción geométrica. Si desde los años 20 va a trabajar de modo simultáneo el collage y la obra gráfica con el relieve, es a partir de los años 40 cuando se centra en la escultura.

CONCRECION HUMANA 3

La obra de Arp es la esencia misma de la escultura biomórfica. Convirtió sus esculturas en metáforas de la naturaleza. Unió como nadie la esbelta escultura con la esencia del crecimiento orgánico. Y para lograrlo recorrió toda la jerarquía evolutiva. Del mineral a la flora pasando por la fauna y el cuerpo humano. Imaginó el “sueño cósmico de la unidad y de la transformación”. De un vellón del cielo nace una hoja, la hoja se convierte en un jarrón y de él aparece un ombligo y éste se convierte en sol, la fuente originaria del mundo. Era la descripción de esa transformación de una manera burlesca.

CONCRECION HUMANA 4

La llamada “nueva técnica”, o de “montajes”, contó con las construcciones cubistas, pero también con el llamado “Montaje Dada”.

Fue cuando en la escultura moderna, el relieve adopta dos formas bien diferentes. Por una parte, el que nos lleva a los frisos romanos con sus bajo-relieves ligados a la arquitectura, con su estilo clásico o neo-clásico (la época post-cubista de vuelta al orden) y de otra parte, encontramos la tendencia del collage cubista y la de los artistas que se sirven de materiales diferentes para el montaje. Ésta última fue también tomada por los artista del movimiento Dada y Arp, nos hizo de ella una demostración deslumbrante con sus relieves en madera pintados. Arp en sus relieves Dada se refiere a los valores puramente plásticos y artísticos.

CABEZA DE TZARA. 1916-1917 (Relieve en madera pintada)

Los famosos relieves de madera son, al parecer, realizados por artesanos carpinteros. Fiel a sus principios de renuncia al individualismo, aportaba simplemente los bocetos realizados de una manera más o menos improvisada. De la misma manera, en su escultura, utilizaba yeso blando y posteriormente los técnicos, transferían el original a la piedra o la fundían en bronce. Arp trabajaba el yeso de una manera casi natural, dejando las formas aparecer en absoluta libertad. Decía: “El arte es como un fruto que crece dentro del hombre, como la fruta en la planta o niño en la matriz de la madre” y efectivamente su obra parece fluir de manera espontánea y a la vez delicada

A Sophie, la gran compañera de Arp se le puede considerar una artista multidisciplinar. Pintora, bailarina, dibujanta, diseñadora, arquitecta y profesora de la Escuela de Artes decorativas de Zúrich. Formada en Hamburgo y Munich, su curiosidad abarcó una gran variedad de disciplinas y en cada una de ellas planteó y concilió extremos contradictorios en los que se movía el arte de principios del XX.

SOPHIE

Desarrollo una gran carrera en el mundo de la danza. Formó parte de la creación del movimiento dadaísta Dicen de ella que su formación era de artesana. Un principio muy centroeuropeo que se va a ver claramente en La Bauhaus y que afirma que el artista no nace siendo un genio sino que se forma en su oficio y trabajando. Esa noción de artesanía, lo mismo que la idea que el artista aprende siendo profesor es centroeuropeo y hubiera sido impensable en un París. Sus raíces suizas son “las culpables” de esa formación. De hecho, Suiza tiene gran tradición en Artes Aplicadas entendidas no como artes menores sino como otra acción creativa. La obra de Sophie como la de Arp no necesitaban una de la otra para ser reconocidas pero el destino unió a estos dos artistas que supieron mantenerse independientes en su creación aún trabajando juntos durante gran parte de su vida.

En 1959 Arp se casó con Marguerite Hagenbach, su última compañera. Ella es la que llevaría a cabo, después de la muerte de Jean Arp en Basilea en 1966, la voluntad del artista de ver reunida su obra junto a la de Sophie en una fundación. Esta se constituyó según los planos de la propia Sophie en Meudon-Clamart.

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Fuentes Consultadas:

Archivo propio.

La Sculture (De la Renaissance au XX siècle) E.Taschen

Arte del Siglo XX (E.Taschen)

La red.

Fotografía:

Archivo propio. La red.

ARISTIDE MAILLOL, el regreso a la belleza clásica

Cuando se consulta libros de arte Maillol aparece como uno de los escultores más originales de la primera mitad del siglo pasado y además es considerado como el que hizo “regresar” la escultura clásica, en un momento en que el arte comenzaba a inclinarse hacia lo abstracto. Fue un creador que evolucionó la escultura simplificando las formas grandilocuentes de finales del XIX sin alistarse a las corrientes vanguardistas.

También algunos lo catalogan como el precursor de escultores como Henry Moore (este blog entrada 15 noviembre 2009). Pero además si nos adentramos en su biografía, se nos presenta un artista versátil que dominó todas las disciplinas, aunque finalmente encontró el camino para su creatividad en la escultura.

La mediterranée

Personalmente había admirado la obra de Maillol tanto en París como en N.York y me había quedado con el artista escultor. Ha tenido que ser ahora, en la magnífica exposición que estos días ofrece Caixa Catalunya en La Pedrera de Barcelona, cuando me he encontrado un artista desconocido para mí que en el camino de una búsqueda de la disciplina adecuada para su creatividad realizó, con igual calidad que su escultura, obras de todo tipo. Esta exposición que muestra ampliamente todo su trabajo, da fe de ello y nos trae al Maillol pintor, pero también al artista textil o al ilustrador, al fino dibujante y al decorador de cerámica. No hubo disciplina que no ejecutase y todas a la perfección, posiblemente porque una máxima fue la que dirigió su obra, esa que en “La Predrera” aparece escrita junto a sus obras y que dice así:

“No se debe copiar, hay que tener una idea. El arte es invención, hay que tener ideas, o una armonía también en arquitectura... Si copias no haces nada.”

No hay duda de que esto fue un principio para Aristide Maillol.

CASA DEL ROUSSILLON (Óleo sobre lienzo)

Nació en Banyuls-sur-Mer (Rosellón francés) en 1861 y después de realizar en el Lycée François Arago de Perpignan los estudios secundarios, marchó a París empeñado en ser pintor. Al parecer, el paso por la escuela superior de Bellas Artes no colmó sus expectativas en cuestión de arte y quedó decepcionado. Pero Maillol descubre la pintura de Gaugin y esos colores simples y vivos y las formas lisas y carentes de perspectivas le atraen de inmediato. En 1890 sería introducido en el grupo de los “nabi”y conoció a sus representantes más notables como Bonnard, Vuillard o Sérusier. Todos ellos comparten la admiración hacia Gaugin, aunque solamente Sérusier mantendría contacto con él. La influencia de Gaugin es manifiesta en algunas de las obras de Maillol.

LA VAGUE

Pero el artista no se siente satisfecho como pintor y comienza a volcar su creatividad en el tapiz (también Gaugin lo hizo). No obstante, continúa investigando en la pintura y también comienza, con su gran conocimiento del color y de los pigmentos, a decorar cerámica.

Jarrón decorado sobre esmalte opaco de estaño

Una enfermedad ocular le haría abandonar el trabajo textil ya que esa técnica provoca mucho desgaste visual. Él, que pensaba que había encontrado el vehículo para su creatividad, sufre enormemente pero pronto se iba a iniciar en la escultura y lo haría por medio de los bajorrelieves. Desde el trabajo plano y sin perspectiva del tapiz o el lienzo, hasta los volúmenes redondeados que más tarde vamos a encontrar en su obra, el bajorrelieve sería la transición.

DESEO ( Bajorrelieve realizado en plomo)

Cuando a principios del nuevo siglo Maillol encuentra por fin su camino creativo, retornando al concepto clásico de la belleza, inspirado en la Grecia arcaica, es una auténtica revolución. Y no sólo son grandiosas sus esculturas en bronce que adornan jardines y grandes mansiones, las simples terracotas de la primera etapa son una lección de armonía y proporción. El perfeccionismo que ha mostrado a lo largo de su vida está, como no, presente en la factura de su escultura. Las formas sencillas, armónicas que simplemente “están” sin tener que decir nada.

DEBUSSY

Para Maillol lo que cuenta es la forma, la línea y la pureza. Sus obras son belleza y armonía para admirar. Yo diría que es el arte en su estado más puro. El arte por el arte.

TORSE DE L'ÉTÉ

No podemos dejar de nombrar al Maillol dibujante ya que dibujaba sin descanso y solía ir acompañado de un cuaderno dónde trazaba bocetos y croquis puesto que su obra no nacía de la copia de un modelo sino de su imaginación y para crear una escultura partía de incontables dibujos realizados con anterioridad.

También trabajó como ilustrador y en su afán de búsqueda e investigación de nuevas técnicas, creó un papel de hilo especial.

En la vida de Aristide Maillol hubo una persona muy importante que aparece representada en muchas de sus obras. Dina Vierny apareció en su vida en 1934 y a partir de esa fecha fue su musa y modelo.

LAS DOS DINAS (Óleo)

El cuerpo de la mujer fue para Maillol el motivo de su obra y de él realizo infinidad de variaciones que le llevaron a crear esa estética nueva de la figura humana en un momento en que, como señalaba al principio, el arte moderno la estaba haciendo desaparecer.

L'AIR

Maillol murió en 1944 en su Banyul-sur- Mer del Rosellón. La obra de Maillol se puede admirar en muchos lugares del mundo pero es en París dónde se encuentra su Museo-Fundación en la siguiente dirección:

Fondation Dina Vierny – Musée Maillol

61 Rue de Grenelle- PARIS.

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Fuentes consultadas:

Arte del Siglo XX (editorial Taschen)

La Sculture de L’Antiquité au XXe. Siècle (E.Taschen)

Catálogo exposición Caixa Catalunya . La Pedrera.

Archivo propio.

Fotografías:

Archivo propio.

La misma red.