ALBERTO GIACOMETTI, el artista en su espacio

LE CHAT 1951

Alberto Giacometti (Suiza 1901-1966). Aunque nacido en Suiza Giacometti se puede considerar un artista francés, más bien parisino si nos atenemos a su formación.

Iniciado en estudios artísticos en Ginebra, se trasladó a París para seguir estudios de escultura y allí entró en contacto con el ambiente cubista y con el grupo surrealista del que formaría parte entre 1930 y 1935. De esa época data su “Cabeza que mira” con toques de arte tribal, arte que tanto influiría en los artistas de la época. Las obras de esa época son muy personales y en ellas se reconoce la idea surrealista de los objetos.

CABEZA QUE MIRA

La genial obra de este artista ha sido expuesta en numerosas ocasiones. En estos últimos años he tenido ocasión de admirarla dos veces. La última, el año 2008 en Rotterdam en el “Kunsthal Rotterdam” y la anterior en 2007 en el Centro Pompidou, bajo el título “L’Atelier D’Alberto Giacometti” (El taller de Alberto Giacometti).

En esta última voy a centrarme en esta Entrada de hoy porque posiblemente nunca se admiró mejor a un Giacometti íntimo, un Giacometti en su auténtica esencia y espacio. Pocas veces se ha percibido así al artista en su Taller y se ha podido “pasear” entre su obra, desde la más temprana a la que ejecutó en su madurez.

COUPLE 1927

Esta entrada se ha enriquecido sin duda por el buen hacer del Centro Pompidou que en colaboración con la fundación Alberto y Annette Giacometti, nos dio la oportunidad de gozar de una retrospectiva inédita y original en su montaje, gracias a la cual, pudimos vislumbrar la intimidad del lugar de trabajo del artista, algo imprescindible para entender la obra cumbre de Giacometti. Su taller era su laboratorio y su taller era su espacio vital.

MUJER ACOSTADA QUE DUERME 1929

Recorrer este espacio fue recorrer la vida y obra de Giacometti y sobre todo nos dio la oportunidad de analizar su desarrollo de un modo muy pedagógico. La disposición de la obra era perfecta para ello.

Pudimos encontrar parte de la pared del taller en la que, dibujado a lápiz, se veía el esbozo de una escultura, a su lado la escultura real con su presencia contundente, con un juego de luces, proyectaba su sombra sobre la pared de la sala presentando tres momentos de la obra. La del esbozo, la real y “la sombra irreal”.

Volvemos a admirar una composición similar en la unión de un esbozo y la escultura resultante en otro momento de la instalación.

COMPOSICION Y ESCULTURA (Hacia 1927-1928)

En el comienzo del recorrido encontramos autorretratos del propio artista en su juventud, seguidos de amigos y familia. No podemos olvidar que en sus dibujos, pinturas y esculturas los modelos preferidos fueron precisamente los más allegados. Sobre todo su hermano Diego.

CABEZA DE DIEGO 1923

Pero centrándonos en su obra, tenemos que decir que nombrar Giacometti es ver esas figuras rígidas, extremadamente enflaquecidas y sobre todo aisladas en el espacio. Un aislamiento que se transmite incluso cuando aparecen agrupadas. El estudio psicológico de la obra, que como todo artista lo tiene, habla de la soledad del hombre y muchos han querido ver en ella un fondo de la filosofía existencialista.

TRES HOMBRES QUE CAMINAN 1948

También hay una lectura de los últimos años de su vida. Esos en los que vivió en una total austeridad que en ocasiones rayaba en el abandono. Esa austeridad sin duda se plasma en la obra del artista. Posiblemente si hubiera pertenecido a otra época Giacometti hubiera sido un hombre religioso o místico. Sin embargo su vida y obra se acerca más a la alineación.

Entre las historias que acompañan a todo artista hay una leyenda que dice que en todo el tiempo en que vivió en su estudio, no cambió ni movió prácticamente nada. Y puede ser que esa actitud también se reflejase en su obra puesto que durante sus últimos veinte años retomó una y otra vez los mismos temas.

GRAND FEMME 1958

Su vida fue una lucha por querer atrapar la realidad, la única realidad visible. Esta lucha le llevó a numerosas crisis que dieron lugar a cambios radicales.

Fue a partir de 1935 con el retorno al arte figurativo y el estudio del modelo cuando comienza una etapa que daría lugar, en esa búsqueda de la realidad, a su estilo característico. Las figuras humanas alargadas, de textura rugosa, muchas de ellas de tamaño natural y solitarias.

EL HOMBRE CAMINANDO 1960

Giacometti descubrió que “nos percibimos unos a otros como una aparición rodeada de espacio y reducida por la leyes de la perspectiva”. Afirmaba que “el tamaño real no existe” y redujo sus figuras a las dimensiones de un palillo, las hizo “desaparecer” hasta llegar a un punto en que casi no se veían entre sus dedos.

FEMME DEBOUT 1961

Comenzó a amasar las figuras sobre una estructura de alambre lo que las convertía en una línea incorpórea e irreal pero paradójicamente de gran estabilidad visual. Sus contornos irregulares hacen que sus superficies sean potentes.

En la serie de las “Siete mujeres de Venecia” ya en su madurez, sintetizó los tipos femeninos entre las figuras estilizadas y las de anchas caderas y hombros redondos. Había logrado dominar proximidad y distancia. También los últimos bustos de Diego poseen una silueta más equilibrada, con cuello y cabeza.

GRANDE FEMME 1960-1961

Giacometti no fundó escuela, pero si abrió el camino para una nueva percepción de la escultura.

ALBERTO GIACOMETTI

Más tarde los minimalistas mostraron su lema escultórico “Aunque un cubo posee seis caras, presento las cuatro que veo”. Giacomettí había sido el primero en presentar ese concepto.

NOTAS :

-->

CON FECHA 3 DE FEBRERO  DE 2015, en este mismo blog, aporto noticias sobre una exposición en Madrid que nos trae al artista y su obra.

EL  4 DE FEBRERO DE 2010, salta a los medios la noticia : L’Homme qui marche (El hombre que camina) de Giacometti , se ha subastado en Londres por 65 millones de libras (104,3 millones de dólares ó 74,2 millones de euros) superando de esta manera el record mundial de una obra de arte vendida en subasta, según el portavoz de la casa de subastas Sotheby’s.

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Fuentes consultadas:

Archivo propio.

Arte Siglo XX (Ruhrberg. Schneckenburger. Fricke y Honnef).

L’Atelier d’Alberto Giacometti (Colección de la Fundación A.y A. Giacometti).

Historia del Arte (E.H.Gombrich).

Fotografías tomadas en: Centro Pompidou. Archivo propio y la misma red.

HENRY MOORE. Arte sin aristas.

La primera vez que admiré una obra de Moore quedé impresionada ante una grandiosidad tan suave. Nunca había percibido la redondez tan monumental, o la monumentalidad tan redonda. Siempre me habían resultado difíciles de visualizar estas dos características juntas y las tenia “ensambladas” allí delante, en la realidad, no en una fotografía. Fue hace muchos años en una exposición en Buenos Aires. Desde entonces cuando veo obras de Moore, aun estando sobre papel, las veo mucho más reales y grandiosas todavía.

EL ARTE EN LA NATURALEZA

Henry Moore (Reino Unido 1898-1986) comenzó sus estudios artísticos después de la Primera Guerra mundial. En 1919 ingresó en el Royal Collage de Art con una beca. Su interés por la escultura arcaica le llevó a frecuentar el British Museum y a viajar por Italia, Francia y España. Fue profesor entre 1925 y 1932 en el Royal Collage y entre 1932 y 1939 en la Escuela de Arte de Chelsie.

En esa época ya tenía estudio propio y lo más importante, ya se había forjado un estilo que le iba a caracterizar. Rechazaba la búsqueda de la belleza al estilo clásico o del Renacimiento y buscaba más expresar una energía interior. Entre sus temas preferentes: las figuras recostadas y la maternidad a los que fue añadiendo grupos familiares, combinando la figura humana con formas abstractas. Esa figura humana es contundente en su obra. Y en lo referente a los materiales, no se puso límites. Trabajó madera, piedra, bronce, cemento y terracota.

MUJER RECLINADA

Su obra está muy influenciada por las culturas americanas (estudió escultura mexicana y el arte de las tribus primitivas) pero también por el Egipto antiguo. En toda ella se ve el “arte de lo primitivo. En opinión de sus estudiosos la influencia de las culturas sumeria, egipcia, precolombina, africana y oceánica es intensa y evidente.

En sus primeras obras, hasta 1930, se subraya el bloque sólido y la técnica de la talla directa. (dios tolteca de la lluvia en 1929). Sería después de esta fecha cuando comienza una nueva evolución. En 1930 realiza una “Figura reclinada” que ha perdido su frontalidad masiva y ofrece vistas desde distintos ángulos y permite la aparición de cavidades y ya en 1934, Moore “excava” cavidades en los materiales.

A partir de 1940, cavidades y masas muestran prácticamente la misma importancia, complementándose en forma y espacio.

MUJER RECLINADA

Moore no fue muy conocido fuera de su país hasta mediados de siglo cuando el Premio Internacional de Escultura de la Bienal de Venecia, recibido en 1948, lo proyectó a nivel internacional. En lo sucesivo recibiría innumerables encargos. Su obra al ser expuesta en muchos espacios públicos, le “obligó” a aumentar el tamaño de sus esculturas.

REY Y REINA

Fue elegido miembro del consejo de la Tate Gallery y el Museo de Arte Moderno celebró la primera gran retrospectiva en 1946.

En la década de 1970 viajó a Canadá e Italia y en 1974 abrió el Henry Moore Sculpture Center en Ohio.

HENRY MOORE en CHICAGO.

Sus obras pueden ser admiradas en el edificio de la UNESCO en París, o en el Centro de Arte de Lincoln en Nueva York, así como en muchos espacios públicos y museos de todo el mundo. El museo de “Bellas Artes de Ontario”, ubicado Toronto, posee una de las mas grandes colecciones de esculturas de este artista.

OBRA en el MUSEO BELLAS ARTES de ONTARIO

Henry Moore fue referente para muchos escultores y podemos ver su influencia en la obra de algunos de ellos como en la de su compatriota Barbara Hepworth (entrada en este blog día 18 de octubre).

Hoy, 6 de noviembre de 2015,  llega a mi buzón privado, la nunca demasiado alabada revista “hoyesarte” (en la columna de la derecha del Blog tenéis el link) que nos comunica la grata noticia de la “visita” de la obra de Henry Moore a Pamplona.

La Obra Social "la Caixa"y la Fundación Caja Navarra, en colaboración con la Henry Moore Fondation y el Ayuntamiento de Pamplona, presentan seis esculturas monumentales del maestro inglés en el Paseo de Sarasate del 03 noviembre 2015 al 10 de enero 2016

Museo al aire libre

…”En 2006 vio la luz el programa Arte en la calle, desde entonces se ha acercado al público las creaciones de artistas contemporáneos como Manolo Valdés o Igor Mitoraj, así como referentes de la modernidad como Auguste Rodin.
Las obras interactúan con el entorno, por afinidad o por contraste, y provocan un gran impacto en las personas que las descubren por primera vez. Con este espíritu, las exposiciones cumplen una función social: son una herramienta de conocimiento y de integración al alcance de todos.

 

La única visita de Moore a España fue en el verano de 1934, en ocasión de unas vacaciones en motocicleta con su esposa Irina y sus amigos Raymond y Edna (Gin) Coxon. Entraron en el país desde Francia, llegaron a Pamplona y tomaron la carretera de la costa en dirección a las cuevas de Altamira, que Moore describió como la “Real Academia de la Pintura Rupestre”. Después visitaron Madrid, Toledo y Vic. Aunque Moore nunca más regresó a España, el país y su arte tuvieron un significado muy especial para él durante toda su vida.

Al igual que muchos artistas de su generación, Moore contempló horrorizado los sucesos que ocurrieron en España poco después de su visita. Nunca antes en toda su trayectoria artística había hablado tanto sobre política, y su compromiso con la difícil situación que estaban atravesando los españoles se reforzó tras la visita que realizó al estudio de Pablo Picasso en París en 1937, donde tuvo la oportunidad de contemplar los avances del Guernica. Dos años después, Moore hizo su primera litografía, Prisionero español, con la intención de venderla para ayudar a los prisioneros de guerra republicanos retenidos en los campos de refugiados de Francia.

En 1981 se organizaron importantes exposiciones de la obra de Moore en la Fundación Miró de Barcelona y en el Palacio de Velázquez de Madrid, y en el año 2006, en CaixaForum Barcelona. La reina doña Sofía visitó a Moore en su casa de Perry Green (Inglaterra) en 1983….”

Las fotografías que he añadido a la información enviada por "hoyesarte" se corresponde con algunas de las esculturas ya instaladas en la capital navarra.

Una buena razón para visitar esta hermosa ciudad tan llena de historia.


Y otra buena noticia que nos llega en estas fechas veraniegas de 2016.

La Capitalidad Europea de la Cultura 2016, otorgada a Donostia-San Sebastián, y en la que ya estamos inmersos, nos da la oportunidad de admirar en el Paseo de la Zurriola de la capital, las obras de Henry Moore. Un entorno de excepción para la obra excepcional de este artista. 

Me agrada en extremo el poder dar esta noticia, no sólo por ser Donostia una ciudad en la que la obra de un artista como Moore tiene un lugar idóneo para ser expuesta, también porque los que seguís estos Encuentros sabéis de la gran defensa que he hecho siempre de situar el Arte en la Calle (este blog 23.11.2011), lugar en el que debe de estar para educar y para poder ser compartido por todos los ciudadanos.

 

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Fuentes consultadas:

Archivo propio.

Arte del Siglo XX. (Ruhrberg.Schneckenburger.Fricke.Honnef)

Historia del Arte (E.H.Gombrich)

Fotografía: Archivo propio y la misma red.

CONSTANTIN BRANCUSI, una mirada diferente sobre su obra.

Nació Brancusi en una aldea de Rumanía en 1876. De padres labradores. Se dice que su padre le maltrataba y sólo tuvo relación con su madre y con su hermana. El artista siempre dijo que su padre le pegaba porque había deseado “una hija”. A los 11 años logró escapar de casa, algo que ya había intentado en otras ocasiones. Con este comienzo podemos decir que casi es imprescindible un estudio de la obra del genial artista desde una mirada Psicológica. Bien es cierto que no somos expertos en el tema, pero sin lugar a dudas, el conocimiento de la infancia de Brancusi va a hacer que nuestra mirada se dirija a ella en más de una ocasión cuando observamos su obra.

De niño, trabajando en tareas pastoriles, aprendió el arte de la talla, arte muy popular en su país, un arte que siguió perfeccionando mientras se pagaba las clases con un trabajo de sirviente en una tienda.

Brancusi estudio en la Escuela de Bellas Artes de Bucarest y en la Ecole de Beaux-Arts de París y en 1903 realizó su primer encargo: un busto del general rumano Carol Davila. Trabajó un tiempo con Rodin en 1907 y las obras de esa época muestran clara influencia de este escultor, pero poco tiempo después ya se ve en él su propio estilo geométrico que le llevó hacia una abstracción en la que predominaría la forma ovoide.

"RECIÉN NACIDO"

No se alineó el escultor a ninguna tendencia artística, sólo se preocupaba por buscar la forma primaria del objeto y de plasmarla plásticamente transmitiendo, no solo su forma exterior, sino su esencia misma y sería él, Brancusi, el que iba a influir en otros muchos escultores

No obstante, aún en su abstracción, su obra va a llevar siempre intrínseca las raíces de sus orígenes rumanos. La influencia del folklore o los antiguos mitos se van a ver reflejados en ella en más de una ocasión.

"DONAIRE"

Su trabajo comenzó a ganar reconocimiento a partir de 1912 cuando el Salón Oficial de Bucarest le otorgó el primer premio de escultura y cuando participó en el Salón de los independientes en París. En 1913, presentó su obra de vanguardia en Nueva York, Chicago y Boston.

"COLUMNA SIN FIN"

En 1914 inició una serie de esculturas en madera en las que se ve la influencia de ese arte popular del que hablábamos: “El hijo pródigo”, la “Columna sin fin” o el “Pájaro”.

"PAJARO"

Sus “Aves” podrían interpretarse como imágenes propias y además de aves de gran tamaño, realizó “Gallos” y “Pajaritos”. Tanto unos como otros eran abstractos, pequeños y se van haciendo más grandes. El último “Gallo” realizado en 1949 alcanza 76,5 m de altura. Es una imagen fálica de alguien que asciende hacia el cielo.

"EL BESO"

“El Beso” es una de las más conocidas esculturas de este artista. En esta escultura, la figura masculina se parece al propio artista. Años más tarde Brancusi dibujaría un “Beso” en sus tarjetas de visita indicando que se había convertido en su emblema personal. Reelaboró el tema del Beso en muchas ocasiones y a medida que lo desarrollaba, las figuras abrazadas se fueron fundiendo en un bloque rectangular.

Nos hace recordar que la idea que tenía Miguel Ángel de una escultura: extraer la forma que parece encerrada en el bloque de mármol y dar vida y movimiento a sus figuras conservando al mismo tiempo el perfil simple de la piedra.

A partir de 1924 se puede decir que su reputación como uno de los grandes artistas de su siglo quedó establecida

Se le concedió el honor de participar en importantes exposiciones por todo el mundo. En 1955 se presentó una retrospectiva de toda su obra en el Museo Guggenheim de Nueva York.

En 1952, Brancusi obtuvo la nacionalidad francesa y donó su taller con un contenido de casi cien esculturas al Museo de Arte Moderno de París. Murió en esta ciudad en marzo de 1957.

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Fuentes consultadas:

Historia del Arte (E.H.Gombrich)

Arte y psicoanálisis (Laurie Schneider Adam)

Archivo propio.

Fotografía: archivo propio y la misma red

JORGE OTEIZA y SÁENZ DE OIZA, la unión de dos artistas

Pionero de la escultura abstracta, Jorge Oteiza (Orio, 1908- Donostia 2003) pasará a la Historia del Arte de este siglo por sus logros escultóricos y por sus reflexiones teóricas en torno al espacio.

Nació en el seno de una familia acomodada. En 1927 se trasladó a Madrid con la idea de estudiar arquitectura, pero por razones burocráticas se matriculó finalmente en medicina, carrera que abandonó al tercer año para apuntarse en la Escuela de Artes y Oficios. No obstante, la asignatura de Bioquímica despertó su interés por la escultura y por la experimentación de lo que el definió como “biología del espacio”. Fue también en Madrid donde se acentuó, desde posiciones sociales y de izquierdas, su conciencia de identidad vasca.

"LA OLA" 1996 - Plaza dels Angels. Barcelona

En 1935 viajó a Sudamérica, iniciando un largo periplo que le llevaría por Argentina, Chile, Colombia y Perú. En los casi quince años que estuvo en tierras americanas Oteiza no dejó terreno por explorar: profesor en la Escuela Nacional de Cerámica de Buenos Aires, participó en Santiago de Chile en la creación del teatro político experimental, tomó parte en movimientos de vanguardia como el cubismo y el constructivismo, estudió con devoción la escultura megalítica de las culturas amerindias y además, conoció a la que fue el gran amor de su vida, Itziar Carreño, con la que se casó en 1938.

En la década de los cuarenta comienza a introducir oquedades en sus esculturas. Esas exploraciones sobre el hueco y el volumen en la línea del gran escultor británico Henry Moore, serían las semillas que servirían para sus posteriores producciones.

En 1948 regresa de América y su energía vital encauzó el debate y la renovación del Arte Vasco. Es autor de numerosos textos y ensayos que influirían en generaciones posteriores de escultores, entre ellos Néstor Basterretxea. Los escritos de Oteiza plantean cuestiones básicas del Arte y la Escultura del Siglo XX.

"HOMENAJE A MALLARMÉ"

De fuerte personalidad y polémico en sus críticas, dirigidas sobre todo contra el encasillamiento del poder cultural institucional, su carácter no ayudó a la promoción de su obra.

Su obra se aproxima a lo primitivo en el sentido religioso y moral, combinando lo arcaico con lo vanguardista. En ella emplea tanto la piedra como el hierro. Aunque evolucionó hacía lo abstracto tempranamente, sus primeros trabajos fueron de tipo figurativo. El cuadrado y la esfera son para Oteiza las figuras básicas de su reflexión sobre la relación entre espacio y volumen.

"VARIANTE OVOIDE, DESOCUPACIÓN DE LA ESFERA"

A mediados de los 50 alcanza su madurez artística y entre 1958-59 finaliza su obra escultórica con sus conocidas “Cajas y Esferas Vacías”, recibiendo en 1957 el Premio Internacional de Escultura de la Bienal de Sao Paolo.

La escultura que le valió ese premio “Construcción Vacía” (encabeza la entrada de hoy) fue colocada por el Ayuntamiento de San Sebastián unos años antes de morir el genial artista, en el Paseo Nuevo de la capital donostiarra. Como anécdota mencionar que en el otro extremo de la Bahía, en la lejanía, se encuentra otra obra emblemática, “El peine del viento”, del escultor Eduardo Txillida. Cada una en una esquina, parecen mirarse y hacen de broches a la bella bahía de Donostia.

Autor de numerosas obras, realizó entre 1947-1971 las polémicas esculturas para la Basílica de Nuestra Señora de Aránzazu.

" BASILICA DE NUESTRA SEÑORA DE ARÁNZAZU"

El Santuario de Aranzazu, se encuentra en el municipio de Oñate, en Gipuzkoa y en él se venera a la patrona de esta provincia. La ubicación del Santuario es excepcional. A los pies de las campas de Urbia, en medio de barrancos, montes rocosos y pequeños ríos que van a perderse en el fondo del valle, a 700 metros de altitud y colgado sobre el valle.

Se comenzó a construir en 1950, se abrió a la liturgia en 1955 y se consagró en 1969. La Basílica destaca por la conjunción del Arte del Siglo XX y la religiosidad.

Se construyó sobre la antigua iglesia que había sido levantada en el Siglo XIX, después de ser destruida por un incendio en 1834. Bajo la actual construcción, la antigua basílica actualmente convertida en una cripta, recoge una vanguardista obra pictórica.

El atrevimiento de los diseños de los artistas que intervinieron en su construcción llevó a la paralización de la misma durante casi 15 años. Fue la apertura que supuso el Concilio Vaticano II la que permitió que se pudiera llevar a buen fin la obra.

El Proyecto es de los Arquitectos Sáenz de Oiza y Luís Loarga y junto a ellos intervinieron, Jorge Oteiza para la fachada principal, el pintor Lucio Muñoz para decorar el Ábside, el escultor Eduardo Txillida para las puertas, Fray Javier María de Eulate para las vidrieras y Néstor Basterretxea para la decoración de la cripta.

"LOS APÓSTOLES"

A nivel de la calzada queda el friso de los Apóstoles de Oteiza. Catorce figuras de piedra que al igual que las dos que forman parte de la representación central, pesan entre cuatro y cinco toneladas.

La obra de la Basílica ha recibido el reconocimiento internacional y obtenido numerosos premios importantes. En 1963 el Colegio Vasco-Navarro de Arquitectos le concedió el Premio Juan Manuel Aizpurua.

En este gran proyecto Jorge Oteiza conoció al arquitecto que más adelante llevaría a cabo un edificio soñado por el artista, el Museo Oteiza, proyectado por el que ya sería su amigo, Sáenz de Oiza.

Francisco Javier Sáenz de Oiza - Cáseda (Navarra) 1918-Madrid 2000

Licenciado por la Escuela de Arquitectura de Madrid, en 1946 recibe el “Premio Aníbal Álvarez” al mejor expediente académico y ese mismo año gana el Premio Nacional de Arquitectura. En 1947 viaja para ampliar sus estudios a EEUU con la Beca de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

En 1949 vuelve a España y trabaja en la Escuela de Arquitectura de Madrid en dónde logra una cátedra. Entre 1981-1986 es director de la Escuela. Después de su jubilación continuaría como profesor emérito de la misma.

Fue Maestro de arquitectos, en la Universidad y en su Estudio, por donde pasaron arquitectos como Rafael Moneo entre otros.

"MUSEO OTEIZA" Alzuza (Navarra)

El Museo Oteiza, está situado en el entorno rural de la localidad navarra de Alzuza, a 9 kilómetros de Pamplona.

Sáenz de Oiza proyectó un gran cubo de hormigón rojizo, integrando en él la vivienda ocupada por Jorge Oteiza durante dos décadas. Hasta su domicilio en esta localidad navarra, trasladó el artista su biblioteca personal, sus manuscritos, las esculturas y maquetas creadas a lo largo de su extensa trayectoria artística, así como el “Laboratorio de Tizas” una de las aportaciones que se encuentran en el Museo.

"CAJA METAFISICA"

El Museo se centra en la difusión de la Obra de Oteiza y el singular edificio se creó, además de para albergar la obra, para acoger las investigaciones experimentales de Oteiza y la significación metafísica y espiritual de su creación.

Su ejecución representa el reencuentro definitivo del legado de Jorge Oteiza con el testimonio último de Sáenz de Oiza, dos autores fundamentales en la evolución de la escultura y la arquitectura contemporánea, amigos y colaboradores.

Jorge Oteiza fue también autor de ensayos, poemas, y un volumen con textos y aguafuertes donde reflexionó sobre el arte. Entre los numerosos premios que recibió el escultor se encuentra el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. 1988 se le otorgó

Falleció a la edad de 94 años.

A fecha de hoy, 15 de octubre de 2011, nos llega la noticia del premio otorgado al Proyecto Pedagógico del Museo Oteiza de Alzuza.

"En la II Convocatoria Internacional del Premio Iberoamericano de Educación y Museos, promovido por Ibermuseos, se le ha concedido a este Museo el segundo premio".

Este premio es una iniciativa de cooperación de países iberoamericanos.

Y aquí os adjunto una web muy interesante que me ha enviado un visitante de nuestros Encuentros gran amante del Arte y de la obra de Oteiza.

-->

http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=vjhgJOJfDYg&noredirect=1

Hoy subo a esta antigua Entrada una fotografía tomada en estos días en los que sufrimos una terrible tempestad en el País Vasco. Estamos a febrero de 2014 y las crónicas hablan de la peor tempestad que hemos sufrido desde hace más de 60 años. Pues bien, la fotografía me ha impactado poderosamente porque hoy como nunca he relacionado el carácter de Jorge, su fuerte personalidad, con su obra. Después del impacto sufrido por el mar y las inclemencias, después de haber oído que multitud de obras de arte que se encuentra en el litoral han desaparecido, la obra de este genial artista se deja ver orgullosa y en pie en un Paseo Nuevo arrasado por las olas. Se trata de Construcción Vacía la escultura que encabeza esta Entrada.

 Fotografía de El Diario Vasco (febrero 2014) Construcción Vacia frente al mar

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Fuentes consultadas:

Oteiza. Laboratorio experimental. Fundación Museo Oteiza (Editor: Fundación Museo)
Oteiza. Exposición. (Edit.: Kubo-Kutxaespacio)
Sáenz de Oiza. Escritos y conversaciones. (Fundación Caja Arquitectos. Barcelona)

Oiza-Oteiza: babes lerroa = línea de defensa de Alzuza (Colegio Arquitectos de Cataluña)

Fotografías: archivo propio y la misma red.

BARBARA HEPWORTH 1903-1975. La mujer en la escultura moderna

"ABSTRACCIÓN"

“La escultura debe buscar con la intensidad de la pasión, el principio que sostiene la organización de la masa y de la tensión, el sentido del gesto y la estructura del ritmo”

Hepworth nació en Yorkshire, Inglaterra y falleció en 1975 en Cornualles.

Tanto ella como Henry Moore, se encuentran entre los escultores británicos cuyas obras han abierto la vía del arte en los años de la Post-guerra.

Entre los años 1921 a 1924 estudia en el Colegio Real de Arte de Londres, posteriormente hace largas visitas a Florencia, Carrara y Roma.

En un principio Hepworth realizaba unas esculturas figurativas en piedra, representaciones humanas o animales, influenciada por la obra de Brancusi que ella exponía a menudo con su primer marido, John Skeaping.

En 1931 encuentra al pintor Ben Nicholson con el que se casará más tarde. Los dos elaboran un arte de abstracción total y mantienen una estrecha relación con artistas parisienses como Braque, Brancusi y Mondrian. De esa época data una obra de la artista “Three Forms” (1935) testimonio de su pasión por las formas múltiples.

"THREE FORMS"

De 1936 a 1939, Hepworth y Nicholson son el centro de un círculo de artistas modernos de Hampstead, en Londres del que también forman parte Henry Moore, Naum Gabo y Piet Mondrian.

Cuando la segunda guerra mundial estalla en Europa, los dos se retiran a Saint Ives, un pueblecito de pescadores en Cornoualles, lugar en donde desde siempre se habían instalado artistas atraídos por los precios modestos de los alquileres, la belleza del paisaje y la calidad de la luz. Hepworth se enamora del paisaje de Cornoualles y Saint Ives se convierte en su lugar de residencia para el resto de sus días. Como por adaptación a sus alrededores su obra cambia igualmente. Hepworth comienza a interesarse en los monolitos que se encuentran por todo Cornoualles. De igual manera, deja entrar en su obra el drama de la mar, y del paisaje. Esto hace que su obra tenga una apariencia menos austera que la del periodo londinense.

MADERA (1954)

Hepworth, cuya primera pasión fue el trabajo en madera, ha trabajado con materiales tan diversos como la teca y muchas otras maderas. También hizo algunas tentativas con el metal, pero esperará a los años 50 para sacar todo el potencial a este material. A partir de mitad de los años 50 crea formas con la ayuda de finas placas de metal. Después de 1956 trabaja el bronce.

FORMAS

En 1950 representó a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia. Una distinción excepcional para cualquier artista.

Su trabajo más importante para un espacio público es Single Form (1963) que fue inaugurado delante del edificio principal de las Naciones Unidas en N.York a la memoria de Dag Hammrskjöld, primer secretario general de la ONU.

De vuelta a Saint Ives Hepworth vuelve nuevamente hacia el trabajo en madera. Su obra “Pierced Monolith with Colour”, quedará en su jardín de Saint Ives hasta su muerte.

"PIERCED MOLOLITH WITH COLOUR"

La artista mantenía una relación muy especial con los materiales empleados en sus obras. Ella realizaba personalmente sus maquetas en madera, y no dejaba a sus ayudantes la fundición en bronce. Es por esto que su obra no es tan extensa. Su objetivo en su vida, según ella misma confesó era “crear tantas buenas esculturas como fuera posible antes de morir”.

"MADERA"

Hepworth, que se realizó plenamente con su obra escultórica, tenía una pasión no menor por su familia. Tuvo cuatro hijos. Un chico con su primer marido John Skeaping y con Ben Nicholson un chico y dos chicas.

El lugar central que ocupaban sus hijos en su vida aparece claramente en su autobiografía publicada en 1970. Al lado de las ilustraciones de sus obras, de las fotografías de los paisajes de Cornoualles, de las gentes y de los lugares que le inspiraron, se encuentran numerosas fotografías de sus niños. Su biografía ilustrada muestra como su vida personal y su arte estaban íntimamente unidos.

Tanto ella como Henry Moore eran originarios del Norte de Inglaterra. Independientemente de su atracción hacia Cornualles, permaneció fiel a sus raíces.

Murió en 1975 súbitamente, victima de un fuego que se declaró en su estudio de Saint Ives, en donde ella había vivido casi 30 años.

LA OBRA INTEGRADA EN LA NATURALEZA

Hepworth fue nombrada dama del imperio británico en 1965 y recibió numerosas distinciones honoríficas y títulos académicos. Fue miembro del comité de exposición de la Tate Gallery .

Hoy en día su taller está transformado en un museo bajo la tutela de la Tate Gallery.

Sus obras están presentes en todos los grandes museos del mundo como la mencionada Tate Gallery, La Nacional Gallery of Modern Art d’Edimbourg, o la Art Gallery of Ontario (Canadá) entre otros.

El nombre de Barbara Hepworth se encuentra entre los más grandes escultores británicos.

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Fuentes consultadas:

Archivo propio.

Arte del Siglo XX. Ruhrberg.Scheneckenburger. Fricke. Honnef (Taschen)

Women Artistes du XXe et XXIe siécle. (Ed. Uta Grosenick)

Fotografría:

Archivo propio y la misma red.