Encuentros con el arte

EL ARTE FLORAL EN LA EDUCACION

2012-02-05T21:04:00.013+01:00

Continuando con la entrada anterior que tuvo un tono totalmente didáctico, en la de hoy voy a hablar sobre una actividad que además de dar opción a desarrollar nuestra creatividad va a proporcionarnos mucho más, nos va a llevar, si es que elaboramos el proceso completo, a estar en contacto con la naturaleza y a saber “mirar creativamente”.

COMPOSICION FLORAL

Bien es cierto que hoy en día se puede comprar flor prensada para decorar, pero si ejecutamos los pasos en su totalidad, nos veremos obligados a salir al campo en busca del material, es decir en busca de la flor, de llevar a cabo el proceso de prensado y finalmente, con ese material, a crear más de un objetos de los que hablaremos aquí. En una palabra, va a resultar mucho más gratificante y sobre todo, con la llegada del buen tiempo la actividad se convertirá en una lección de botánica y en un goce de la naturaleza que nos rodea. Todo ello nos abrirá los ojos a un mundo de creación.

NATURALEZA

Aunque es en la elaboración de cuadros el empleo más conocido de la flor prensada, hay muchas posibilidades en el campo de la decoración. Si dejamos paso a nuestra imaginación podemos decorar multitud de objetos de madera, cristal, cartón, las composiciones para cuadros, los propios marcos e incluso velas con un resultado que nos sorprenderá.

Ante todo hay que tener claro algunas pautas en el proceso de recolección del material.

Primero: nunca recoger la flor cuando ésta esté húmeda, bien por agua de lluvia o el simple rocío. Podría echar por tierra el proceso final. El mejor momento es la primera hora de la tarde y la estación, al final de primavera o principios de verano cuando la naturaleza luce sus mejores colores. Nunca recoger flores dañadas, cortadas o picadas. No nos van a servir para nada.

PENSAMIENTO

Segundo: elegir flor simple, es decir mejor de pétalos finos y con “botón” más bien plano, aunque también podemos deshojar la flor para luego, pétalo a pétalo, crear una composición. Para esto último nos van a venir muy bien las rosas.

Yo tengo preferencia por el pensamiento. Proporciona infinidad de posibilidades a la hora de la decoración, los hay de multitud de colores que se prestan a buenas combinaciones y apenas dan problemas a la hora del prensado. Pero si nos encontramos con unas margaritas que se nos hacen irresistibles os doy unas pautas para prensarlas un poco más adelante, cuando me refiero al proceso de prensar.

Tercero: respetaremos la naturaleza y no recogeremos todas las flores de una misma especie. Será suficiente con llevar unas cuantas de aquellas que hemos elegido y no cortarlas nunca de raíz. No nos va a servir para nada y debemos dejar que la planta siga creciendo.

La recolección la podemos hacer llevando una bolsa de plástico con esa finalidad, siempre que nos planteemos sacar las flores lo más rápidamente posible.

PREPARANDO ROSA PARA PRENSA EN LIBRO

En cuanto a la manera de prensar podemos hacerlo de la manera más simple. ¿Quién no ha secado pétalos dentro de un libro? Pero este método lo vamos a dejar para una urgencia. Por ejemplo para cuando nos encontremos en medio de un paseo campestre y no sepamos dónde guardar un ejemplar que no hemos podido resistir recoger en ese momento. Nada mejor, si llevamos a mano un libro o agenda, meterlo entre sus hojas.

PRENSA

Para prensar bien las flores, es mejor utilizar unas PRENSAS sencillas que nosotros mismos nos podemos fabricar. La manera más simple es que nos corten dos cuadrados de contrachapado que van a ser las “tapas” de nuestra prensa. En cada esquina colocaremos una “palomilla” que servirán de cierre y para apretar los papeles secantes que van a contener las flores. Estos papeles secantes se pueden encontrar en papelerías.

TRABAJO CON FLORES

Una vez con la recolección en casa, colocaremos las flores sobre los papeles secantes que habremos cortado del tamaño de la prensa. Se puede dejar un poco de tallo, pero en el caso de flores de gran tamaño, como por ejemplo la rosa, yo os aconsejo que separéis todos los pétalos y luego los utilicéis para composiciones. Es importante que sobre el secante guarden separación entre ellas. Colocaremos encima otro papel secante y otra capa de flores, otra de papel secante y así hasta terminar con la otra pieza de contrachapado que hace las veces de tapa. Apretamos bien las “palomillas” y las dejamos un tiempo que puede oscilar entre 10-15 días en función del tipo de flor.

DISPUESTA PARA LA PRENSA

En el caso que mencionaba anteriormente de flor más gruesa o de “botón” voluminoso, procederemos así: una vez cortado el tallo, apretar fuertemente el “botón” contra el secante, siempre con la flor hacia abajo, colocar el otro secante encima y pasar por encima la plancha templada, todo ello antes de cerrar bien la prensa. También se puede cortar con una cuchilla el “botón”, en el caso de alguna flor que por su tamaño lo requiera, y secar las dos mitades por separado.

CAMPO DE MARGARITAS

En ocasiones, yo abro la prensa y compruebo si el secante no está excesivamente húmedo. Si es así, lo cambio, cierro la prensa de nuevo y dejo que continúe el proceso de secado.

Para manipular las flores, sobre todo cuando ya se ha iniciado el proceso de secado, lo mejor es utilizar unas pinzas para evitar tocarlas con los dedos. Se vuelven sumamente delicadas y es fácil que se rasguen.

Una vez terminado el proceso, y en el caso de que no las utilicemos en su totalidad, lo mejor es “almacenarlas” en una gran caja de cartón. También se puede utilizar una gran carpeta y dentro de ella hacer separaciones con papel de seda

En cuanto a “retocarlas” o no, eso es un tema más de gustos que de otra cosa. Muchos prefieren resaltar los colores aplicando alguna pintura líquida ya preparada.

DIFERENTES COMPOSICIONES

Si se hace así, lo mejor es colocar la pintura en muy pequeña cantidad sobre el pincel. También se puede utilizar acuarela, pero no podemos olvidar que la flor seca NO ADMITE EL AGUA, por lo cual hay que añadir un poco de detergente al agua donde se moje el pincel o incluso añadir directamente unas gotas de detergente sobre el mismo pincel.

Otra posibilidad es rociarlas con alguna pintura en aerosol y posteriormente un poco de laca también en aerosol que va a “sujetar” el color o utilizar anilinas al agua. En ambos casos pulverizando sobre un papel secante.

COMPOSICIÓN CON COLOR NATURAL

Esto para aquellos que quieran mantener las flores con colores. A mi particularmente me encanta ver el color, o la falta de color, que adquieren con el tiempo. Esa palidez que van adquiriendo los colores me parece muy atractiva. Como he dicho es cuestión de gustos.

En cuanto a las composiciones, también se trata de gustos, evidentemente. Hay quien va a querer hacer unas composiciones complicadas y recargadas y quién se va a limitar a combinar un par de flores sobre un bello fondo. No olvidemos que a la hora de componer cuadros, carpetas de cartón, un álbum o similar, podemos jugar con los colores de fondo que pueden ser cartulinas pero también otros soportes como láminas de corcho o madera.

MARCO DE CARTÓN PARA FOTOS

En todos los casos, a la hora de decorar el cuadro o el objeto, tomaremos la flor ya seca con una pinza, le pondremos una gota de cola suave y la depositaremos sobre el soporte elegido.

Respecto a objetos a decorar además de elaboración de cuadros, carpetas o similares, os dejo un par de ideas.

Una buena idea es decorar CAJAS DE MADERA. Actuaremos como lo hemos hecho para los cuadros, pegando las flores sobre la caja, estuche o similar. Una vez que se haya secado la cola y veamos que no hay peligro de que se desprendan las flores, aplicamos una fina capa de barniz transparente que las va a proteger y además hará que resalte el color.

Otra idea es la de decorar VELAS.

Vamos a necesitar algunos materiales como los siguientes:

Parafina en perlas blanca traslucida, para no tapar las flores.

Velas terminadas de diversas formas y colores

Las flores y hojas secas prensadas

Una espátula de metal

Un cazo para baño María.

VELAS DECORADAS CON FLORES

Calentamos la espátula metálica. Ponemos las hojas o flores sobre la vela y aplicamos sobre ellas la espátula El calor hace que la cera se derrita lo suficiente como para fijar las flores a la vela

Fundimos la parafina al baño María y bañamos un instante la vela en la cera sujetándola por la mecha. Podemos sumergirla un par de veces hasta tener una fina capa de cera que protegerá las flores.

Tenemos que calcular suficiente parafina como para cubrir la vela entera al sumergirla. Lo ideal es utilizar latas de conservas estrechas y altas y así no usaremos grandes cantidades de parafina, ya que si le aplicamos demasiada cantidad, la cera al ser opaca, nos taparía las flores.

Lo más práctico es sujetar la vela por la mecha e introducirla en la lata.

Dejamos que se enfríe y ya tenemos nuestra vela.

Todo esto en cuanto a técnica y a unas ideas básicas. El resto CREATIVIDAD. Esa creatividad que todos llevamos dentro y que no nos damos cuenta de ello hasta que la trabajamos.

FUENTES CONSULTADAS:

“El arte de prensar flores”, Penny Black. Editorial Acanto.

“Como decorar con Flores Secas”, Malcolm Hillier. Editorial Raíces.

PARA FOTOGRAFÍA: Los mismos, la red, y archivo propio

ARTE: El barro, formación, creatividad y hasta terapia.

2012-01-22T14:49:00.016+01:00

Hoy en día se habla mucho de la aplicación del arte, o de las técnicas artísticas, como terapia. En realidad no es nada nuevo. Puede ser que sí lo sea como formación, pero desde todos los tiempos el arte, o las técnicas artísticas, han sido además de un medio de vida y parte de nuestra cultura, una buena herramienta en el trabajo de ayuda en más de un problema.

LA CULTURA DEL BARRO

El amplio abanico de disciplinas de que disponemos nos da muchas posibilidades de ayuda en más de un conflicto, tanto en terapias para trastornos simples, hasta casos más profundos.

No voy a hacer aquí más que una alusión campo amplio y sobre todo con muchas posibilidades en la medida en que lo trabajemos. No es mi especialidad, aunque sí diré que en mi corta experiencia impartiendo talleres aprendí algo que considero imprescindible. No sirve cualquier disciplina para cualquier persona. Me explico: considero que no deberíamos aplicar una disciplina sin dar opción al individuo a que elija aquella que más le convine. Por mucho que para nosotros una técnica sea la más adecuada para determinados problemas, tiene que ser el individuo el que la elija libremente. Es más, en ocasiones hay personas que no son conscientes del potencial creativo que tienen para una determinada técnica y la rechazan. No hay que forzar. Sería caer en un terrible error.

De igual manera opino que en el campo de la formación tenemos que actuar de la misma forma.Todo el mundo del arte y de la creatividad tiene que ser parte de una formación flexible. Forzar a un niño o a cualquiera a trabajar una técnica que rechaza no hará otra cosa que crear en él un bloqueo para la creatividad potencial que el sujeto tiene.

Me centraré en la formación con niños y sobre todo en la creación con barro puesto que es el tema que he trabajado durante años.

NIÑOS MODELANDO EN UN TALLER INFANTIL

Me diréis por qué el barro y no otro material. Primero, por el hecho de ser, como arriba menciono, el material con el que impartí durante años talleres para niños. Segundo porque creo que es uno de los materiales más primitivos y puros de cuantos se nos ofrecen para trabajar. También diré, que aunque mi trabajo personal fue fundamentalmente con torno eléctrico, en los talleres infantiles veo primordial el trabajo a mano. Enseñar las técnicas primitivas desde la base y hacerles entender la simplicidad y a la vez grandiosidad del trabajo con barro.

El hacer comprender a un niño que modela con elementos naturales las posibilidades que tiene a la hora de crear es un concepto muy interesante. Que sea consciente de la importancia de los elementos Tierra, agua, aire y fuego, en el caso de llevar a cabo todo el proceso, es importante y muy enriquecedor. Hacer que los niños entiendan que aunque existen cientos de materiales para modelar y hacer florecer su creatividad, lo puede hacer de la misma manera con algo tan sencillo como la tierra, es fomentar una unión del niño con la naturaleza, algo que debería ser primordial en este mundo de hoy en que la tecnología nos está apartando del trabajo manual y sobre todo está atrofiando de algún modo la creatividad.

PIEZA MODELADA EN UN TALLER INFANTIL

En el trabajo que llevé a cabo con niños tuve buena cuenta de hacerles comprender la riqueza de un material como la tierra que en combinación con los otros elementos es un todo para crear. Incluso a nivel de decoración podemos tomar como base los pigmentos naturales como así hacían los pueblos primitivos. Con una simple explicación y dejando rienda suelta a su imaginación solo necesitan una pequeña guía para que la creatividad se desborde.

Y una guía importante para mi fue una pequeña joya del siempre genial ceramista argentino Jorge Fernández Chiti. Su pequeño manual “Cerámica para niños”, en mi opinión nunca pasará de moda. Muchos de los apuntes que aquí encontraréis pertenecen a este pequeño libro, lo mismo que algunas ilustraciones.

NIÑA BOLIVIANA CON SU CUENCO RECIÉN MODELADO

Con los pequeños lo ideal sería que ellos mismos tuvieran ocasión de recoger el barro y depurarlo para su posterior modelado. Hoy en día no es factible, ni por espacio, ni tiempo, así que lo más práctico es que cuando nos encontramos delante de una barra de barro crudo que nos venden ya preparado para el modelado, expliquemos de dónde viene y sobre todo qué es. Ahí entran esas buenas enseñanzas de Chiti cuando escribe para los pequeños aquello de que “el barro es un mineral que al amasarse con agua se vuelve plástico”. Nadie lo expresaría mejor, sobre todo si lo hacemos delante de un buen trozo de barro que vamos modelando a la vez que hablamos. Ver que ese trozo de barro va tomando la forma que queremos se convierte para los pequeños en un juego, pero sobre todo se convierte en algo que les deja abierta la puerta a crear.

En la medida que veamos que hay algunos alumnos que se resisten a crear, está en nuestra mano “ayudarles” con algunas pequeñas ideas. Nada mejor que hacer dibujos de animales que les anime a realizarlos con sus manos. No podemos olvidar que hoy en día hay muchos niños que apenas han creado con las manos. En el mejor de los casos nos encontraremos aquellos que han utilizado materiales como plastilina. Por desgracia el barro en nuestras escuelas no es algo imprescindible.

MÁSCARA SIN ESMALTAR

En niños algo más mayores un trabajo que da rienda a su creatividad y que es sumamente gratificante es el de las máscaras. Todo alumno puede realizar su propio molde con escayola para luego trabajar sobre ella una máscara en barro.

Es uno de los trabajos que mejor permite, no solo al modelado, sino jugar con la decoración. Dejándolas en sus formas y decoraciones más primitivas hasta llenándolas de colorido.

MÁSCARAS ESMALTADAS

En la enseñanza de las diferentes técnicas no vamos a olvidar las planchas. Sobre ellas un mundo de creatividad se va a abrir a los niños. Sobre ellas van a incorporar sus historias. Además la posibilidad de crear murales colectivos ofrecerá la opción de que el trabajo sea menos individual y más de equipo. Si la edad de los niños lo permite una buena opción es la de crear un mural a base de azulejos. Un trabajo en conjunto que puede perdurar.

TRABAJO DE PLACAS EN EL TALLER INFANTIL

Tenemos más de una opción a la hora de cocer. La que llamaríamos más clásica, es decir cocer en un horno eléctrico cuya atmósfera limpia va a permitir que las piezas de barro salga preparadas para la decoración, o recurrir a un sistema primitivo que yo personalmente considero muy enriquecedor, la creación de un horno de aserrín.

La primera nos resulta imprescindible si queremos como resultados un mural como el mencionado, o piezas que queremos que además de su por su forma o modelado resalten por su decoración o colores. El horno eléctrico es el que nos proporcionará la atmósfera más limpia y es una herramienta práctica puesto que lo podemos colocar en cualquier lugar que tenga una fuente de ventilación.

PREPARANDO EL BIDÓN-HORNO

En el caso de que vayamos a crear un horno de aserrín, lo primordial va a ser tener un espacio idóneo. Es decir al aire libre. Nos será suficiente con un bidón que se haya desechado al que haremos varios agujeros que servirán de “tiro” para la cocción se mantenga durante horas. Comenzamos a “cargar” el horno de la siguiente manera: pondremos serrín e iremos “enterrando” las piezas que estarán totalmente secas, en su interior. Intercalaremos puñados de papel, serrín y las piezas y colocaremos una tapa. Vamos a prender esos papeles y con los “tiros” medianamente abiertos la combustión será lenta pero permanente durante prácticamente toda la noche.

LA APERTURA DEL BIDÓN-HORNO

Al día siguiente encontraremos las piezas cocidas, aunque eso sí, con grandes partes de su superficie ennegrecida como consecuencia de haber estado semienterradas en el material de combustión. No son piezas que podamos colorear pero nos habrán mostrado la forma más primitiva del proceso de cocción. Aquel del que se valían nuestros antepasados para endurecer el barro y hacer que este fuera factible de utilización doméstica.

Dos opciones tenemos pues una vez que las piezas se hayan cocido. O bien quedan tal cual en ese tono rojo que nos ofrece el barro de baja temperatura, o las decoramos o las vidriamos.

Para ello también tenemos diferentes opciones. Se puede utilizar un esmalte en frío para cerámica que nos evitará una nueva cocción y que para alumnos pequeños es una opción muy práctica, o bien seguimos hasta el final el proceso cerámico, es decir aplicamos un esmalte cerámico denominado vidriado por los ceramistas y que requiere otra cocción para que el esmalte funda. Esta es una buena opción para aquellos más interesados en profundizar en la cerámica hasta sus últimas consecuencias.

FIGURA NAZCA RICAMENTE DECORADA

En cualquiera de los casos de lo que se trata es que en la formación de nuestros alumnos el barro sea una parte esencial de la asignatura de Plástica. Hay muchas técnicas para fomentar la creatividad pero en mi opinión la del modelado de barro es primordial y posiblemente una de las más interesantes para comenzar. Con un material modelable y con una mente abierta la creatividad tiene el campo abierto.

MUÑECO DE CERÁMICA NAZCA

Pero no sólo es la creatividad lo que vamos a fomentar con estos talleres. Si digo que considero parte imprescindible de la formación al trabajo con el barro es porque también enseñamos historia. Es un campo abierto y sin fronteras en el que teniendo como medio un elemento natural, podemos mostrar a los pequeños cómo trabajaban con ellos los diferentes pueblos de la tierra.

PIEZA DE TERRACOTA (NIGERIA)

Es más que interesante el que ellos vean con sus ojos que el trabajo que se realizaba de una forma en un continente, se realizaba de forma similar en la otra punta de la tierra. O las diferentes evoluciones que ha seguido la técnica del barro en función del entorno y los medios. Todo un campo abierto para la pedagogía.

Os dejo como resumen a esta pequeña entrada didáctica unos párrafos que aparecen en el libro mencionado de Jorge Fernández Chiti. Es un texto con el que estoy completamente de acuerdo y que, incluso antes de conocerlo, lo había aplicado en mis talleres infantiles.

En su contraportada nos dice:

“La educación consiste en proporcionar al alumno los medios culturales que necesita o pide, pero sin compulsión. Educar no es domesticar”.

“Todo sistema educativo verdaderamente humanizador, que integre la personalidad y destierre la agresión debe basarse, sin más, en la enseñanza artística, relegando los aspectos del aprendizaje racionalista a un plano secundario. Así sucedió con las grandes culturas integradas del pasado: la china, griega, indígena americana, arte africano y primitivo. Ellos no tenían electricidad ni energía nuclear, pero eran felices”.

Fuentes consultadas:

Cerámica para niños. Jorge Fernández Chiti (Edit.Condorhuasi).

Cerámica popular española. Llorens Artigas, Corredor Matheos, Català Roca.(Ed.Blume)

Para la fotografía: los mismos y fotografías de talleres propios.

ANTONIO LÓPEZ. El Arte del buen hacer.

2012-01-05T11:33:00.019+01:00

No ha sido nunca este espacio un lugar de críticas de Arte a determinados artistas o a sus obras. Simplemente es un lugar en dónde hablamos sobre diferentes disciplinas, intercambiamos opiniones y disfrutamos con lo que cada uno dice sentir cuando se encuentra ante una obra de arte.

He traído hasta aquí muchos artistas que no eran conocidos en demasía, pero que precisamente por ese motivo, y viendo que eran de interés, tuve especial cuidado en dar a conocer.

LA GRAN VÍA

Sin embargo el que hoy nos visita no necesita presentación y por supuesto, si hasta ahora no he dedicado estos Encuentros a una crítica de Arte, menos podría atreverme a hacerla ahora. Se trata de Antonio López y sobre él todo está dicho, todo está escrito y además creo que poco podría decir yo de un artista que hace que hasta sus membrillos desprendan aromas.

MEMBRILLERO

Es el maestro y ante él, sólo me queda dejaros los cuadros que he tenido la fortuna de admirar en su retrospectiva.

Si alguien no ha tenido la oportunidad de visitar la exposición de su obra en Madrid, aún quedan unos pocos días para hacerlo en el Bellas Artes de Bilbao y si no llegáis a tiempo, seguir detrás de ella allá dónde vaya porque nadie que ame el arte puede perder esta cita.

No me considero competente para hablar sobre la obra de Antonio López, además como arriba menciono, todo se ha dicho y por personas especializadas y estudiosas de ella. Pero si puedo comentaros lo que me ha transmitido este recorrido por la exposición.

Dejé para las fechas finales mi visita al Museo de Bellas Artes de Bilbao con la esperanza de que la afluencia de visitantes fuera menor y pudiera disfrutar con más intimidad del recorrido, pero claro está que era una quimera. Hasta estos últimos días las colas siguen siendo la norma para acceder al museo.

TERRAZA DE LUCIO

No sé como se ha distribuido la obra del Maestro en otros lugares, pero en el Bellas Artes, esta distribución parece “acoger” al visitante e impulsarle hacia el recorrido de una manera fluida y cómoda que todavía hace más placentera la muestra. Ésta comienza por su obra primera, seguida de los retratos de familia, ventanas e interiores, dibujos y sus paisajes urbanos de gran formato. Finaliza el recorrido con los bellos y delicados cuadros de flores. Sus últimas creaciones.

La primera sorpresa fue la obra primera de López. Puede ser que por no ser tan conocida para mí como los cuadros de gran formato de paisaje urbano.

MUJERES MIRANDO LOS AVIONES

Entre estas primeras obras destaco “Mujeres mirando los Aviones”, un lienzo en el cual se encuentra desde rasgos metafísicos con gran influencia de De Chirico, un punto de surrealismo y hasta toques cubistas. La potencia de la figura femenina central, nos dirige hacia ella, pero no por ello nos oculta otros detalles como los pequeños aviones que la mujer mira como asustada.

CABEZA GRIEGA TRAJE AZUL

También entre estos primeros cuadros, encontramos “Cabeza griega con traje azul”. Un precioso estudio de luces y sombras que parece ser un homenaje a los clásicos. Un bello retrato de su esposa “Josefina Leyendo”, una prueba de lo que iba a suponer el retrato para el pintor.

JOSEFINA LEYENDO

Todas estas primeras obras ya nos muestran al artista en todo su esplendor, y sólo era el principio.

Entre los retratos, destaco el lienzo de sus padres.

LOS PADRES

Y en las escenas cotidianas “La Cena”, todo un estudio, nos presenta la mesa familiar que como explica su hija, estuvo tiempo y tiempo “preparada” para el trabajo. Contaba en su relato que a veces sentía ganas de romper el huevo que ya estaría vacío. Sin duda ese yogur se encontraba ya endurecido, pero en el cuadro del artista se nos presenta fresco y preparado para comer.

LA CENA

Entre los cuadros en los que aparece su lugar de origen, Tomelloso, se encuentra el de la Calle Santa Rita de la localidad. Según nos explican, poco después de realizarlo se casaría y partiría definitivamente a Madrid. Este lienzo de mediano formato, además de su perfecta composición, irradia luz y trasmite un sosiego que sin duda tendría Tomelloso en la época en que el artista habitaba allí.

CALLE SANTA RITA

No puedo decir qué temática de la obra de Antonio López es preferente para mí, pero tengo que reconocer que los paisajes urbanos de Madrid me atrapan y me fascinan.

ATOCHA

Impresiona contemplar lienzos pintados con la “luz”. Y es que su paleta parece no ser de colores sino de luces.

MADRID DESDE CAPITÁN HAYA

Y la luz de Madrid brilla esplendorosa en todos sus cuadros. Son cuadros urbanos que tienen alma.

MADRID-TORRES BLANCAS

Sus interiores cotidianos como las alacenas de la vivienda rayan la perfección, una perfección que según nos dicen los expertos Antonio López nunca buscó. En el que aquí aparece arriba a la izquierda el busto de la esposa que se alza por encima de todo aquello que representa la casa y la familia.

LA ALACENA

Otra temática, las ventanas, con esos interiores-exteriores en horas diferentes, presentando las luces de la tarde o la noche en todo su misterio.

VENTANA

Imposible no detenernos delante de ellas e introducirnos en nuestro propio interior.

VENTANA A LA TARDE

¿Qué tendrán las ventanas y esos espacios interiores-exteriores que tantos artistas vuelven a ellos una y otra vez? (Hopper, Dalí y tantos otros).

VENTANA DE NOCHE

Entre la obra escultórica, “Hombre y Mujer” detiene al visitante. Sobre todo la figura masculina que siendo totalmente atemporal irradia tal fuerza que casi empequeñece la figura femenina.

HOMBRE Y MUJER

En general, la impresión de la exposición es la de grandiosidad y totalidad. Algo así como decir: “aquí está todo lo que un gran artista puede hacer”. Y sin embargo nos deja un resquicio de luz que dice que no, que no está terminado. Porque al igual que muchos artistas, Antonio López vuelve y vuelve sobre la obra.

La serie de la nueva Gran Vía nos dice que hay mucha obra por delante al igual que la delicadeza y belleza de esas últimas flores.

Y somos afortunados, porque en el trabajo de este artista se plasma el buen hacer del oficio, la paciencia, la lentitud y el amor por el Arte. Todo eso es lo que a mí me han transmitido los cuadros contemplados, pero como anteriormente decía, no se trata de una crítica a la exposición, ni siquiera un resumen de la obra del artista, sino simplemente de una recomendación. Si amáis el Arte es obligatoria la visita. Estos “Encuentros” son muy limitados para semejante obra y la red también. Hay que visitarla, contemplarla y sumergirnos en ella.

Pocos serán los que no queden fascinados por esta retrospectiva. Incluso aquellos que dicen no tener inclinación por el realismo, no podrán dejar de caer rendidos a los pies del buen hacer de un artista que ama su oficio.

Fotografía:

La Red. Archivo propio. Catálogo de exposiciones.

ARTE espacio urbano, naturaleza ARTE y más...

2011-11-23T01:47:00.016+01:00

Como resultado de los últimos artículos, más de un visitante a estos Encuentros me ha escrito sobre el tema del Arte en la calle, del Arte en espacios cerrados e incluso de la privacidad o no privacidad del Arte. Esta entrada no tiene ningún fin concreto sino el de, si es posible, crear debate, recibir opiniones y crear un foro de discusión. Como sabéis los que os acercáis hasta estos Encuentros, en cualquier tema, y también en Arte, toda opinión es digna de ser escuchada y debatida, de toda opinión diferente a la propia nos podemos enriquecer, y además teniendo como núcleo principal el Arte, ya se sabe que “sobre gustos…..nada está escrito”.

MAMÁ de BOURGEOIS en el GUGGENHEIM de Bilbao

Y después de esta pequeña introducción voy a comenzar la Entrada reflexionando sobre el Arte en el espacio Urbano, para continuar llevando el Arte al encuentro de la Naturaleza y terminar haciendo una pequeña reflexión, sobre la privacidad o no privacidad del mismo y lo que ello supone para el propietario, el ciudadano y para el propio artista.

Cuando pienso en el Arte y el espacio urbano, viene a mi retina inmediatamente dos disciplinas, la Arquitectura y la Escultura. Sobre la primera poco o nada voy a escribir porque no me considero suficientemente preparada para crear aquí un debate sobre ella, como mucho, podré dar una modesta opinión.

Por proximidad, me detendré en la que casi se podría llamar una revolución del espacio industrial que tuvo lugar en mi país, concretamente en Bilbao.

EL Museo GUGGENHEIM de Bilbao y su entorno

Todos los que hemos conocido Bilbao antes de la intervención urbanística que nos ha traído el Guggenheim y todo lo que le rodea, recordamos un Bilbao gris, y no sólo por el clima. La ciudad no tenía gran atractivo, es cierto, pero no hay duda de que aquellos espacios industriales, muchos o casi la totalidad abandonados, eran en potencia espacios que podían hacer resurgir la ciudad y llevarla a primera página de publicaciones de arquitectura, urbanismo, arte y por supuesto a toda aquella publicación de turismo que oferta todo lo anterior ,más nuestros verdes paisajes y hasta el clima, que para muchos también tiene su atractivo.

Pero claro está que saber ver ese potencial y sobre todo hacer que el Arte se instale en ese espacio, necesita de muchas manos además de la inversión económica. Con dinero se pueden hacer muchas cosas, pero son las manos del artista las que saben crear con ese potencial económico.

No voy a detenerme en la intervención urbanística como he dicho. Os remito a un libro que, centrado en el tema de urbanismo y las mega-construcciones, es de fácil y amena lectura y que en su día recomendé aquí mismo (blog 24.08.11) Se trata de “Arquitectura milagrosa” de Llátzer Moix.

Escultura de VICENTE LARREA en el Euskalduna de Bilbao

Sin salir de ese entorno voy a continuar en un paisaje urbano aunque cambiando de disciplina. Me detengo en la escultura, un arte que en mi opinión es idóneo para que sea relacionado con el espacio urbano. El artista aquí, además de mostrar su creatividad en la propia disciplina, debe, o debería tener suficiente capacidad para saber integrar su obra en ese espacio. No es tan fácil como parece, porque no sólo se trata del trabajo del artista, está también la disposición de aquel que ha adquirido la obra, en general instituciones públicas, para llevar a buen término la ubicación e instalación de la creación del artista tal como el la ha concebido. Y en este tema me adelantaría al tercer punto que también quiero comentar en esta entrada. La privacidad o no privacidad de la obra y las responsabilidades del que adquiere la obra. Pero vayamos por partes.

En cuanto a lo que aporta la obra en un espacio público, mi opinión es firme en algo que considero fundamental. Una obra de Arte, una escultura, aporta riqueza y belleza al espacio. Creo que es Cultura. Porque instalar Arte en la calle es educar y cultivar a la ciudadanía. Más bien diría que es un lujo poder disponer de Arte urbano.

Por otro lado, considero que hay obras de determinados artistas que tienen su lugar idóneo es el espacio urbano. Me explico. Son obras que en general se han ejecutado con el fin de ser instaladas en la calle, pero también en ocasiones, se tratan de obras que no habiendo sido creadas con esa finalidad, al ser ubicadas en un espacio urbano, han ganado en calidad y han engrandecido y enriquecido el entorno.

FIGURA RECOSTADA de HENRY MOORE

En este tipo de Escultura o Instalación incluiría a los dos últimos artistas que presenté en este blog, el pasado 14.10.11 y 5.11.1. pero también os remito a otros artistas escultores que pasaron por estos Encuentros como Henry Moore. (15.11.09), Barbara. Hepworth (18.10.09) el vasco Jorge Oteiza (26.10.09) cuya obra, toda una demostración de investigación vanguardista y creativa, nos sorprende con piezas que van desde la más pura demostración pedagógica, pasando por esculturas ubicadas en interior, hasta las grandes esculturas que nos atraen y maravillan en rincones del País Vasco, por no decir sus vanguardistas esculturas de temática religiosa, tan controvertidas en su día, que nos reciben en el Santuario de Aranzazu.

APOSTOLES de JORGE OTEIZA

Otro escultor cuya obra aparece en lugares urbanos y que también se ha ubicado en la naturaleza es la Anthony Caro (este blog 31.10.10) Curiosamente, una de las instalaciones más impactantes de Caro se ubica en interior. Me refiero al “El Juicio Final”. El Bellas Artes de Bilbao acogió esta maravillosa instalación que impresiona y que no dudo en decir que tiene su lugar idóneo en el interior de un museo. Su juego de luces y sombras es imprescindible para apreciar la obra en su totalidad.

El Juicio Final de A.CARO en su instalación en Venecia

Y entre muchos artistas, cuya creatividad nos han regalado multitud de obras para el disfrute de todos los ciudadanos no puedo dejar de detenerme en una mujer que nos demuestra el abanico de posibilidades que tiene una instalación. Por lúdica, alegre, y fascinante dejo el ejemplo de la obra de Niki de Saint Phalle. (este blog 14.02.10). Si precisamente he dejado a Saint Phalle para el final es precisamente porque creo que su obra se puede ubicar con toda facilidad tanto en un espacio al cien por cien urbano como en medio de la naturaleza.

Asombra que su obra, aún hoy en día, después de tantos años de la desaparición de su autora, se vea totalmente actual, y asombra también que unas creaciones tan vanguardistas se integren en medio de la naturaleza de una manera que no sólo no arremete contra ella, sino que le da vistosidad y colorido. Yo diría que se complementan.

Un ejemplo vivo de la obra de Saint Phalle en entorno urbano es sin duda su instalación en el espacio exterior del Centro Pompidou en París. No podría existir mejor lugar para sus divertidas esculturas. En cuanto a una integración cercana a la naturaleza no se me ocurre mejor ejemplo que las nanas ubicadas en el exterior del Museo de Arte de Estocolmo. Me diréis que también se trata de un espacio urbano, pero no es del todo cierto.

Nanas de NIKE DE SAINT PHALLE en Estocolmo

El entorno del Museo de Arte de la capital sueca es una bella zona boscosa que en otoño, cuando tuve la suerte de visitarlo, estaba ya cubierto de tonos casi invernales. La naturaleza, por otra parte presencia constante en esta capital, predomina en este lugar. Y allí entre tonos oscuros que anunciaban el invierno se alzaban las nanas bellas y coloristas de esta mujer que como apunto más arriba creó una obra atemporal. Hoy día es vanguardia.

Deteniéndome un poco más en el tema Arte-Naturaleza quisiera también dejar mi opinión. Hoy en día hay bastantes posturas encontradas sobre la intervención del artista en la naturaleza. Yo soy totalmente partidaria de que el Arte se integre, se incorpore y se acople a ella. Un artista habrá conseguido una obra perfecta en la medida en que ésta se convierta, de un modo u otro, en parte de la naturaleza sin que ésta se vea agredida. Veo totalmente innecesario “retocar”, “pintar”, “insertar” cualquier obra en nuestro entorno natural.

Árboles pintados en el bosque de Oma de AGUSTÍN IBARROLA

En mi opinión la integración debe hacerse a modo de incorporación. Algo muy difícil, pero que considero que debe de estar presente siempre que queramos que Arte y Naturaleza estén en armonía. Ensamblar sin atacar, incorporar sin agredir. Difícil sin duda, igual menos espectacular, pero también más respetuoso.

Y finalmente unas líneas para tratar un tema también bastante controvertido. El de la privacidad o no del Arte y sobre todo la responsabilidad que adquiere el comprador, sobre todo si se trata de una Entidad Pública ,respecto a la obra que adquiere.

Lo primero tenemos que distinguir si se tratan de adquisiciones privadas o llevadas a cabo por entidades públicas.

Obra de BARBARA HERPWORTH en el museo de la artista

No hay duda de que si la adquisición es privada todo queda entre comprador y vendedor. Los problemas pueden estar, y hemos tenido ocasión de comprobarlo, cuando la compra de la obra está a cargo de una entidad pública, digamos ayuntamiento, gobierno autonómico, estatal o similar.

En esos casos deberíamos de saber a quien corresponde la responsabilidad de cuidar de la obra. Hemos tenido muchos casos recientes que llegaron a juicio porque el artista demandaba el buen uso de su obra de arte. Es de justicia, en mi opinión, que aunque una obra haya sido vendida y el artista haya recibido el importe que le corresponde, que su obra, aquello que salió de sus manos sea respetada. Debería de existir un código que protegiese las obras de arte. Y no sólo eso. Si el artista crea una obra para una determinada ubicación debería también ser respetada. No podemos convertir el arte en algo tan mercantil como para que en el momento que se haya solventado la venta esa obra no sea respetada, porque no se respeta tampoco al individuo que la ha creado. Esa es mi opinión. Y hoy es el día que cuando paseo por las calles y veo una escultura atacada, mal cuidada o abandonada, creo que están atacando nuestro patrimonio y nuestra cultura. Es necesario educar en el respeto.

Escultura agredida de AGUSTÍN IBARROLA

El día 28.10.11 en el diario El País Isabel Landa dedicaba a este tema un artículo del que os dejo el párrafo de introducción:

“Las esculturas son una de las creaciones artísticas más vulnerables en las plazas, paseos, parajes naturales y exposiciones al aire libre de pueblos y ciudades. El paso del tiempo no solo deja huella en el hierro, la madera o el mármol, la mano del hombre también provoca desperfectos, la mayoría de la veces intencionadamente”

En cuanto a la privacidad de los grandes museos o lugares en dónde se ubican las obras de determinados artistas, supongo que a estas alturas no hay mucha duda. Si son propiedad del Estado o de una determinada Comunidad, estos tienen la obligación de mantenerlas y además de mostrarlas como bien cultural de forma gratuita a sus ciudadanos. Si se tratan de colecciones privadas, serán sus dueños los que las mantengan o en su defecto Fundaciones creadas a tal fin por mecenas del Arte.

Escultura de Eduardo Txillida en el museo TXILLIDA LEKU

Son muchos temas a tratar, pero estaría encantada de que se abriera más de un debate a partir de esta entrada.

Fuentes utilizadas: archivo propio. Diario El País de fecha de referencia.

Para la fotografía: Archivo propio y la red.

RICHARD SERRA Y BRANCUSI, ENCUENTRO EN BILBAO

2011-11-05T19:59:00.021+01:00

No va a ser el tema de esta Entrada esta maravillosa exposición que nos ofrece el Museo Guggenheim de Bilbao. El tema de hoy se centra en la figura del escultor Richard Serra. Si el título de la entrada hace mención a ambos escultores es precisamente porque ambas obras se han encontrado en este Museo y ello me ha dado opción a recordar la Entrada que en su día (este blog 7 noviembre de 2009) dediqué al escultor rumano.

Escultura de Richard Serra

Pero en la Entrada de hoy, me voy a centrar en la más cercana en el tiempo de Richard Serra.

Al hablar de Brancusi hacía mención a cómo el escultor fue derivando desde una obra influenciada por Rodin, hasta lograr su propio estilo que finalizaría en una escultura abstracta marcadamente ovoide y que es su factura inconfundible.

Con Richard Serra viajamos en el tiempo hasta avanzar a mediados del siglo y vamos a ver también su evolución.

Obra en interior de formato más pequeño

Ambos escultores son dos grandes de nuestro siglo. Podríamos decir que cada uno de ellos son dos maestros de referencia en el al arte de la escultura, separados por los años y que han venido a encontrarse en esta exposición que ya ha visitado otros museos europeos.

Ambas obras, tanto la de Brancusi como la de Serra se pueden admirar en la naturaleza, pero en mi opinión, yo percibo una clara diferencia. Si la obra de Brancusi se admira desde “fuera”, la de Serra nos incita a penetrar en ella. En la entrada dedicada a la obra de Jorge Oteiza, (este blog 12.10.2009) hice una afirmación similar cuando hablaba de la obra del escultor vasco. Y es que, y siempre en mi opinión, esa obra carente de peana, ubicada en espacios abiertos, se nos hace cercana, y nos “invita” a verla desde dentro.

"MOSTRANDO EL CAMINO"

Es una manera de aproximar la escultura al público que pienso que es muy importante para que el arte llegue a todos. Pasear por una ciudad en la que sus artistas han depositado su obra y ésta queda a “pie de calle” es un lujo que debería de estar al alcance de todos. Es una forma de educar.

Pero volvamos a Richard Serra, un escultor ya conocido para nosotros puesto que el Museo Guggemheim, además de haberle dedicado exposición, tiene obra propia permanente.

Serra nació en EEUU en 1938 y estudió en varias universidades americanas entre ellas Yale, pero es un artista muy vinculado a España en dónde ha realizado mucha de su obra.

De padre mallorquín y madre rusa, Serra estudio primero literatura, pero cuando vivía en la costa oeste americana trabajaba en una acería, algo que sin duda influiría en su obra artística.

Obra en caucho

En un principio en su obra nos encontramos con una serie de instalaciones o montajes a base de neón y caucho, pero posiblemente la obra más conocida es aquella realizada con materiales industriales como el acero y hormigón. Unos materiales de los que se vale para realizar una escultura de corte sencillo y a la vez espectacular. Las esculturas de Serra llevan un cierto tono de óxido al principio de su ubicación, pero llega un momento que este color se mantiene estable.

Instalación en el Guggenheim vista desde arriba

En nuestro país, y refiriéndome al Guggenheim de Bilbao, encontramos, entre otras, una gigantesca escultura denominada Snake (serpiente). Se trata de tres hojas de acero con trayectorias curvas y que fue instalada en el museo de forma permanente.

También de forma permanente se encuentran en la sala más grande del museo otras siete esculturas. El propio escultor dijo de toda esta serie que era la creación más grande de su carrera.

El artista instalando la obra en el Guggenheim

Aunque la relación entre el artista y España es muy estrecha y grata, no siempre ha sido así. El Centro de Arte Reina Sofía en 2006 anunció la “pérdida” de una de sus esculturas. Se trataba de una pieza de 36 toneladas. El artista duplicó gratuitamente la pieza que desde 2009 forma parte de la colección permanente de dicho museo.

Obra en el Reina Sofía

Podríamos decir sin miedo a equivocarnos que la fama del artista ha ido creciendo a la par que el tamaño de sus obras que pronto tuvieron que salir al exterior por sus dimensiones.

En Berlín 1986

Son muchos los lugares del mundo en dónde la obra de Serra puede ser admirada. En el año 2000 instalaba en San Francisco el “Charlie Brown”, una escultura de 60 pies de altura. En 2005 y de nuevo en San Francisco, instalaba dos láminas de acero en un espacio abierto de la Universidad de California.

CHARLIE BROWN

Una de sus obras más famosas, un enorme arco de una altura de 4 metros y 36 metros de largo que en 1981 se le encargó para la Federal Plaza de Nueva York, dio más de un problema al artista. Con esa altura y esa longitud, su grosor era mínimo, de centímetros, lo que hacía que los que tenían que atravesar el lugar se encontrasen con una pared de metal que dificultaba la marcha y se pidió un cambio de ubicación. Pero Serra concibe su trabajo en función del lugar al que va destinado y se negó a ello. A pesar de que la opinión ciudadana votó por su retirada Serra exigió que se destruyese. El artista dijo que se debía de dejar en ese lugar o en ninguno. Finalmente fue convertida en chatarra en 1989 y el mundo de la cultura se estremeció abriéndose un gran debate sobre quién debe decidir dónde situar las obras de arte, sobre quién debe de recaer la decisión, si sobre los políticos, sobre la ciudadanía o sobre el artista. Richard Serra encendió aún más la polémica al añadir que el arte no es democrático y que no es para el pueblo.

RICHARD SERRA en SAN FRANCISCO

No obstante su obra, por mucho que el artista opine de esa manera, es una obra cercana al espectador que además invita a éste a introducirse en ella, a tocarla y a disfrutarla. La prueba es que las ciudades desean tener las obras de Serra en sus calles.

ESTACION DE METRO. LONDRES

Nosotros, por suerte, la tenemos muy cerca y además estos días junto a la de otro artista imprescindible en la escultura. Brancusi y Serra nos esperan en un espacio idóneo para admirar a dos grandes de nuestro siglo.

El artista y su obra

Richard Serra obtuvo el Principie de Asturias en 2010.

Fuentes consultadas:

La Sculture 1 et 2 . Varios autores (Ed.Taschen)

Arte del siglo XX. Varios autores (Ed. Taschen)

La red en Wikipedia.

Para la fotografía: las mismas

ANISH KAPOOR. Hablemos de instalaciones.

2011-10-14T22:54:00.018+02:00

Los que visitan estos Encuentros saben que no me he prodigado demasiado en un tema tan actual como es el de las instalaciones. Entre las excepciones, casi todas ellas de escultores que dedicaron parte de su vida profesional a la instalación, voy a referirme a dos artistas. Una, la francesa Niki de Saint Phalle (este blog el 14.2.10). Saint Phalle, aunque no se dedicó al cien por cien a las instalaciones, sí tiene muchas de sus “nanas” formando parte de más de una instalación en el paisaje urbano, y la otra, la artista Louise Bourgeois que nos visitó el 6.6.2010. Precisamente el artista que hoy os presento, al igual que Bourgeois, tiene obra en el bilbaino Museo Guggenheim. Se trata de Anish Kapoor, un artista que ha visto su obra rápidamente catapultada a la fama.

Si Bourgeois nos dejaba uno de sus magníficos arácnidos en la puerta del Guggenheim, Kapoor nos dejó “El gran Árbol y el ojo”.

Al igual que su obra es multidisciplinar en cuanto a materiales y formas, podríamos decir que Kapoor es una persona multicultural y no solamente por su apertura de miras y su talante de ciudadano del mundo, sino por reunir en su propia persona un bagaje de diversas culturas.

Nacido en Bombay en 1954, vivió sus primeros años en India. Su padre era hindú, su madre judía-irakí y su abuelo rabino en una sinagoga. Toda la familia se trasladó a Mónaco y Anish posteriormente marcharía a Londres para estudiar Arte y dedicarse a la escultura. Realizó sus estudios en el “Hornsey Collage of Art” y en el Chelsea School of Art & Design”.

Así que no es de extrañar su deseo de que no se le encasille en una determinada nacionalidad.

Si hablamos de su obra, no sería justo clasificarla como simple escultura, como minimalista, o en cualquier clasificación que la encaje en un determinado estilo. Su obra es tan multidisciplinar, como multicultural es el artista.

White-Sand-Red Millet many flowers 1982

Sus primeras obras nos traen con sus pigmentos de colores el recuerdo de su lugar de nacimiento, aquel en dónde pasó los primeros años de vida. También se corresponden a estas obras primerizas una mayor simplicidad de formas.

1971

A partir de los años 90 comenzó a experimentar con más materiales. Investiga las resinas, los metales y también cambia los volúmenes que van adquiriendo enormes proporciones. No obstante no perdería ni la sencillez de la forma, ni su espíritu multicultural.

Memory 2008

En ese año de 1990, en la Bienal de Venecia recibiría el premio Duemila y en el 91 el Premio Turner, pero podríamos decir que desde los años 80 la carrera de Kapoor ha sido la de un meteoro y con trayectoria internacional.

Obra expuesta en la Real Academia de las Artes de Londres

En breve tiempo su obra se ha exhibido por todo el mundo y aclamada allí en donde está expuesta. Receptores de su obra han sido, entre otros muchos lugares, la Tate Galley y la Hayward de Londres, el Kunsthalle de Basilia, el Deutshe Guggenheim de Berlín. También su obra ha llegado a Japón y a EEUU.

Arquitectura textil

Sus instalaciones espectaculares están diseminadas por el mundo y allí en dónde se colocan no dejan a nadie indiferente. Son muchos los lugares que se disputan tener una obra del artista.

Sky Mirror

Posiblemente algo que atrae poderosamente la atención de aquel que se encuentra ante una instalación de Kapoor es esa conjunción de grandiosidad y sencillez.

Images

Y es que es difícil que deje indiferente una obra de tales dimensiones lograda a base de unas líneas sencillas, simplemente de una gran curva y un intenso color. Toda su obra invita a la reflexión y como tantas veces he repetido en este mismo blog, delante de obras de estas características, se entiende que “menos es más”.

Curve (acero inoxidable)

Llama la atención que, precisamente él que no quería ser considerado de un lugar determinado, que buscaba ser un ciudadano del mundo y mostrar al mundo su propia mezcla multicultural, haya conseguido ser único e inconfundible. Sus obras no dan lugar a dudas, ahí en dónde se encuentra asentada una instalación de Kapoor, a nadie le llevará a equívoco la mano de su creador.

Entre nosotros tampoco podía faltar su presencia y además de El Reina Sofia de Madrid, el Guggenheim de Bilbao fue receptor de su obra y posteriormente de una instalación.

El gran árbol y el ojo

En verano de 2011 el museo adquirió “El gran árbol y el ojo”. Este octubre se ha comenzado la reinstalación en el emplazamiento elegido después de haber sido sometida a un tratamiento para que soportara la ubicación en el exterior.

La obra adquirida había sido instalada en ese mismo lugar hace un año cuando el Museo realizó la retrospectiva del artista. Consta de 80 bolas de acero inoxidable y el equipo del artista decidió desmontar la obra para aplicar un tratamiento al mástil que sujeta las esferas para que pueda soportar las inclemencias de nuestro clima, justo al lado de la ría bilbaína. El tratamiento aplicado ha resultado satisfactorio y se espera que quede totalmente instalada a final del mes en el que escribo.

Esta obra tuvo un coste de 3.500.000 euros.

Esferas Leviatán. Gran Palais Paris

Creo que quedaran pocos lugares en el mundo en el que las creaciones de Anish Kapoor no brillen con su sencillez y pureza atrayendo hacia ellas miradas universales. Creadores como Anish Kapoor hacen más bello el mundo que nos rodea.

Fuentes consultadas:

La Sculpture, de la Renaissance au XX Siècle. ( Ed.Taschen)

Arte del Siglo XX. (Edit.Taschen)

Historia del Arte E.H.Gombrich (Ed.Debate)

En la red Wikipedia

Para la fotografía:

Las mismas, archivo propio y la red.

GIORGIO MORANDI. La fuerza del objeto inanimado

2011-09-28T22:31:00.031+02:00

BODEGÓN

Aunque el pintor y grabador italiano Giorgio Morandi centró su trabajo tanto en el paisaje como en la naturaleza muerta, no hay duda de que son sus bodegones lo que evocamos cuando hablamos de este artista.

BODEGÓN

Nacido en Bolonia en 1890, en el seno de una familia numerosa, comenzó a trabajar muy joven en la misma empresa en que trabajaba su padre, pero fue breve esta etapa ya que sus dotes artísticas le llevaron a la Academia de Bellas Artes de su ciudad en dónde estudió durante seis años. En un principio alumno sumiso, pronto manifestaría su necesidad de definir su estilo.

BODEGÓN

En la época de estudiante en la academia viaja a Florencia y encuentra a Giotto, Masaccio, Uccello…, descubre la obra de los renacentistas italianos y las fuentes del arte que se dedica a estudiar.

STILL LIFE 1918

Al principio de su carrera pictórica, Morandi siguió a los futuristas, sobre todo después de tomar contacto con Boccioni y Carrá. Más tarde su obra se vio claramente influenciada por De Chirico(este blog 18.7.2010). Fue posteriormente cuando, ya definiendo su estilo, se fue distanciando de este último a la vez que los objetos inanimados de la vida cotidiana comenzaban a ser parte importante de su obra.

BODEGÓN

En esta elección de utensilios cotidianos, colocados sobre una mesa y que convertía en centro de sus cuadros, Morandi seguía al que fue para él uno de los maestros más admirados, Cézanne, y como él convertía sus composiciones en algo sencillo y a la vez sumamente original.

THE BLUE VASE 1920

Bien es cierto que pocos artistas han sabido sustraerse a la tentación de pintar un bodegón. Desde la antigüedad hemos podido apreciar bodegones en los frescos de Pompeya, en el siglo XVII español, entre las obras de los grandes artistas más próximos como Van Gogh, y qué no decir de los famosos bodegones del que fue para Morandi su admirado maestro, Cézanne!

BODEGÓN

Todos ellos y muchos más cayeron rendidos ante el desafío de pintar una naturaleza muerta. Creo que si afirmo aquí que Morandi fue uno de los que logró imprimir a sus bodegones una personalidad inconfundible, no me equivoco en absoluto. Se podría decir que a más sencillez, más fuerza.

BODEGÓN1962

No obstante no podemos dejar de lado su obra de paisajes, por cierto, claramente influenciada también por Cézanne. En ellos encontramos, como no podía ser de otro modo, la misma sencillez que en sus bodegones. Sencillez y fuerza.

PAISAJE 1941

Transmiten una paz que atrae y que nos hace soñar con esos lugares algo solitarios. Esos trazos sencillos parecen querer que comulguemos con la naturaleza.

PAISAJE 1944

A mi particularmente me embarga la misma placidez delante de uno de sus paisajes que al admirar una serie de botellas, cuencos y recipientes delicadamente colocados hasta lograr una composición perfecta. Ese es el valor y la fuerza que encuentro en la pintura de Morandi.

PAISAJE 1913

Morandi, hombre sencillo, a pesar de haber tenido contacto con diversas tendencias artísticas, siempre se mantuvo a distancia llevando una vida tranquila.

VIA FONDAZZA 1954

Pero a pesar de ser un hombre tranquilo y poco amigo de controversias, su obra no estuvo alejada de éstas. En una ocasión, cuando la obra de Morandi fue relegada a un segundo premio a favor de un artista más joven, un sector se posicionó claramente a favor de Morandi, mientras que otros muchos criticaron los temas, según ellos, monocordes de su obra.

BODEGÓN 1960

Durante varios años Morandi fue profesor de grabado en la Academia de Bellas Artes de Bolonia.

GRABADO

Durante la época de la Segunda Guerra Mundial y tras ser detenido por vinculación con la resistencia, se refugia en una aldea de los Apeninos y prácticamente deja de pintar.

BODEGÓN 1932 (Roma)

Pero después de la guerra vuelve con intensidad al trabajo y en 1948 la Bienal de Venecia le premiaría con el primer premio y al año siguiente sería la Bienal de Sao Paulo la que le otorgaría el galardón.

BODEGÓN 1946 (Bostón)

Morandi falleció en Bolonia en 1964. Tenía 73 años y si consideramos que la mayoría de los grandes artistas han girado alrededor de un movimiento o tendencia, se podría decir que era un solitario o un marginado. Apenas salio de su tierra natal, pero su obra, como la de tantos artistas universales, se encuentra repartida por todo el mundo y el está considerado uno de los mejores pintores del siglo XX.

BODEGÓN 1938 (MOMA .N.York)

Cuando evocamos su obra, no podemos evitar pensar en las naturalezas muertas más atrayentes y yo diría que inquietantes, que se han visto en la Historia del Arte. Sin duda fue el artista que mejor supo dar vida a los objetos inanimados.

BODEGÓN

En 2001 en una sección del Palazzo d’Accursio, sede del gobierno de Bolonia, se abriría el Museo Morandi.

AUTORRETRATO 1925

Fuentes consultadas:

Arte del siglo XX. varios autores Edit.Taschen.

Historia del Arte. E.H.Gombrich. Edit. Debate

Pintores influyentes . David Gariff . Edit. Electa

La red en Wikipedia.

Para Fotografía : las mismas.

XUL SOLAR. Artista creativo y excepcional.

2011-09-13T18:41:00.012+02:00

Los que visitan estos “Encuentros con el Arte” saben de mi inclinación hacia todos los artistas del otro lado del Atlántico, de mi defensa de ellos y sobre todo del mucho interés que albergo para, cada vez con mayor intensidad, investigar sobre movimientos, tanto pasados como actuales, que se dan en países del nuevo mundo. Por desgracia no siempre he logrado resultados satisfactorios, pero en la medida que he podido, he dejado constancia aquí de los grandes artistas que en ocasiones no han sido los suficientemente valorados entre nosotros. (Entre otras: entradas del 31.7.09 al 12.10.09 y las mujeres artistas 1, 11 y 21 del 4 de 2010 y 19.6 del mismo año).

Pues bien, antes de entrar en un “curso” nuevo os dejo un pintor que posiblemente sea menos conocido aún que los anteriores y que considero de gran interés, no sólo por su obra, sino por toda la trayectoria que siguió en su vida personal en relación con la creatividad.

Me refiero a Alejandro Schultz Solari, más conocido como Xul Solar, nacido en San Fernando, provincia de Buenos Aires en 1887.

Comenzó la carrera de arquitectura y curso dos años de ésta. Se iniciaría en el arte, sin profesores ni directrices y en 1911 partió para Europa, como muchos otros, para formarse. Allí tomaría contacto con todas las vanguardias del momento y de ellas se nutrió. Absorbió el cubismo, fauvismo, futurismo, expresionismo surrealismo, pero sobre todo, cuando nos encontramos ante su obra vemos la influencia de dos grandes artistas europeos.

En sus dibujos vemos la aproximación a George Grosz (este blog 10.10.2010) y sobre todo, vemos en su obra la influencia del gran artista y teórico del Arte: Paul Klee (este blog 30.05.10). Xul Solar con este equipaje se hizo con una factura inconfundible.

En sus dibujos, al igual que Grosz, introducía signos gráficos y letras junto a las figuras o en referencia a ellas. En cuanto a la similitud o influencia de Paul Klee hay que mencionar que del mismo modo que aquel que empleaba símbolos, Solar desarrolló con letras y signos una lengua pictográfica que el denominó “criollismo” y que se basaba en el español y el portugués.

De Xul Solar no se puede hablar como si de un pintor solamente se tratara. Todo en él era creatividad e inquietud por saber y con ese incentivo se movió en multitud de círculos culturales y recibió influencias intelectuales muy importantes. Uno de sus grandes amigos fue José Luis Borgues. Solar también tenía interés por diferentes filosofías y religiones. El sufismo y la cábala estuvieron presentes en sus estudios.

Tendríamos que pensar que una persona con todas estas inquietudes presentaría en su obra una gran influencia de las culturas precolombinas, pero al parecer, estas aparecen solamente en alguno de sus cuadros, algo por otro lado lógico puesto que Argentina no tiene restos de grandes civilizaciones indias.

Fue calificado de excéntrico, pero Solar era una persona creativa y culta y según cuentan de gran sencillez. Dominaba diez idiomas y su gran amigo José Luís Borges decía que era un hombre versado en todas las disciplinas.

Xul Solar pertenece a las vanguardias de los años 20. Entre los artistas que pertenecen a esa vanguardia encontramos a Emilio Pettoruti (La Plata 1892-Buenos Aires 1971) gran amigo de Solar.

Hacia 1924 Xul Solar se instaló en Buenos Aires y dedicó su arte, rico en espiritualidad y en fantasía, a elaborar acuarelas de pequeño formato. En ellas se puede admirar una rica mezcla de esoterismo, tradición, arte precolombino e incluso oriental.

TEMPERA

Su idea de unir todos los pueblos del Continente a través del entendimiento puede ser la base de ese “idioma” que el creó, ese criollismo con el que quería lograr una vinculación entre imagen y palabras. Eso fue también lo que le llevó a integrar la palabra en la pintura. La mayoría de la obra de Xul Solar, por no decir la totalidad, es acuarela, con excepción de alguna tempera y algunos dibujos.

TEMPERA

No hay duda de que todos aquellos movimientos que absorbió en Europa dejaron su fruto, pero sin lugar a dudas el creó su estilo propio. Una pintura de contenido metafísico y mensaje esotérico, con cierto misticismo y plagada de signos como torres, escaleras, máscaras cúpulas, etc.

Su obra se encuentra en su Fundación y en numerosos museos como el Nacional de Bellas Artes y el Museo de Arte Latinoamericano, ambos en Buenos Aires.

En el Malba se pudo asistir a una exposición de toda su obra. Las enigmáticas torres, al igual que sus otros muchos símbolos, fueron tema central de la exposición.

Fue tratado de visionario y es que su obra parecía estar muy por encima del mundo real. Fue autor de un arte único sin precedentes y sin continuidad entre el arte americano.

Xul Solar, el artista polifacético que paseó por Buenos Aires y paseó a Buenos Aires, como hiciera su gran amigo y compañero de muchos paseos, el escritor José Luís Borges falleció en 1963 en la tierra argentina que le vio nacer.

Fue tan enorme la creatividad de Xul Solar que sólo puedo dejar aquí un pequeño testimonio de su trabajo y una dirección en la que se puede apreciar la obra de un artista que, como muchos otros de ese Continente, en Europa no tuvo el reconocimiento, ni en vida, ni aún después de su muerte, que merecía. http://www.xulsolar.org.ar/index.html

Fuentes consultadas:

Arte Latinoamericano del siglo XX. Edward Lucie-Smith. (Ed.Destino)

Guía del Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires (Argentina)

Arte Latinoamericano. Sullivan (Ed.Nerea)

Para la fotografía. Las mismas y la red.

LITERATURA DE ARTE A RITMO VERANIEGO

2011-08-24T14:47:00.013+02:00

A punto de terminar el estío, aún tenemos tiempo de disfrutar de lecturas en estas vacaciones. Y como no podría ser de otra manera en estos Encuentros os propongo literatura sobre Arte o artistas. En más de una ocasión he mencionado en estos Encuentros, literatura relacionada con el Arte, en general, sobre diferentes disciplinas, o sobre distintas manera entender el arte o analizarlo.

Puesto que estamos en época vacacional, he pensado que sería más adecuado en la Entrada de hoy recomendar algunos libros que posiblemente ya habrán sido mencionados en alguna ocasión y que son de lectura más fácil. Literatura que se acerca al Arte de una manera novelada o ensayos livianos.

El primero de ellos se va adecuar a este tiempo de lecturas amenas y nos van a transportar al mundo misterioso y a la interesante vida de una gran artista. Se trata de “La cazadora de Astros” de la novelista Zoé Valdés. Nos trae esta escritora a la gran surrealista Remedios Varo (este blog 14.3.10 ) y lo hacer de una forma muy original y peculiar. Sobre la obra me voy a limitar a hacer un pequeño resumen de lo que la propia autora nos escribe en la solapa del libro.

LA CAZADORA DE ASTROS

Dice Valdés que siendo Varo una de las grandes pintoras surrealistas del pasado siglo, su obra no resulta muy conocida. La autora supo de la vida y obra de Varo a través de unos amigos y cuando estudió su pintura le fascinó el misterio que rodeaba a la artista. Leyó todo lo publicado sobre ella y se dio cuenta que había mucho en común entre ella misma y la artista, en la forma de concebir la existencia y el arte.

A mi me llamó mucho la atención una frase de Zoé Valdés, con la que yo me identifico plenamente, que dice así: “La vida no merece la pena ser vivida sin arte”. Creo que es una frase muy adecuada para dejarla en la entrada de un Blog como éste. ¿No estáis de acuerdo?

Es un libro muy apropiado para el tiempo que nos ocupa. Se une en él, el buen hacer de la escritora y la obra de una gran pintora que en su día pudimos admirar aquí mismo. Editado en Planeta.

El segundo libro que recomiendo encarecidamente y que ya lo hice en su día, es “Leonora Carrington o la Rebeldía” de la gran escritora mexicana Elena Poniatowska. Os remito a la entrada del Blog, fecha 23.3.10, en la que al finalizar hice un pequeño apunte con motivo de la muerte de Carrington y el artículo que sobre ella nos dejó Poniatowska. Sobre la obra no hace falta decir que si se ha leído a esta gran escritora, no os va a defraudar. Es Poniatowska pura y no podía ser de otra manera siendo la protagonista la gran surrealista Leonora Carrigton.

FOTO DE LA ESCRITORA Y LA ARTISTA

La tercera lectura nos encaja perfectamente para sumergirnos en la aventura, en el arte y en el buen hacer de un escritor. No podría ser de otro modo puesto que se trata de un Premio Nóbel. Me estoy refiriendo a Vargas Llosa y su libro “El paraíso en la otra esquina”.

Es la fascinante historia del pintor Paul Gauguin y su abuela materna Flora Tristán. El “loco” y maravilloso pintor que nos encandiló con sus colores y la revolucionaria y poco convencional Flora, defensora de obreros y oprimidos, marchan en una narración paralela de la mano del escritor que logra que una vez comenzado el libro no podamos dejarlo hasta leer la palabra fin. Edita Alfaguara.

El autor delante de una obra de Gauguin. (Foto tomada de EL PAIS)

El tercer libro es un pequeño librito del poeta y ensayista canadiense Mark Strand y se titula “Hopper”. Está editado en Lumen y es un breve ensayo sobre las principales obras del artista. En las diversas entradas sobre Hopper de este Blog (fechas 1.8.10-8.8.10 y 20.8.10 ) menciono más de una crítica de Strand del que me serví para realizar las Entradas.

MARK STRAND

Es un ensayo de fácil lectura y del que los que aman la pintura de Hopper van a disfrutar tanto como yo lo hice en su día. Encontramos en él la interpretación de una treintena de cuadros desde la perspectiva del poeta, bastante diferente a lo que nos tienen acostumbrados los críticos. Está editado en Lumen. Más que recomendable.

Y en un cambio de disciplina artística, que no literaria, puesto que de un ensayo se trata, os recomiendo un libro que nos habla de Arquitectura. Un libro escrito ágilmente y que llega perfectamente a todos los públicos, incluso al profano en el tema arquitectónico. Se podría decir que es un ensayo más sociológico que artístico. Se trata de “Arquitectura Milagrosa”, de Llátzer Moix y no voy a hacer otra cosa que copiaros un breve párrafo de la contraportada para, con toda seguridad, conseguir despertar vuestra curiosidad.

PORTADA DEL LIBRO

...“ La apertura del Museo Guggenheim diseñado por Frank Gehry obró milagros en Bilbao. Gracias a este prodigio de la arquitectura icónica, la ciudad voló sin escalas de la grisura posindustrial a los brillos de la economía terciaria; de una gravísima crisis estructural a un mañana esperanzado. Alcaldes y presidentes autonómicos de toda España vieron en el ejemplo bilbaíno la clave de su futuro. Atribuyeron a la arquitectura más espectacular y a los arquitectos estrella el potencial transformador que antaño aseguraba una sociedad organizada y emprendedora….”

No hay duda de que en el momento actual este ensayo cobra más importancia si cabe.

En un estilo sencillo e irónico Llátzer Moix nos muestra “los milagros” de la arquitectura fruto de algún que otro “dios” arquitecto. Editado en Anagrama.

Buena lectura para aprovechar los últimos días de verano... y para las otras estaciones.

Cuando PALAZUELO viajó al “reino” de OTEIZA

2011-08-11T09:51:00.017+02:00

No era desconocido Pablo Palazuelo en el País Vasco. Ya había visitado el Guggenheim de Bilbao anteriormente y expuesto en el Museo de Bellas Artes de Vitoria, pero creo la exposición que se realizó de Marzo a Mayo de este año 2011 en Navarra tiene mucho de especial.

Izq: “NOTACIÓN” P.Palazuelo 1984-Dcha. ”CAJA METAFÍSICA” Jorge Oteiza 1958

Sin duda el lugar tiene mucho que ver. Me refiero al lugar que acogió la obra de Palazuelo, el museo de Jorge Oteiza en Altzuza (Navarra), (este blog 26.10.09). El bello edificio proyectado por el arquitecto Saénz de Oiza, fue un lugar idóneo para la muestra. Otro motivo que hizo que esta visita al rincón de Oteiza fuese especial, se debió a que era la primera vez que se abría la Fundación para una exposición ajena a la del propio artista, y además nos traía la obra de Pablo Palazuelo realizada en su etapa parisina, etapa que según se dice fue en la que adquirió su madurez artística.

OBRA EXPUESTA en 13, RUE S.JAQUES PARIS

Finalmente, yo diría que se juntaron en Altzuza dos grandes artistas que tenían mucho en común. No es casual por tanto que el museo de Jorge Oteiza se abriese para un artista como Palazuelo que, al igual que el oriotarra, era un artista obsesionado con las formas geométricas. Ambos fueron también personas marginales en sus pensamientos y en la práctica y muy creativas en las letras, trabajando la poesía y elaborando diferentes teorías artísticas. Se dice que en la biblioteca personal de Oteiza había varios tomos de Palazuelo. Esta exposición logró juntar a dos grandes artistas que en vida no llegaron a conocerse.

PABLO PALAZUELO en el Museo JORGE OTEIZA de Altzuza

También se pudieron admirar allí sus poemas y esculturas, muy presentes sobre todo en sus últimos años, aunque dicen los estudiosos de la obra de Palazuelo que éste llegaba a la escultura desde la pintura, más exactamente desde el estudio de la línea.

CUATRO

Pablo Palazuelo nació en la capital de España en octubre de 1916 y murió en Galapagar, provincia de Madrid en 2007. Se le considera una figura clave en el arte del siglo XX.

Pintor, grabador y escultor, en 1932 comenzó a preparar el ingreso en la Escuela de Arquitectura de Madrid, aunque no sería hasta 1933, cuando comenzase la carrera en la School of Arts and Crafts de la Universidad de Oxford. Fue su padre el que le obligó a estudiar Arquitectura ya que él, desde la edad de ocho años, solo quería llevar adelante su gran pasión, la pintura, y daba prueba de ello llenando sin parar cuadernos con dibujos y acuarelas.

SOLITUDES 1955

Y desde 1939 se dedicó solamente a esa pasión. Sus primeros dibujos abstractos se fechan en 1947. En 1948 el Instituto Francés le ofrece una beca para estudiar en Francia y ese mismo año ya expone en París. Allí conocería al escultor vasco Eduardo Txillida.

En 1949 entra en la nómina de la galería Maeght, una de las más importantes del momento, dónde expondrá hasta los años 80. Su biografía está llena de exposiciones en las galerías más importantes del mundo.

PABLO PALAZUELO EN BOGOTÁ

En 1961 retoma la escultura y desde 1974, fecha en que se instaló en un castillo cerca de Cáceres, sus exposiciones son más habituales en España. Es una época en que la escultura va ocupando un espacio más importante en su obra.

SUEÑO DE VUELO 1977

“Sueño de Vuelo” es una pieza importante dentro de su obra escultórica. Forma parte de un grupo de esculturas que presentó en 1977 en lo que sería la primera exposición que daba a conocer su obra de escultor. El artista llevó a la práctica la escultura paralelamente a su trabajo de pintor, experimentando con maquetas y proyectos. Fue presentada en la Galería Maeght de Barcelona y más tarde en la Galería Theo de Madrid y sería su arranque en la escultura.

PIEZAS DEL PALAZUELO ESCULTOR

No obstante Palazuelo fue fundamentalmente pintor y a la escultura llegó a través del desarrollo de sus dibujos y pinturas. El dibujo es la base de su pensamiento y de él surgirán planos y figuras. Dibujando las siluetas sobre el papel o sobre placas de latón, con sencillos pliegues logra la tridimensionalidad, es decir la figura. Muchas de sus obras surgen del trabajo de plegar y desplegar planos expandiendo superficies.

PAISAJE III

La obra de este gran artista, aunque recorrió todo el mundo, se expuso en lugares de prestigio artístico y fue muy bien acogida y elogiada en muchos círculos, no recibió todo el reconocimiento que merecía. Mucho se ha hablado de las causas de ello. Se dice que una de las razones fundamentales se debe a que en su obra domina una abstracción muy lineal. Palazuelo concebía el arte como un “camino” para dar salida a los problemas del ser humano.

MONROY I. Óleo sobre lienzo. 1974

Tiene múltiples referencias a la historia del arte y sus teorías sobre la línea muestran lo mucho que le influyó la obra y el pensamiento de Paul Klee (este blog 30-05.10). Palazuelo logró un personal lenguaje geométrico que sería la base de su obra, obra que se considera como de una abstracción idealista, muy cercana a corrientes espirituales que otorgan al artista y lo que realiza, una concepción sagrada.

DREAM. 2004

Hay en su pensamiento influencias de filosofía oriental. El desarrollo y uso de la geometría, así como el de las proporciones matemáticas, guió toda su obra, trabajando y variando de mil maneras las formas.

LA LITERNA. Audit. de Barcelona. Pintura sobre Vidrio. 1999

Fue galardonado con la Medalla de Oro de las Bellas Artes en 1982. En 2004 recibió el Premio Velázquez del Ministerio de Cultura español. Fue una persona culta y creativa hasta el fin de su vida.

UNA MUESTRA DE SU OBRA en VALENCIA

De todo ello nos dio fe la nota que se pudo leer en prensa en el momento de su fallecimiento y que decía: “Ha muerto a la edad de 90 años el pintor y escultor Pablo Palazuelo, poeta de la geometría”.

Una visita, muy recomendable, a su Fundación o, en su defecto, un paseo virtual por su interesante web, nos acercará más a este gran artista. http://www.fundacionpalazuelo.com/

EL ARTISTA EN SU ESTUDIO PARISINO en 1962

Fuentes consultadas: Apuntes varios de Archivo propio del Curso sobre Arte del Siglo XX (San Sebastián, 2009).

En la red: wikipedia y diversas notas de prensa.

Para la fotografía: la red y Archivo propio de diversas visitas a museos y exposiciones.

LUCIAN FREUD. El pintor figurativo

2011-07-31T22:54:00.022+02:00

ANNIE Y ALICE 1975

Recientemente nos ha llegado la noticia de la muerte de uno de los más grandes pintores figurativos de nuestro tiempo. En estos últimos meses nos han dejado varias figuras muy importantes del arte contemporáneo y han sido los dos últimos, Claudio Bravo (este blog 25 Junio 2011) y Lucian Freud, que ahora traigo hasta aquí, dos de los pintores que tuvieron un lugar muy significativo entre los pintores realistas.

MUJER CON PERRO BLANCO. 1952

Si Claudio Bravo fue un pintor menos conocido, cuya obra posiblemente se nos acerque más ahora, como ocurre en ocasiones, después de su fallecimiento, no sucede así con la obra de Lucian Freud, un pintor que ya en vida tuvo el honor de ser considerado como una de las grandes figuras del realismo.

BELLA 1982-83

Lucian Freud, (Berlín 1922-Londres 2011), aunque nacido en Alemania, se educó en Inglaterra en dónde su familia se instaló huyendo del nazismo alemán. Hijo de arquitecto y nieto del famoso psicoanalista Sigmund Freud, se diría que la herencia de uno y otro quedó palpable en el artista. La creatividad del padre y el profundo estudio psicoanalítico que parece emanar de su otra, sobre todo de los retratos.

RETRATO DE JOHN MINTON. 1952

Curiosamente en su juventud se inició en el surrealismo. También es cierto que muchos son los artistas que en una época se acercaron al surrealismo por ser mucho más que una tendencia o un estilo pictórico. El Surrealismo, como todos sabemos, fue un movimiento que agrupó mucho más que el arte pictórico y atrajo a muchos artistas hacia sus filas.

No obstante, poco después de la segunda guerra mundial, Freud se convertiría en uno de los principales pintores realistas.

Durante un período estudió en el Central School of Art de Londres y más tarde en la Escuela de Pintura y Dibujo “Cedric Morris’s East Anglian” con notable éxito.

Buen grabador y sobre todo un pintor de retratos excepcional. Podríamos decir que su especialidad era el retrato, aunque sus desnudos son también representativos de su obra.

Tanto en uno como en otro experimentó de forma personal y particular, haciendo su obra inconfundible. Su firma era una marcada carnalidad cargada de luz y de fuerte trazado expresionista, pero a la vez sencilla y con poco colorido.

Los temas, los habituales del artista figurativo: personajes cercanos, familiares, amigos, niños y también mascotas. Las mascotas que acompañan a muchos de sus personajes.

BEBÉ EN EL SOFA. 1961

Se podría encuadrar su estilo en un “nuevo realismo”. En esta nueva figuración encontramos artistas como Alice Neel o Charley Toorop ambas en este Blog (31.10.10 y 25.07.10 respectivamente) cuyas pinturas se alejan de un realismo “amable” y que parecen querer resaltar los rasgos de forma que en ocasiones resultan hasta agresivos.

AMPLIO INTERIOR 1983

No se paraba Freud solamente en físicos agradables, si aquel que tenía delante estaba lleno de defectos, esos eran plasmados en el lienzo, incluso eran remarcados.

Fue muy cuestionado un retrato de la reina Isabel II en el que, al parecer, la crítica consideró que representaba a la reina de manera excesivamente envejecida.

RETRATO DE ISABEL II

En 1943 fue comisionado por el editor Tambimuttu para ilustrar el libro de poemas de Nicholas Moore “The Glass Tower”.

“El Cuarto del Pintor”, un cuadro que fue muy famoso, se expuso en la que sería su primera exposición individual en 1944 en la Lefevre Gallery.

En 1946 dedicó varios meses a viajar por Francia e Italia para, posteriormente, radicarse en el Reino Unido donde permanecería hasta su muerte.

RETRATO DE FRANCIS BACON

Lucian Freud mantuvo una estrecha y larga amistad con Francis Bacon y no hay duda de que la obra de uno nos traslada hasta la del otro. Tampoco podemos ignorar la influencia de Courbet en su obra, sobre todo en los desnudos femeninos.

JOVEN EN LA CAMA 1987

Si su maestría se manifestó sobre todo en los retratos y en los desnudos no por eso podemos dejar de destacar otros cuadros realistas con su estilo detallado y personal que va más allá del simple retrato.

Un ejemplo lo tenemos en “Interior de Paddington” .En este lienzo, en el que aparece un joven vestido con una sucia gabardina, es la influencia del ambiente del barrio londinense el que aparece más marcado. Freud utilizó aquí un contraste de colores desde el rojo hasta el grisáceo para conseguir un ambiente de cierto desasosiego. Para este lienzo necesito meses de trabajo y el modelo que aparece es un amigo del propio artista.

INTERIOR DE PADDINGTON 1951

Freud ha sido uno de los artistas más cotizados en vida. Su obra, no demasiado extensa, ha llegado a cotizaciones astronómicas antes de su fallecimiento, algo no muy usual en el Arte. La Galería Nacional de Australia pagó 7.4 millones de dólares americanos por su cuadro “Después de Cezanne”.

Podemos admirar obra de Freud en el Museo Madrileño Thyssen Bornemisza y también en varios americanos, entre ellos el MALBA de Argentina.

HABITACION DE HOTEL 1954

Lo que nadie puede discutir es que la obra de Lucian Freud no deja indiferente. Se ama o se detracta, pero raramente un amante del arte puede permanecer impasible ante la fuerza que emana. Sus personajes parecen estudiados psicológicamente para posteriormente ser representados, casi “modelados”, después de un largo trabajo de observación.

AUTORRETRATO 1985

Con la muerte de Lucian Freud nos ha dejado otro gran artista figurativo, pero como sucede con los grandes, su obra permanece entre nosotros.

Fuentes consultadas:

Arte del Siglo XX Varios autores. (Editorial Taschen)

Los pintores más influyentes. (Editorial Electa)

Historia visual del Arte. Claude Frontisi. (Editorial Larousse)

La red en Wikipedia.

Para la fotografía:

Las mismas y la red

LA CULTURA DORADA. El oro de Colombia.

2011-07-21T20:33:00.017+02:00

Se ha dado la circunstancia de que en estos últimos meses hayan confluido en mi entorno, cursos y noticias sobre el Oro de Colombia.

CACIQUE QUINBAYA

La primera se ha debido a una conferencia en el Museo Romano de Irún sobre el oro de la cultura Muisca de Colombia y partiendo de ella una interesante exposición sobre la orfebrería precolombina y las diferentes culturas que la trabajaron.

PIEZAS DE ORO PRECOLOMBINO

La segunda es la noticia que nos lleva hasta el Museo de Bellas Artes de Bilbao, http://www.museobilbao.com/ dónde, con el título de “Oro Sagrado”, podemos encontrar hasta el mes de septiembre, 253 piezas de orfebrería pertenecientes a diversas culturas precolombinas que abarcan desde el 500 a.C hasta 1.500 d.C, ya entrados en la conquista española.

PIEZA EXPUESTA EN EL MUSEO BELLAS ARTES DE BILBAO

Poco puedo decir de la exposición que simplemente calificaré de extraordinaria, solo apuntar que son piezas pertenecientes al Museo del Oro del Banco de la República, que es una de las colecciones más importantes del mundo y que son la prueba viva de lo que fue la orfebrería en las tierras Andinas, del Caribe y del Pacífico.

PECTORAL AVE

Si en entradas anteriores he hablado del textil y de la cerámica como de los soportes que nos ha dejado la historia “escrita” de otra manera, podemos decir así mismo que en una sociedad sin escritura, los orfebres escribieron su historia con metales preciosos y sobre todo con oro. Miles de piezas representan sus dioses, animales y figuras. Testimonios de una historia escrita sin letras, en la que “leemos” el origen del mundo, las relaciones de sus habitantes los misterios y rituales de unas culturas misteriosas y llenas de riqueza y en parte bastante desconocidas para nosotros.

PIEZA DE ORO

Entre el 500 a.C y el 1500 d.C es la época en que la metalurgia va a alcanzar sus más altas cotas en Colombia.

Las distintas culturas van a trabajar estilos diferentes y se van a elaborar miles de piezas, tanto de adorno, como de ofrendas. Los objetos tendrán funciones religiosas y simbólicas, pero también serán objetos de lujo que darán prestigio a los gobernantes.

OREJERA

Vamos a encontrar representado al hombre, a los animales y multitud de figuras geométricas. El material utilizado será el cobre, el oro y la aleación de ambas.

Varias son las culturas que se desarrollaron entre ese periodo.

Tenemos entre el 500 a.C y el 500 d.C a la cultura La Tolita cuyo nombre deriva de las tolas, montículos en los que instalaban las viviendas y templos.

Elaboraban en cerámica cántaros, jarros, trípodes y sus figuras eran de notable realismo, pero sobre todo destacaron sus orfebres que fueron los primeros en el mundo en trabajar el platino.

La cultura Tolima, desarrollada en dos etapas también realizaba figuras de peces, lagartos y seres fantásticos, así como colgantes antropomorfos.

PECTORAL ANTROPOMORFO

Los Quimbaya, cultura que encontramos entre el 200 y el 1.400 d.C., es difícil de definir ya que se han encontrados piezas sueltas y trazos, pero también en esta cultura la orfebrería era de alto nivel lo que supone artesanos dedicados exclusivamente a este trabajo.

PIEZA CULTURA QUINBAYA

Con complejas aleaciones consiguen distintos colores. Las piezas son sobre todo narigueras, campanas, brazaletes, diademas, máscaras y también recipientes para las hojas de coca.

Los Tairona cuya cronología va del 300 al 1500 d.C pertenecen al grupo de los Chibchas. Su orfebrería nos recuerda el poder de los animales sagrados.

COLGANTE ANTROPOMORFO

Y finalmente hablaremos de Los Muiscas.

Los europeos encontraron en 1536 a los Muiscas, Guanes, Laches, Chitareros que mantenían relaciones económicas y rituales y se reconocían como parientes cercanos.

Nos vamos a detener en esta cultura porque si hay alguna que haya tenido como centro de su economía el trabajo con el oro, sin duda es la de los Muiscas. En torno a ella gira el mito de El Dorado.

Toda su economía está centrada alrededor de la metalurgia del cobre y plata y sobre todo en torno al oro. Son objetos sagrados que se utilizan como ofrendas.

El mito se generó teniendo como base un ritual que se celebraba cuando se nombraba un nuevo cacique. Éste pasaba varios días de ayuno y una vez purificado se trasladaba al lago sagrado Guatavita. Allí se desnudaba y le cubrían el cuerpo con una resina adhesiva en la que se pegaba polvo de oro. Una vez “envuelto” en este polvo precioso, subía a una balsa y arrojaba en el centro del lago objetos de oro como ofrenda a los dioses.

Esta es la conocida como “la Balsa Muisca” que generó el mito de El Dorado. Es una pieza excepcional en forma de balsa con personajes en su interior.

La confirmación de la ceremonia se pudo confirmar gracias al hallazgo de la pieza, sin embargo no se llegó a encontrar la laguna de Guatavita.

BALSA MUISCA

Sobre el centro de la balsa se encuentra un personaje de gran importancia y tamaño importante que se interpreta como el cacique. Se ve ricamente adornado y rodeado por otros personajes menores. Van ataviados con máscaras y portan estandartes.

La pieza de unos 19 centímetros de largo por 10 de ancho y 10 de alto fue descubierta en 1969 dentro de una vasija de cerámica en una cueva en el pueblo de Pasca al sur de Bogotá. El metal es oro de altísima calidad con cobre y plata en aleación. Posiblemente pertenece al periodo tardío de la cultura muisca.

Antes de este descubrimiento hubo otro semejante en 1856, de una balsa en la laguna Siecha que Liborio Zerda en su obra El Dorado dio a conocer en 1883.

COLGANTE CULTURA TAIRON

Todos estos objetos nos confirman que estas culturas fueron sobresalientes en el trabajo de la orfebrería, realizando con los metales preciosos piezas que nos dejaron la historia esta vez “escrita” en letras de oro. Esa historia es la que se ha conservado y ha llegado hasta nuestros días y es la que podemos admirar estos días en el Museo de Bellas Artes de Bilbao. Os recomiendo también que visitéis la web del Museo del Oro.Banco de la República de Bogotá, en dónde encontraréis amplia información sobre estas culturas y su riqueza. http://www.banrepcultural.org/museo-del-oro

Fuentes consultadas:

Curso-Conferencia en el Museo Romano de Irún: “Grandes tesoros de la arqueología americana”.

Web del Museo del Oro. Bogotá (Colombia)

Culturas Precolombinas. Varios Autores.

Para la fotografía:

Las mismas y el Museo de Bellas Artes de Bilbao.

CLAUDIO BRAVO. LA PERFECCIÓN HIPERREALISTA.

2011-06-25T18:29:00.021+02:00

El 4 de Junio de este año nos llegaba la noticia de la muerte del artista chileno Claudio Bravo acaecida Marruecos en donde se había instalado hacía ya unas décadas. Posiblemente debido a esa estancia en este hemisferio, las últimas exposiciones y noticias del artista estaban más presentes aquí que en la tierra que le vio nacer. ¿O fue su vida cosmopolita la que, al igual que a Matta (este blog 31 mayo 2011), le llevó a alejarse de su Chile natal, haciendo que fuera un artista más reconocido fuera de su tierra? Lo cierto es que Claudio Bravo, chileno o ciudadano del mundo, ha sido uno de los pintores hiperrealista más solicitado de los últimos tiempos.

CONTRALUZ

Recuerdo la última vez que tuve ocasión de visitar una exposición de Bravo. Fue en Biarritz en la sala La Bellevue que el ayuntamiento de la ciudad balnearia dedica, sobre todo en época estival, a exposiciones de grandes acontecimientos de Arte.

FLORES SECAS

Incluso los no amantes del hiperrealismo no pudieron evitar caer rendidos ante la belleza que emanaban los lienzos allí expuestos. Y es que si algún artista hiperrealista vivo (esta exposición se realizó hace unos años) tenía poder para atraer a todo tipo de público, este era Claudio Bravo.

LIRIOS

En esa retrospectiva 50 obras de Bravo que procedían de colecciones privadas fueron colgadas en La Bellevue. Una exposición que se realizó con la colaboración de la Marlborough Galerie de Nueva York.

ROJOS

A los temas, clásicos del artista, como bodegones, naturalezas muertas, retratos, etc. se añadían paisajes, sobre todo de sus últimos tiempos en Marruecos.

PAISAJE. EL ATLAS. MARRUECOS

Sus encuadres perfectos, sus figuras bien encajadas, su paleta de colores eran una característica de su obra, pero sobre todo, lo que hacía de Bravo un artista extraordinario, era ese dominio de las luces y las sombras. La maestría de “dibujar con la luz”.

RETRATO DE MUJER Y BEBÉ

Magistral en su profesión, llegaba a límites extremos sobre todo en los grandes formatos de naturalezas muertas y retratos. Un mundo artístico delicado, refinado, lleno de poesía y totalmente fascinante que lamento que no se aprecie en toda su belleza en las fotografías que adjunto.

EL MAGO

Claudio Bravo nació en 1936 en la ciudad chilena de Valparaíso. De familia de agricultores. parte de su infancia la pasaría en Melipilla, pequeña población rural de Chile.

BODEGON Y PAISAJE

Parece ser que su familia no apoyaba demasiado las habilidades artísticas de un niño que ya con once años dibujaba a la perfección, pero finalmente logró tomar clases de pintura y dibujo en el taller de Miguel Venegas Cifuentes.

CRISTAL. LAPIZ SOBRE PAPEL

Su primera exposición en Santiago con tan solo 17 años, sería el principio de un éxito como pintor que iría de la mano de su éxito económico. Éste fue de tal magnitud que pudo adquirir un avión con el que recorrería Chile. Pero su espíritu viajero y cosmopolita pronto le impulsaría a salir del país y viajar a Madrid.

TRAJE

Sus años en la capital española los dedicó a desarrollar el retrato y sobre todo a estudiar las obras del Prado, siendo Velázquez y Zurbarán los maestros que más iban a influir en él.

AUTORRETRATO

A principios de los años sesenta expone por primera vez en Madrid y su obra permanecería presente durante toda la década en España.

Nueva York sería la siguiente gran urbe que se rendiría a sus pies recibiendo numerosas condecoraciones en esa ciudad. Precisamente fue la Marlborough Gallery de la ciudad neoyorquina la que le representaría internacionalmente desde su primera exposición en ese país.

MONTURA CHILENA

En 1994, una gran exposición individual en el Museo Nacional de Bellas Artes en Santiago de Chile le transforma en un fenómeno social y el artista se reencuentra con su patria. Se instala en la bella región de los lagos, en el Sur chileno, y viaja de nuevo por todo el país.

Pero en 2000 vende sus posesiones y sale de Chile rumbo a Marruecos.

BODEGON ORIENTAL

En Marruecos se había establecido por temporadas en una antigua casa del siglo XIX que había reformado tirando las paredes y pintándola de blanco para incrementar más aún la luz del Mediterráneo. Finalmente este sería su lugar de residencia permanente.

Los habitantes del país, los objetos diarios, los textiles, todo es atrapado por la luz y los colores de Bravo.

JOVEN

También en ese año 2000 recibió de manos de los reyes de España la Cruz de la Orden de Alfonso X el Sabio.

Claudio Bravo había sido diagnosticado de una epilepsia hacía un año, enfermedad que le llevo a la muerte el 4 de Junio de 2011. En Marruecos el artista poseía varias mansiones. La muerte le sobrevino en su residencia de Taroudant.

CHILABA AZUL

Al igual que Roberto Matta que fue enterrado en Italia, a Claudio Bravo también le llegó la muerte en tierras extrajeras. Ambos murieron lejos de su Chile natal y ambos fueron ciudadanos del mundo. Nos dejó un gran artista pero nos regaló su arte que permanecerá entre nosotros.

INTERIORES

Fuentes consultadas:

Sotheby’s Latin American Art. New York Nov.2001

Arte Latinoamericano del siglo XX. Edward Lucie-Smith. (Edic.Destino)

Prensa nacional: El País y El Mundo Junio 2011.

La red

Para la fotografía: las mismas

LUSTRES Y REFLEJOS METALICOS EN CERAMICA

2011-06-15T21:03:00.018+02:00

DETALLE DE JARRÓN DE LA ALHAMBRA.ÉPOCA NAZARÍ

Hoy traigo un poco de historia de una cerámica que nos remonta a la antigüedad. Los LUSTRES y los REFLEJOS METALICOS.

Según el diccionario cerámico el LUSTRE METALICO es el tipo de decoración que se aplica sobre objetos ya esmaltados. Hay lustres metálicos coloreados que no recubren, como los lustres de oro y plata, y que ofrecen transparencia. Normalmente, los lustres metálicos precisan posterior cochura (cocción).

Se aplican en forma de barbotina (barro líquido) conteniendo sales metálicas, sobre una pieza previamente esmaltada y cocida. Se realiza entonces una tercera cocción hasta una temperatura donde el esmalte comienza a ablandarse, usualmente alrededor de los 650º. En ese momento se aplica una reducción (cierre del horno para que no entre oxígeno) para que los componentes metálicos de esa barbotina se conviertan en puro metal. El horno permanecerá cerrado totalmente hasta que enfríe. Solo entonces se sacan las piezas que tendremos que frotar con un trapo húmedo, hasta que nos muestren el lustre sobre el esmalte en toda su belleza. La clave de la calidad del lustre está en el esmalte aplicado con anterioridad.

DECORACIÓN DORADA EPOCA NAZARÍ SIGLO XIV

La tradición de la cerámica de LUSTRE que se inicia en Bagdad, se expandió hacia Egipto y Túnez, penetrando en Europa por el sur de España. Los talleres de Málaga y Manises alcanzaron gran calidad y sus piezas eran objetos de exportación a toda Europa. A partir de 1492, esta producción fue decayendo en calidad. Sin embargo en alguno de los países donde el gusto por la cerámica del lustre había arraigado, se crearon nuevos diseños adaptados del estilo hispano.

CERÁMICA MANISES

Con la expansión del Islam a partir del S VII comienza uno de los períodos de mejor producción en la historia de la alfarería. La extensión de la conquista permitió a los artesanos asimilar técnicas de distintas culturas y hacerlas coincidir con elementos propios: el trazo caligráfico del Corán, la ornamentación vegetal estilizada hasta la geometría y la representación humana vedada a la decoración arquitectónica. Dos hallazgos fueron fundamentales. En el afán por imitar las piezas de porcelana china se desarrollaron diversas técnicas, que llevan a la elaboración hacia el S XII de la "pasta de frita", basada en la pasta egipcia de potasa, cuarzo y arcilla. Esta pasta, de mayor dureza, permitía la realización de tallas y esgrafiados de superficie de gran precisión. La técnica siria del lustre fue adoptada y perfeccionada y en la búsqueda de aumentar las posibilidades de color que brindaban los escasos pigmentos disponibles, comenzó a decorarse bajo y sobre vidriado (vidriado es el esmalte transparente) obteniendo de esta manera distintas decoraciones según la capa vítrea fuera plúmbea o alcalina.

LOZA DORADA Y AZUL SIGLO XIV

Existen referencias escritas del S XIII de cerámicas de lustre realizadas en Málaga. Si bien se fabricaban también en Murcia y Almería, los objetos de Málaga eran superiores técnicamente, al punto que se conocía al lustre como "obra de Málaga". Estas cerámicas se exportaban y se han hallado ejemplares en Inglaterra, Sicilia, Pisa. En Pisa existía la costumbre de decorar las iglesias con "bacini", platos de cerámica embutidos en los muros, de los que erradamente se creyó habían sido tomados como trofeos por cruzados y emplazados en las iglesias como muestra de poder cristiano.

REFLEJOS METÁLICOS SIGLO XIX

En cuanto a los REFLEJOS son iridiscencias que se obtienen con esmaltes sensibles a un determinado tratamiento de cocción. Normalmente se obtienen mediante una atmósfera reductora, (ver Rakú en este Blog día 16.4.09). Esta técnica hace que algunos esmaltes, según los óxidos empleados, adquieran aspecto metálico. Solo se produce cuando en el horno existe esa atmósfera reductora (falta de oxígeno). El proceso es el mismo o similar al del Rakú y la diferencia con el lustre radica en que se aplica a la vez que el esmalte.

AZULEJO ALICATADO. MARRUECOS

Si dirigimos una mirada a la historia, los procesos y las técnicas se repite aquí y allá. Se podría decir que hay pocas diferencias. El proceso que se empleó para elaborar cerámicas con la tierra, el fuego, el agua y el aire en un extremo del mundo, fue igual o similar en la otra punta. Pudo variar en función del mayor o menor aislamiento de la zona y también de las necesidades. A unos les llegó antes la rueda (el torno) a otros más tarde, o no les llegó.

PLATO MANISES FINALES DEL S.XIX

Unos pudieron tener necesidades más básicas y emplear el barro para sencillos utensilios de barro cocido para uso cotidiano, otros alcanzar un alto grado en este arte y buscaron en la investigación de los esmaltes y su belleza un fin para la cerámica, pero en general, unos en Oriente y otros en Occidente, trabajaron la tierra con sus manos y los elementos para dejarnos formas y colores bellos aunque tuviesen diferente utilidad.

ARCO DE LA SALA DE LOS ABENCERRAJES

Fuentes consultadas:

Manual del Ceramista. Bernard Leach

La Loza Dorada. Martínez Caviró

Hornos para ceramistas. Daniel Rhodes.

La cerámica. Jorge Fernández Chiti.

Para las fotografías: las mismas y la red.

ROBERTO MATTA ECHAURREN. Chileno universal.

2011-05-31T16:01:00.029+02:00

Visita estos Encuentros con el Arte y visita mi tierra un artista universal. Encontramos a Roberto Matta en el Museo Bellas Artes de Bilbao http://www.museobilbao.com/desde el 16/5/2011 hasta el 21/8/2011. Su esposa recordó el orgullo que sentía el pintor por su ascendencia vasca.

NACIMIENTO DE AMÉRICA 1953

La muestra nos trae 32 obras inéditas de gran formato que “invaden” materialmente el espacio del museo bilbaino “envolviendo” al visitante con los bellos colores de las espectaculares telas de gran formato de este artista que ha sido figura fundamental en los movimientos artísticos del siglo XX.

SALA DEL MUSEO BELLAS ARTES DE BILBAO

No es casual que en la entrada anterior en este blog (día 17 de mayo) estuviera con nosotros un arquitecto mundialmente conocido que tenía una trayectoria artística más desconocida y que algunos no tengan conocimiento de que el visitante de hoy, este gran artista reconocido en el mundo entero como uno de los mejores pintores que dio América, fue un arquitecto de formación, que después de realizar sus estudios en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica de Chile y titularse en 1933, se hizo marino para salir de Santiago, viajar hasta Europa y trabajar en sus primeros años europeos con el arquitecto Le Corbusier.

ARQUITECTURA DEL TIEMPO obra expuesta en el Bellas Artes de Bilbao

Mas tarde, este chileno nacido en 1911 en Santiago de Chile prosiguió lo que sería todo un periplo viajero que le convertiría en un ciudadano del mundo. En 1934 visitó España dónde conocería a los poetas Rafael Alberti y Federico García Lorca. Lorca le presentó a Dalí y éste fue el que puso en contacto a Matta con André Bretón. La semilla del surrealismo en Matta ya estaba sembrada. Dalí y Bretón tuvieron una grandísima influencia en Matta que en 1937 ya se hizo integrante del movimiento surrealista.

INVASION OF THE NIGT 1941

También viajó a Londres en donde entró en contacto con artistas británicos como Gropius y el escultor Henry Moore (este blog 15 noviembre 2009). Aunque aquí hablamos fundamentalmente de la obra pictórica de Matta, no podemos dejar de lado sus otras facetas como la de escultor y muralista. Algunas de sus esculturas, así como sus murales, aparecen en diversos lugares del mundo, sobre todo en su Chile natal, como más abajo se puede leer.

Una visita al Prado en 1937 le dio la oportunidad de admirar el Gernika de Picasso que le marcaría profundamente.

Pero hubo más influencias en este artista viajero y receptivo a tendencias y movimientos. Marcel Duchamp también dejaría su huella en la obra de Matta.

The EARTH 1942

Hacia 1938 Matta terminó toda una serie de óleos surrealistas que titularía “Morfologías Psicológicas”. En 1939 viviría en París con otro chileno también mundialmente conocido, el poeta Pablo Neruda.

CAMPOS EN TONOS VERDES 1939. Dibujo

En ese año hay una importante evolución del artista del dibujo a la pintura.

La inminente llegada de la Segunda Guerra Mundial le forzó a salir de Europa rumbo a Nueva York.

INSCAPE 1939

Esta etapa que comienza en 1939 nos presenta un Matta no figurativo con un desarrollo de toda una gama de colores como el rojo, amarillo, el azul y el negro que utilizaba para crear espacios y formas. Pronto comenzaría sus paisajes del subconsciente.

WATER 1939

Si hablamos de su obra de manera cronológica diríamos que ésta se extiende desde los años 30 hasta su muerte en 2002. Renovador del surrealismo y figura decisiva entre los seguidores del expresionismo abstracto, movimiento de fuerte presencia en los años 40 en América.

DISASTERS OF MYSTICISM 1942

En sus inicios sus dibujos figurativos evolucionaron hacia la abstracción. También en sus inicios se encuentran elementos eróticos y humorísticos en su obra, obra que estará permanentemente marcada por la inquietud del espacio como idea principal.

El surrealismo estuvo bien presente durante toda una etapa de su vida artística y su influencia se apreciaría en toda su obra posterior.

EL DIA ES UN ATENTADO 1942

En los años cuarenta aparecen los personajes en sus lienzos, con la angustia, el dolor y la soledad.

A GRAVE SITUATION 1946

Entre los años 50 y 60, alejado ya del mundo surrealista, viaja por Londres, París, Roma y llega a Cuba.

AÑOS DE MIEDO 1941

En esa década de los 60 su obra está marcada por un tono político y también espiritual. Muchos de sus temas tocaban acontecimientos reales como la guerra de Vietnam, o conflictos sociales determinados. Se puede decir que esos años marcaron un cambio en su estilo y en sus temas.

DONDE MORA LA LOCURA 1966

Combinó la influencia que recibía de los acontecimientos contemporáneos con sus raíces surrealistas. Fue de los pocos artistas del surrealismo que representaron conflictos sociales y políticos.

EL PROSCRITO DESLUMBRANTE 1966

En la siguiente década abandona la temática política reapareciendo la temática metafísica en grandes formatos.

LAS GRANDES EXPECTATIVAS 1966

En los años 80 aparecen dos líneas de trabajo en su obra. Una cercana al realismo con escenas de la mitología mediterránea, con representaciones de dioses y escenas inventadas y otra abstracta en dónde su temática metafísica alcanzaría la cumbre.

MITOLOGIA 1980

La obra de Matta llega a la emoción del espectador con sus trazos y colores que representan todas las crisis del ser humano pero también con sus pinturas de aspectos caricaturescos e imágenes en las que mezcla figuración, surrealismo y abstracción.

Matta adquirió la nacionalidad francesa en 1969 y en 1990 recibió el Premio Nacional de Arte.

En 1992 recibió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

En los años posteriores la obra de Matta recorrió museos y exposiciones participando él mismo muy activamente en su presentación.

ABRIR EL CUBO Y ENCONTRAR LA VIDA 1969

Roberto Matta es de esos artistas que unen al valor de su obra el haber sido una influencia pictórica para los movimientos artísticos de diferentes países.

ABSTRACCIÓN SURREALISTA

Sus obras aparecen en importantes colecciones privadas, en museos, en instituciones y en lugares públicos de todo el mundo. Si la universalidad de un artista se midiera por el número de lugares en que su obra aparece expuesta, no tendríamos duda de que Matta es uno de los más universales entre los artistas contemporáneos.

Algunos de esas ciudades y lugares públicos en los que podemos admirar su obra son: Ginebra (Suiza), en la colección Art Inverstors. En París, en la sede de la UNESCO. En el Reino Unido, en la University of Essex Collection of Latin American Art. En Nueva York, en la Colección Fundación América del MOMA y en el Museo de Arte Metropolitano. En Ohio (EEUU), en el Toledo Museum of Art. En Cuba, en la Escuela de Bellas Artes. En Venezuela, en la colección Cisneros. En Buenos Aires, en el Museo de Arte Latinoamericano. Y por supuesto en su Chile natal, en dónde su obra aparece tanto en lugares públicos como en universidades y museos del todo el país, como se puede leer a continuación.

Santiago de Chile, en el Metro de Santiago Línea 5, en el Edificio de La Moneda, en el edificio de la Compañía Chilena Consolidada, en el Ministerio de Exteriores, en el Museo de Arte Contemporáneo, en el Museo de la Solidaridad Salvador Allende, en la Universidad de Santiago de Chile, en el Paseo de las Esculturas de Las Condes (Bronce). En la ciudad de Valparaíso, en el Cerro Bella Vista (Mural). En el Museo a Cielo Abierto, en la Municipalidad de La Granja (Mural), en la Pinacoteca de Talca. http://www.metrosantiago.cl/minisitio/verboamerica/

Roberto Matta pasó los últimos años de su vida en Italia en dónde murió en Tarquinia en 2002.

Fuentes consultadas:

Arte Latinoamericano del siglo XX. Ed. Nerea

Latin American Art Sotheby’s. New York

Arte Latinoamericano del siglo XX. Edward Lucie-Smith. Edic. Destino.

Para fotografía: Las mismas y la red.

La otra cara artística de LE CORBUSIER

2011-05-17T15:27:00.048+02:00

Le Corbusier fue el nombre que adoptó para la Arquitectura Charles Edouard Jeanneret. Pero aquí vamos a traer las otras facetas artísticas de uno de los arquitectos más importantes de la arquitectura moderna.

Nació en 1887 en Suiza, en la ciudad de Chaux de Fonds en dónde estudio en su Escuela de Artes y Oficios.

LA CHEMINEE

No sería hasta 1922, al asociarse con su primo, el ingeniero Jean Jeanneret, cuando adoptaría para la arquitectura el apodo Le Corbusier adaptación del apellido de su bisabuela Lecorbésier .

FEMME DANSANT 1954

No hay duda de que nombrar Le Corbusier es decir arquitectura, y no cualquier arquitectura. Preocupado por la planificación urbanística, por la adecuación de la vivienda a la vida moderna, vanguardista a la hora de utilización de materiales, Le Corbusier fue una figura imprescindible para la arquitectura. Pero no todos conocen que este arquitecto era un artista multidisciplinar y completo.

FEMME 1953

Hoy visita estos Encuentros con el Arte el pintor y escultor Le Corbusier y también el artista que ejerció con éxito muchas otras disciplinas y que desarrolló su propia teoría sobre el arte.

En su camino artístico como pintor Le Corbusier fundó el movimiento purista, movimiento derivado del cubismo.

DEUX FEMMES FANTASQUES

Viajero incansable, practicó el turismo de forma también muy artística realizando dibujos, acuarelas, fotografías y pequeños apuntes de los lugares y museos visitados que llegaron a constituir muchos de sus libros.

Todos esos apuntes fueron en ocasiones la semilla de futuros procesos creativos en arquitectura. Le Corbusier fue un hombre fecundo y polifacético, artísticamente hablando.

LA CATEDRAL 1964 (madera policromada)

Todas sus facetas artísticas fueron objeto de la exposición que el Reina Sofía de Madrid ofreció en el año 2007 y que nos dio la oportunidad de admirar una obra plástica de muy alta calidad y no demasiado conocida de un artistas mundialmente reconocido como uno de los mejores arquitectos de la arquitectura moderna.

OZON

La creatividad para Le Corbusier fue algo necesario para vivir. Tocó muchos campos y todos con perfección. Otro ámbito en el que Le Corbusier se movió con soltura fue el del diseño.

SILLA CON RESPALDO diseño de LE CORBUSIER

Su “silla con respaldo que oscila”, o sus sillones de “Gran Confort” se comercializaron en Suiza con gran éxito. Además de ser sobresaliente en el campo de la pintura y escultura y diseñador de mobiliario, trabajó el grabado, el bajo relieve e incluso los tapices.

MANO ABIERTA. (madera)

No podemos olvidar que fue un gran defensor de la fundación de La Bauhaus (este blog días 16 y 23 de Mayo 2010 ) y gran amigo del director de la misma, Gropius, con el que tomaría parte en más de un congreso sobre Arquitectura.

SILLAS diseño de Le Corbusier

En sus obras vamos a encontrar influencia de Picasso pero también de Braque o de Juan Gris, es decir de los grandes cubistas. “La caida de Barcelona” está inspirada en el Gernika de Picasso.

LA CAÍDA DE BARCELONA

La influencia Picassiana es también patente en sus esculturas o en sus tapices. Sus “totems” se hicieron famosos y siendo un buen tejedor de tapices, no los consideró objeto decorativo, sino un “elemento estructural”.

CARTÓN PARA TAPIZ

Es frecuente encontrar en sus obras el proceso artístico del trabajo completo, desde los apuntes previos, hasta la obra terminada.

UBU 1929-1944

Así se puede admirar más de una obra desde el croquis inicial hasta verla convertida, por ejemplo, en una escultura.

UBU 1947

Este hombre que no se limitó a una sola disciplina y que no las consideraba como aisladas una de otra, que buscó la síntesis de todas las artes y consideraba su obra de arquitectura estrechamente unida a su creación plástica, curiosamente, sufrió por no verse reconocido nada más que como arquitecto.

VUE SUR LES TOITS DE PARIS 1917

Es por esto que el encuentro en los últimos años de su vida con Heide Weber, que no sólo se enamoró de su obra, sino que la coleccionó, la promocionó y consiguió que subiese en cotización a límites impensables, hizo que su vida diese un giro de 180 grados.

TRES BAÑISTAS (Museo Heidi Weber)

La Galerista suiza Heidi Weber, conoció al que ya era un famoso arquitecto cuando este contaba 70 años y fue la que se empeñó en dar a conocer el lado artístico desconocido de Le Corbusier.

DOS FIGURAS

El actual museo de Heidi Weber, fue un proyecto con el que el arquitecto soñó toda su vida y que gracias a la tenacidad de esta mujer pudo materializar, aunque no verlo finalizado puesto que murió de un ataque al corazón en 1965 mientras nadaba en la playa.

AGUA CIELO TIERRA 1954

Heidi Weber hizo un trabajo importante por conservar el proyecto en su estado original. Después de un tiempo paralizado consiguió un acuerdo con A. Tavés, uno de los ayudantes de Le Corbusier, que retomó y finalizó la obra. El museo se abriría en 1967.

MUSEO HEIDI WEBER

Se trataba de un nuevo estilo de pabellón de exposiciones que materializaba el ideal de reconciliación entre artes plásticas y arquitectura.

JARRA, CAFETERA Y ACORDEÓN (Museo Heidi Weber)

En la exposición en el Reina Sofía que arriba se menciona, estuvo presente una octogenaria Heide que emocionada explicó que en ese año se cumplían los 40 años de la inauguración del museo Heide Weber o Museo Le Corbusier como es popularmente conocido. http://www.lecorbusier-center.com/

"Picando" en el enlace llegamos a la web de la fundación. Una vez allí existe la posibilidad de entrar en el Museo y hacer la visita. Se trata de uno de los últimos proyectos del arquitecto y tanto el edificio como su ubicación merecen una "visita virtual".

OBRA DE LE CORBUSIER EN EL REINA SOFÍA

En la Costa Azul, cerca al lugar de su muerte en Cap Martín, Le Corbusier proyectó en 1957 al morir su mujer Ivonne, una pequeña sepultura donde ésta descansa y que es una síntesis del pensamiento estético del artista.

RETRATO DE IVONNE

Los funerales de Le Corbusier se celebraron en El Louvre con honores de Estado y el reconocimiento y homenaje de grandes arquitectos como Aalto o Mies van der Rohe.

LE CORBUSIER CON UNA DE SUS MAQUETAS( fotografía editada por Life)

Fuentes consultadas:

Arquitectura del siglo XX. Varios autores (Edit. Taschen)
Siglo XX.Arquitectura . (Edit. Electa)
Arte del Siglo XX. Varios autores (Edit. Taschen)
Textos y Dibujos para Ronchamp. Le corbusier

Fotografía. Las mismas y la red.